Esto es el inicio de un movimiento del que apenas quedan cineastas que crean en él. Ni los propios fundadores cumplen ya, sus diez votos de castidad y se dedican a otros menesteres.

“Festen” es sin duda, una de las películas que todo cinéfilo debe ver. Su fuerza radica en un espléndido guión, casi sin fisuras y en la que los giros arguméntales son auténticas puñaladas. Sus protagonistas nos aturden con una colección de gestos y silencios expresivos, con miradas calculadoras y sonrisas despreciativas. Todos ellos asumen sus roles en pantalla y lo plasman con esa verisimilitud que otorga el cine Dogma.

Thomas Vinterberg aturde con una historia macabra, con un humor negro difícil de comprender y con situaciones que rayan lo abstracto.

Como nota negativa diré que el personaje del novio de raza negra está sacado bajo manga y metido con calzador.

Para aquellos que no quieran rebuscar entre webs y no sepan a que se dedican estos del Dogma, aquí pongo los diez votos de castidad del manifiesto Dogma:

1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
8. Las películas de género no son válidas.
9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
10. El director no debe aparecer en los créditos.

Chago77

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Tenía pendiente esta crítica desde hace mucho tiempo, pero la enormidad me creaba un nudo en el estómago. “Beautiful girls” cambió mi forma de ver cine. A parte de algunos clásicos que caían por casa o echaban en televisión (hablamos del 96 cuando la banda ancha era un sueño y nuestro módem hacía un sonido endiablado que ahora recordamos con nostalgia) había un tiempo en que mis visitas a una sala de cine no distaban mucho del box office americano. Solía ir todos los miércoles (día del espectador por aquel entonces). Ese frío día quedé con mi colega en la puerta de un cine con tres salas. Allí mirando la cartelera decidimos, o él decidió entrar a ver una película donde salían “chicas guapas”.

Salí del cine en silencio. Sin tener muy claro lo que había visto, lo que había sentido.
- No hay tiros –le dije sonriendo mientras volvíamos a casa muertos de frío.
- No.
- No hubieron bombas.
- No.
- ¿Y las persecuciones? –él, siempre parco en palabras, se encogió de hombros.
- No ha estado mal ¿no?
- No lo ha estado. Estaban muy buenas.
- Sí –dije yo pensando en Natalie Portman.

Ya en casa mientras me quitaba la ropa y me iba a la cama seguía pensando que había visto. Pensar después de salir del cine no era algo a lo que estuviera acostumbrado. Ya tumbado y mirando al oscuro techo me dije que esa película me había gustado mucho. Pero aún no sabía por qué.

Era tremendo. El despertador sonó y mi cabeza en lo primero que pensó fue en Portman patinando sobre hielo, en Uma Thurman pescando en una cabaña, en Michael Rapaport quitando la nieve que horas antes había almacenado sobre la puerta de un garaje (que escena más bonita señores), en una impresionante y pavorosa Lauren Holly, en Rosie O'Donnell dando lecciones magistrales mientras hacía la compra, en un piano, en la nieve, en el color champagne… en Natalie Portman… y en Natalie Portman.

“Beautiful girl” es una película enorme con un guión soberbio y una banda sonora magistral que en mi cabeza uno no llega a entender como puede estar descatalogada en España: Billy Paul, Pete Droge, the Diamonds, Ottis reading versioneado por Roland Gift y todas y cada una de la piezas musicales que encajan a la perfección.

Fabuloso elenco de actores que como se dice están en estado de gracia. Tocados todos por una gran varita mágica. El rescate interpretativo de Timothy Hutton que no podía despegarse de su papel de “Gente corriente” (Robert Redford, 1980) es impresionante y su relación con la fabulosa Natalie Portman algo que quedará en los anales de la historia.

A partir de entonces, pensar en los cines se convirtió en algo habitual.

Chago77

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Hay películas que desprenden sensibilidad desde el primer fotograma. “Once”, es una de ellas. Sin alardes técnicos y sin demasiado bombo, John Carney consigue llevar a cabo un proyecto lleno de momentos inolvidables. Alejándose de lo que se considera un musical al uso, Carney escribe y dirige una historia que sin buscar pretensiones nos arrastra canción tras canción, a la búsqueda de esa cosa –en muchas ocasiones bastante abstracta- que llamamos amor.

Aunque en un principio, Carney pensó en Cillian Murphy para la película, tras la negativa del actor, al proyecto le fue difícil encontrar una financiación. Con poco dinero y muchas ganas, Carney tiró de amigos y ha conseguido un poquito del corazón de cada espectador. Carney sabe como, sin caer en la ñoñería, hacernos felices y salir de sala con la sensación de encontrarnos con un mundo mejor.

Las canciones compuestas por Glen Hansard (solista y guitarrista de The Frames), que van hilando la historia de dos personas: un chico (el propio Glen Hansard) y una chica (Markéta Irglová). Hay química, ternura, y deseo entre estas dos personas. Hay un algo que te clava en pantalla y te hace respirar más fuerte. La música, de una fuerza avasalladora, nos produce algunas de las mejores escenas de la película.

