Realizada después de una imponente (y creo que no repetida o repetible) saga de obras maestras del western, es quizás por eso, que este otro western de Mann acarrea fama de adjetivos tan banales como "menor" o "pequeño". Pues para nada estoy de acuerdo, pues esta magnífica historia de un ex-sheriff(Fonda) que ayuda a un joven e inexperto sheriff(Perkins), y que reconstruye su futuro tras su triste pasado - hay ciertas influencias de "Raíces profundas" -, resulta ser una película sólida y magnífica de cabo a rabo, para nada menor, sino un western grande de los últimos años dorados del género.
Con un gran guión de Dudley Nichols - guionista habitual de Ford -, es una hermosa película acerca del aprendizaje, de la integridad moral y de la importancia de autocreencia en las posibilidades y facultades de cada uno, que está dirigida muy bien por Mann y focalizada y guiada en la luminosa y clarividente mirada de un Fonda imperial, que son partes - junto a la fotografía, los secundarios, etc.. -, que forman un todo de excelente coherencia ética y didáctica.
Resulta, pues, pamplinero y tercamente reduccionista constriñir esta estupenda película muy por debajo de la extraordinaria saga previa ("Winchester 73", "Tierras lejanas", "Horizontes lejanos", "El hombre de Laramie"), pues ésta se acerca, digamoslo ya, a la obra maestra también y como aquellas. ¡Ah! Y es verdad que le faltan pretensiones (¡y qué bien!). La saga continuó, por tanto.

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La historia ente una mujer cerca de la vejez que se gana la vida escribiendo cartas a los analfabetos que pasan por la Estación Central y un niño que se queda huérfano allí, y del que la mujer se hace cargo.
Es la historia entre dos huérfanos incompletos, de dos almas a la deriva que se complementan el uno al otro, ya que para la señora ese niño es el hijo/nieto que nunca tuvo ni tendrá, mientras que para el niño es el sustitutivo rápido, tierno, cercano, de la madre muerta. Ambos emprenden un viaje sentimental, dónde esa amistad complementaria casi acaba siendo un amor casto, puro, inmaculado. Salles lo describe en una narración delicada, sencilla, directa, lírica, emotiva y emocionante, logrando una gran película, dónde brilla especialmente la colosal interpretación de la SEÑORA Fernanda Montenegro.

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Posiblemente la película más menospreciada de Lynch, un fracaso crítico-comercial, proyecto de lo más ambicioso y arriesgado con el que el cineasta se salió de los circuitos independientes, adaptando el original homónimo de Frank Herbert bajo la producción del "especialista" en fracasos Dino de Laurentis.
Paradójicamente y para quien esto escribe -y me alegro sobremanera de ver que hay no pocos que coinciden conmigo- se trata de una de las mejores y más apasionantes películas que haya planeado/planteado el cine de Ciencia ficción en toda su Historia, una obra de enorme fuerza, ingenio y complejidad a partir de un argumento lleno de recovecos y fascinante: "Dune" es el reverso profano, oscuro y desmitificador de la hipercomercial y sobrevaloradísima saga de "La guerra de las galaxias" de Lucas -prefiero no gastar mucha tinta en comparar-. Se trata de la lucha que en un lejanísimo futuro se establece entre dos bandos por una especia vital -¿sería el agua actual?- para la humanidad y que se encuentra en un planeta desértico, todo dunas, custodiada por unos gigantescos e invencibles gusanos. Es la identificación del Bien y del Mal a través de los dos bandos, la derrocación del Poder egoísta y necio.
Lynch insiste con sus constantes: aparte de la lucha del Bien y del Mal, la exploración del ser humano y sus recovecos mentales, la narración que combina lo aparentemente líneal con segmentos oníricos e irreales, la colección de "freaks" tanto humanos como aquí auténticas bestias, y lo hace con un estilo lleno de ingenio, sorprendente y desbordante, un baño de cine diferente y oxigenante de tal calibre, que mata y supera reparos adscribibles a un film de semejante sesgo: esto es, su ininteligible complejidad argumental, su absoluta falta de concesiones, su caracter eminentemente filosófico/místico... No son pegas ni siquiera nimias para obstaculizar los aciertos escenográficos, de vestuario, visuales, de creación de los "monsters", de maquillaje, las excelentes interpretaciones de un equipo artístico completado por Linda Hunt, Freddie Jones, Silvana Mangano -magnífica como la Emperatriz-, Everett McGill, Keneth McMillan (impecable como el barón macilento, antropófago y homosexual al servicio del Emperador), Sting, Dean Stockwell... o su capacidad combinativa de géneros (desde las "monsters movies" baratas de serie B hasta el más vanguardista cine de ciencia ficción, pasando por el mundo del moderno video-clip y los videojuegos), extrayendo Lynch de todo ello una rara hermosura, dentro de tanta crudeza, escabrosidad y aspereza.
Película admirable e inagotable -a pesar del montaje recortado imputable al zote de Dino de Laurentis-, en muchas ocasiones extraordinaria y absolutamente desafiante, supone un logro absoluto como adaptación y para el género al que se adscribe, y más que seguramente la joya menospreciada de la carrera de Lynch (y luego la Palma de Oro en Cannes a la limitada "Corazón salvaje"). Gran fotografía de Freddie Francis y música de Toto.

