Eastwood se fabrica en Gran Torino un papel a medida, una exacta replica de lo que su admirado/entregado fan quiere ver, todo un touchdown en cuerpo y alma, un golpe ganador de un rey imbatible.

Sorprende en su noble y desnuda mirada el vehículo elegido para su retirada interpretativa, una despedida triunfal que le ennoblece, una historia sencilla, despegada de excesos, cotidiana y mordazmente cautivadora. Gran Torino puede y debe verse como un film modélico, un copioso manjar para paladares selectos, una película que guarda en su sereno y adulto mensaje un bello relato de amistad, dolor, fe, redención, recuerdos y sentimientos, un alegato perspicaz contra el racismo y la difícil cohabitación entre culturas, otra (y van…) demostración de sabiduría de un viejo zorro que hoy por hoy se vuelve a posicionar como el último cineasta clásico en vida, algo que no le priva de seguir evolucionando en cada nuevo sacrificio cinematográfico, avanzando velozmente en su particular escala de valores, unas manos de artista que moldean una creación del todo milagrosa.

Clint Eastwood, en su genial encarnación de veterano de guerra gruñón y atormentado, divisa sentado desde su porche un vecindario multirracial, violento y desdibujado, con la amenaza constante de bandas callejeras y la desaparición de principios y valores, una sociedad muy bien radiografiada por el objetivo limpio de un director enfurecido con el mundo, una furia que se refleja sentida en la relación maestro/aprendiz del protagonista con el tímido Thao, un chico oriental que albergará esperanzas en el dolorido corazón de un hombre angustiado, un Kowalski que emprende su viaje final en solitario, sin el apoyo ni el cariño de una familia aterradora o el perdón definitivo de sus pecados en batalla.

El realizador de Sin perdón presenta insuperable doblete (El intercambio y Gran Torino) en su posible y merecida presencia en los próximos Oscar, unas candidaturas que podrían premiar por fin su intachable trabajo como actor, Gran Torino es su llave a la puerta del definitivo reconocimiento.

LO MEJOR: La cada vez más interesante faceta del Eastwood compositor, aquí atreviéndose incluso a cantar en la hermosa canción final. Todos los actores asiáticos, en especial los dos jóvenes hermanos. La fotografía de Tom Stern (virtuoso iluminador del maestro en sus siete últimas películas) y su falta de pretensiones.

LO PEOR: Falta desarrollo en algún que otro personaje secundario y huele (esta vez sí) a retirada definitiva de Clint frente a las cámaras.

deivi

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Eventualmente aparecen ante nuestros ojos pequeñas películas que casi sin avisar reavivan la esperanza en el cine moderno, estas pasan por denominarse crowd pleaser, agradables sorpresas que alimentan de forma natural al corazón de medio mundo dentro del insípido panorama cinematográfico. Danny Boyle, cineasta poco dado al encasillamiento, se resarce de su último y algo más ambicioso fracaso (Sunshine) para lograr una cinta simplemente extraordinaria.

Slumdog millionaire, obra que podría emparentarse con la modesta y poco conocida Millones, es una maravillosa odisea espacio- temporal que arropada de una bella historia de amor fecunda un dibujo desolador de una India tristemente hermosa y pobre, una ambigüedad que Boyle desempolva surcando en rítmico frenesí un mosaico audiovisual impresionante y vertiginoso, una joya que explosiona en su esplendorosa dirección multiángulos.

La entrañable historia de Jamal Malik, demuestra la fuerza constructiva de un texto imaginativo, fresco y original, una crónica duramente realista por las calles de Bombay, un honesto cuadro costumbrista salpicado de magia y ensueño. Nuestro protagonista será el millonario concursante de la versión hindú del célebre programa ¿Quieres ser millonario?, utilizado como escaparate para el reencuentro con su amada (Latika), una hermosa y ágil historia romántica que llevará al joven huérfano por situaciones de peligro, enfrentamientos y penurias en su búsqueda desesperada del verdadero amor. Slumdog Millionaire es una entusiasta delicia que dará mucho que hablar durante los próximos meses, una película que irradia vitalidad y desparpajo en cada rincón de su milagrosa existencia, todo un descubrimiento de fragancia exquisita, una verdadera experiencia de luz, color, transparencia y talentos.

LO MEJOR: El poderoso arranque y su emocionante desenlace, un círculo perfecto de maquinaria narrativa. La naturalidad y sencillez de todos sus intérpretes, la utilización de la música dentro del relato, la fotografía, la dirección de Boyle, los geniales títulos de créditos finales, un homenaje al mejor Bollywood. La cruda mirada a una India sufrida y descompensada. La poesía de su mensaje, la relación amor/odio de Jamal con su hermano Salim, la respetuosa representación de la infancia, el guiño a Los tres mosqueteros, TODO.