No se corta el director, en tenernos tres minutos de canción en la escena. No se azora en buscar planos sensacionales y en hacernos recordar que en el cine… hay que disfrutar.

Chago77

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Quizá esta película levantara en mí, sensaciones de desasosiego, de fuerte afinidad o de ímpetu por la aventura. Quizá lo hubiera hecho hace algún tiempo. Pero os voy a narrar un hecho que pudo cambiar mi opinión sobre ciertas cosas, entre estas, la película.

Tengo un amigo, cuya madre es todo corazón. Es buena gente, educada, inteligente y servicial. Fue también, en su momento, una segunda madre para mí cuando yo vivía en aquel lugar. Recuerdo que yo estaba en la cama de un hospital y ella, venía a verme con regularidad, dejaba que mi madre se tomara un descanso y fuera a casa. Esta mujer un día, con lágrimas en los ojos me dijo que su otro hijo (el hermano de mi amigo) llevaba ocho días sin decir nada. Estaba sólo de vacaciones por Marruecos.

La mujer, desconsolada, no llegaba a comprender porqué le costaba tanto coger un teléfono. Yo intentaba consolarla diciéndole que era un país muy seguro, con gente hospitalaria y con pocos teléfonos. Nada de esto era falso, pero también yo sabía que si querías llamar podías hacerlo.

Al cabo de una semana el volvió sin haber dado señales de vida. Cuando yo le pregunté por qué, me contestó que no tenía que dar cuentas a nadie. Que por eso desaparecía. Entonces comprendí que no era cuestión de desintoxicarte de este mundo computerizado, que no era cuestión de una búsqueda existencial o de abrazarse a largos periodos de silencio. Era egoísmo. Pensé para mí cuantas veces pude caer en este error, en cuantos viajes, mi madre se sentó al lado del teléfono esperando una llamada.


En “Into the Wild” hay una frase que resume quizá todo esto: “A veces, los hijos pueden ser muy crueles con los padres”. Tal vez por ello, no congenio con el protagonista, tal vez por ello, me cae hasta mal. Emile Hirsch hace bien su trabajo, consigue que quiera darle una patada y espabile.

Con una road movie, Sean Penn plasma con acierto, la experiencia enriquecedora del viaje y la aventura de adentrarse en lo desconocido. De la mano de uno de los más grandes escritores de aventuras, Jack London, el protagonista nos desvela, en casi siempre innecesarios flashback, trazos de sus relaciones familiares para que podamos recomponer su presente y quizá, entenderle. También me pareció innecesario el no mantener la linealidad en la historia, algo que se está poniendo muy de moda.

Aunque la labor en la dirección de actores es muy significante (además de su actor principal, podemos también gozar con una soberbia actuación de Hal Holbrook) a Penn se le escapa un poco el excesivo metraje de una historia que debería haber durado mucho menos.

(sigo sin desvelar nada)

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Me agrada de todas formas, ese lento devenir en la historia que poco a poco, consigue envolvernos. Consigue así Penn implicarnos emocionalmente con el convencimiento que conocemos a un vagabundo en estado de reflexión. Aunque su protagonista no evoluciona hasta el final de la cinta. Acompaña al chico una hermosa fotografía y Eddie Vedder, cantante de Peral Jam, que compone de manera brillante la banda sonora de la película.

Pudo ser mejor, pero no deja de ser algo diferente y bien realizado en el desastroso panorama fílmico.

Chago77

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Acostumbrado a lidiar con los personajes femeninos que Krzysztof Kieslowski me había ofrecido, retrocedí en su filmografía para situarme cuando aún era un desconocido por Europa. En “No mataras” no hay personajes femeninos que lleven la historia. Son tres hombres que se cruzarán en la vida por un crimen. Este crimen sirve de pretexto a Kieslowski para crear un alegato perturbador en contra de la pena de muerte.

Sitúa dos ejecutores diferentes: un asesino y el Estado que encausa al primero ejecutando el mismo castigo que cometió el criminal. Moralejas o alegatos a favor/en contra aparte, Kieslowski se sirve como siempre de una gran fotografía y banda sonora. Usan una ambientación decrépita que acierta con el tema, pero que a mí personalmente, me resulta demasiado artificial.

El ritmo que impone el director polaco me deja algo somnoliento, me da la sensación que nunca llega a arrancar y el guión no está tan cuidado como luego haría su director, tal vez al hecho de ser un alargamiento de un mediometraje. A nivel interpretativo, sólo al joven abogado me lo creo en su papel. Krzysztof Kieslowski mejoraría y mucho con el tiempo.


P.D. ¡cómo anda el patio por aquí! ¿No? Chicos, que esto empieza a parecer el gran hermano. Vamos a calmarnos un poquito todos y respiremos fuerte que si no, habrá que pedir a Pablo Kurt que cambie el nombre de la página por el de Filmbrother. Un saludo a todos.

Chago77

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