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La sinuosa, ambigua y descompensada relación entre dos hermanas (Thulin y Lindblom), una de ellas gravemente enferma, con el hijo de la otra como tercer vértice de un triángulo ambiguo y dramático.
Bergman incide en el drama humano, basado en unos magníficos diálogos, en una puesta en escena funcional y ajustadísima que engrandece profundos y tensos silencios, en una tensión sexual espléndidamente lograda, que unido al tratamiento siempre presente en el sueco de la soledad, la ausencia/presencia determinista de Dios, la angustia de vivir, la muerte, el sexo o el desorden sentimental del mundo, hicieron que fuese hasta censurada o prohibida (en España hasta 1975).
Resulta espléndida la plasmación que hace el maestro sueco de la relación amor/odio, atracción/repulsión, dejadez/dependencia entre las dos hermanas, con el niño en medio del eje.
Interpretaciones magníficas y resulta muy curiosa la aparición de un grupo de enanos españoles y artistas alojados en el hotel dónde están las hermanas y el niño. Obra maestra.

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Está inspirada en el cierre del astillero de Gijón, cierre empresarial por el que esta gran empresa desapareció para dar paso a la construcción de pisos. Este hecho llevó a la calle a centenares de trabajadores, abocados a muy diferentes y traumáticas situaciones: desde el padre de familia que todas las semanas cruza la vía para ir a diferentes entrevistas de trabajo dónde ya sabe que no lo van a coger por una mera cuestión de edad, pasando por el joven casado que está degradando su matrimonio al sentirse inútil viendo como su mujer es la única que trabaja, hasta el hombre abandonado por su mujer y perennemente amargado a un vaso de licor... Y en el medio de todos ellos, Santa (Bardem), el más rebelde de todos, enfrascado en un pequeño proceso judicial y henchido de legítimo y lógico orgullo proletario. También hay otros que se han puesto a trabajar. Pero, como magníficamente describe el título, la película muestra a este grupo de trabajadores en unas permanentes y amargas vacaciones de cemento (como en "Barrio", solo que con gente adulta), con la llegada de otro lunes al sol, sin nada relevante que poder hacer.
"Los lunes al sol" es junto a "Princesas" la mejor película de su director. Prosigue el ya gran director español su temática humanística y social, en una especie de Ken Loach desarrapado español, pero no tan airado ni con la mala hostia del británico, pero sí con la necesaria sobriedad, la progresiva madurez y el sensato equilibrio que hacen de sus películas documentos necesarios acerca de muchos de los problemas actuales.
En "Los lunes al sol" se muestra a un grupo de ex-trabajadores agarrados a un vaso de cerveza o de licor que van degradando sus relaciones personales y sentimentales, siempre en el bar, varados en una situación complejísima de la que resulta muy díficil salir con la necesaria sensación de sentirse aprovechables (y es que está película puede ser cinícamente atacada por la derecha recalcitrante y especulativa aduciendo que estos personajes no acaban siendo sino una especie de inútiles, que se han estancado y lo que realmente quieren es no trabajar, porque "siempre hay trabajo en lo que sea", me ahorro comentarios), dónde se aboga al menos por el mantenimiento de unos pequeños ideales y de un notable orgullo para seguir manteniendo en sí mismos una mínima e inconsciente autoconfianza.
Cabal, equilibrada y magnífica, hay momentos maravillosos (el hombre abandonado por su mujer), y cuenta con unas interpretaciones espléndidas y un Javier Bardem que ya iba camino de ser una institución absoluta, un icono perenne de referencia para el Cine.
P.D.: Me permito dar unos pequeños y humildes consejos al amigo Txarly:
1.- No des consejos.
2.- Si quieres afeitate y sino haz lo que te dé la gana.
3.- Haz una película de una santa vez y regalanos esa esperada obra maestra.
4.- Si ya la has hecho dinos su título, la vemos y aplaudimos. Pero no des más consejos de este tipo y con estas formas, por Dios o por quien te dé la gana.

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