LO PEOR: Que la avalancha de premios conseguidos y los que quedan por venir (Oscars inclusive) le resten gramos de espontaneidad y frescura para ciertos sectores que se acerquen a ella con expectativas preestablecidas.

deivi

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Darren Aronofsky consolida poco a poco su innegable condición de autor prodigio dentro del actual cine americano, un cineasta salvaje con alma indie que realiza obras de notorio riesgo, películas experimentales y a contracorriente, un cine cada segundo más personal y tremebundo, así, sin parches ni excesos disecciona en The wrestler una reflexión triste y fulminante de un personaje que viene a engrosar dignamente todo el glosario bendito que el 7º arte ha dado y dará de los perdedores, un solitario que vaga sin rumbo hacia los infiernos, un Mickey Rourke que logra (papelón creado a su imagen y semejanza) esa fragilidad necesaria para raptar sentimientos y ganar fieles seguidores en su oscuro sacrificio interno.

El luchador se representa en arrebatadora catarsis emocional, puro terrorismo cinematográfico, una plegaria que Aronofsky inmortaliza en la piel de un guerrero agotado, un ritual de dolor y filosofía vital, una de las más directas confesiones sobre la propia existencia.

Randy “The Ram” no cicatrizará del todo sus heridas en la hermosa historia de amor, mimada por Aronofsky con romántica melancolía, con una madre stripper, papel que Marisa Tomei materializa en milagro, quedando ya muy lejos su polémico Oscar de manos de Jack Palance y demostrando una increíble madurez tanto física (luce una figura despampanante) como interpretativa, una mujer que verifica su buen gusto a la hora de elegir sus trabajos, ella junto a Rourke son la química que hace rodar esta magullada colección de lamentos. Un mártir (muy bueno el momento en que Cassidy le dice a Randy si ha visto o no La pasión de Cristo) que busca en el fin del abismo una familia perdida, una hija despechada por la ausencia de un padre en el tiempo, una paz que solo habitará en su dura profesión de batalla, de rugir en un cuadrilátero que no podrá dejar jamás. Aronofsky filma un trozo de vida con la naturalidad y fiereza de un drama TOTALMENTE RECOMENDABLE.

LO MEJOR: La curiosa y detallista ojeada al oficio del wrestling, el respeto y cariño entre compañeros de profesión. La colosal performance de Rourke, el otrora sex simbol de los 80 resucita en un acierto de cast inaudito. Marisa Tomei, de un atractivo cegador, el combate/discurso final, la relación triangular entre Randy, Cassidy y su hija Stephanie (Evan Rachel Wood, la dulce chica de Across the Universe) y la faceta de Darren Aronofsky como director/productor.

LO PEOR: Que las vivencias de los “loser” sean un redil común en el cine y que pueda tener ciertos ecos de Rocky Balboa, última y decente entrega de la famosa saga pugilística.

deivi

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En un principio no me resultaba del todo chocante que Nispel y Bay se propusieran hacer el remake, o mejor dicho redux, de un film como Viernes 13, uno de los hits de género más cacareados de principios de los 80, una película que vista hoy pierde gran parte de su supuesta capacidad terrorífica y pone en entredicho sus escasas cualidades, por ello podría esperarse un mínimo afán de relectura, de actualización y mejora de aquella primera entrega de la famosa y duradera saga, una puesta a punto del slasher más descerebrado, una estrategia que visto los resultados nunca debió ni imaginarse.

Marcus Nispel parece haber dirigido este horrible engendro con los descartes de su anterior revisión de otro clásico del terror moderno, la muy superior La matanza de Texas, un producto bochornoso que utiliza a modo de remezcla las incontables secuelas del psicópata Jason para no menos que destruir la figura de uno de los personajes más icónicos del horror contemporáneo, un batiburrillo sin gracia que no puede sino contaminar al género con la desvergüenza de un producto que aprovecha la base argumental del primer Viernes 13 para no molestarse en contar nada, siendo más que una película una sucesión de sketchs, involuntariamente cómicos, en donde el pobre de Jason mata sin piedad a esos pobrecitos y siliconados jóvenes imbéciles que se atreven a pisar las cercanías del ilustre y mortal campamento de Crystal Lake para acabar despedazados por las manitas del marginado psicópata. Jason Voorhees es presentado aquí casi como un superhéroe que corre, salta y mata como si del mismísimo caballero oscuro se tratara, un planteamiento que cansa en su colección inagotable de clichés y esquemas repetitivos, no esperábamos originalidad pero sí, al menos, una pizca de entretenimiento.

Además Nispel viste con el clásico atuendo a nuestro celebre protagonista, mascara de Hockey inclusive, teniendo en cuenta que este no salía así hasta la tercera entrega de la franquicia, con la única excusa del mitómano abnegado, una secuela más que vuelve a poner en entredicho las escasas ideas de los cerebros hollywoodienses, un flaco favor al cine fantástico, al esquema ya agotado de asesinos en serie y al cine en particular, un gazpacho estrepitosamente malo.

LO MEJOR: Pues la verdad y por decir algo el alto contenido voltaico en cuanto a sexo y carne se refiere, destetes variados y silicona power para lo único potable de tan ínfimo subproducto y el larguísimo prologo, algo más de 20 minutos, en donde al menos no se llegan a las cotas de subnormalidad del resto del metraje.

LO PEOR: Todo lo demás, que no es poco y la caradura de vendernos esto como un revival de la inocente pero divertidísima reina de la casquería dirigida hace unos 30 años por Sean S. Cunningham, una obra maestra al lado de bodrios como este.

AUN PEOR: Que sus intenciones sean ahora destrozar la excelente y nada caduca Pesadilla en Elm Street del artesano Wes Craven, temblemos.

deivi

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Con un enorme despliegue promocional, y una mastodóntica campaña publicitaria, poco o nada usual para un producto español, llega la nueva cinta de Alejandro Amenábar, un acontecimiento con ambición desmesurada que sin duda eclosionará el box office proporcionando cifras millonarias en su primer fin de semana en cartel. La primera y sana de las intenciones por parte de su creador serán cumplidas con creces, en favor de una desorbitada y estudiada cinta histórica con la que el director de Los otros vuelve a poner en entredicho sus carencias e inclinaciones hacia un envoltorio de oropel y brillo en absoluto acorde con las debilidades reales de su cine. Amenábar controla lo espectacular, lo grandioso, y se olvida de lo pequeño, el detalle que da emoción y cohesión al conjunto, realiza un peplum para intelectuales donde abarca demasiadas temáticas, demasiados hechos, demasiados objetivos, los cuales nunca dan entidad a este aburrido, apasional, fresco romano.

Ágora, encierra un discurso obvio, el alegato demagógico sobre los fundamentalismos religiosos y el fanatismo desbocado de una época marcada por el imparable ascenso del cristianismo. En medio de todo ese entorno hostil aparece Hipatia, una mujer única atrapada en un tiempo dominado por hombres. Filósofa, astrónoma, matemática, la bella pensadora es, por meritos propios, un verdadero icono feminista, una mártir pagana que tuvo que convivir en los albores del coronamiento al catolicismo teodosiano, luchando por mantener invictas sus convicciones, alejándose de la fe para solo abrazar la razón y entender el caprichoso funcionamiento del cosmos. La interpretación de Rachel Weisz es de lo poco que se salva de un error de cast imperdonable, con una mala dirección de actores, otra de las lagunas de Amenábar, un tempo circular que no avanza dotando de cierta pesadez a la película, un recorrido árido y espeso que desorienta al espectador, adormecido por un texto sin entusiasmo, expoliado de expresividad narrativa, una carga de la que raramente puede sobreponerse.

Aún con esto, es sorprendente la libertad creativa de la que dispone Amenábar, es un hecho irrefutable que este juega en otra liga distinta al resto de los directores nacionales (aunque habría que ver que son capaces otros muchos con los medios de los que dispone Amenabar), sus ganas de internacionalizar el producto y dar empaque de superproducción, intimista, a un inusual drama épico científico no deben de restar puntos, pero desgraciadamente se necesitan bastante más que pretensiones para ganarse el título de autor, hasta el momento Amenábar es solo un dignísimo artesano, pero sin la autoría de un nombre con estilo propio designado, quizás funcionase mejor al servicio de las historias de otro (uno de sus peores lastres es el guión de Mateo Gil y él mismo), dentro de la industria hollywoodiense de la que tanto parece (copiar) admirar y a la que no tardará demasiado en ajustarse definitivamente.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

LO MEJOR: La belleza serena, tranquila, espontánea de Rachel Weisz (el simbolismo de Hipatia como mujer liberada, erudita del pensamiento y maestra neoplatónica). La música de Darío Marianelli, bellísimo score en donde destacan los lamentos, muy de estilo morriconiano, con las voces de la cantante iraní Parvin Cox y un emotivo tema central hábilmente desarrollado a lo largo del metraje. El compositor italiano demuestra, nuevamente, su condición de gran plasmador de lugares legendarios, aquí la mítica Alejandría, y su poética capacidad de subrayar emociones. Es en el apoyo de una banda sonora excepcional donde Amenabar consigue lo poco remarcable de su personal y fallido mitin en contra de la extendida violencia natural del ser humano.

LO PEOR: Lo hastiado que acaba uno al termino de la película, sin sentir nada, ni lo más mínimo por sus personajes, y es que difícilmente podemos ver en Ágora sentimiento, no existe, hay lluvia de ideas sin rumbo, y hay un perezoso, apoltronado genio, imbuido por su propia falta de humildad. El trabajo de Oscar Isaac como Orestes, el peor parado del elenco, y el abuso de planos cenitales y desde el cielo al estilo Google earth, que tan de moda parecen estar últimamente.

deivi

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