Ver Across the Universe sólo como una película es un ingrato error. Across The Universe es una experiencia que va más allá de lo filmico, es una obra llena de vida, una crónica de algunos de los años más vibrantes de nuestro siglo y además una innovadora obra visual (y auditiva). Insoportable para escépticos y puristas, hay que ver Across The Universe como una carta de amor a esos dos pilares de la tierra que son la música y el cine, ya que estos son los protagonistas de esta historia de amor épica e intertemporal que va más allá de las convenciones sociales y / o cinematográficas. Si lo que nos cuentan ya lo hemos visto, poco importa, porque la pasión con la que se cuenta es realmente lo que cuenta (valga la redundancia).
La directora Julie Taymor filma su gran obra (tras las infravaloradas y rompedoras Titus y Frida) con los excesos que la caracterizan, en un cine que confraterniza con Baz Luhrman, pero imprime un sello imborrable en esta gran odisea en la que abarca grandes historias con la banda sonora de nuestras propias vidas: Los Beatles, cuyas revisiones e inserciones en la historia crean momentos realmente inolvidables (Because, Let It Be, Strawberry fields forever , Something… y la larga y perfecta lista al completo).
Por otra parte, la dirección de Taymor puede ser discutible en algunos aspectos, pero desde luego hay que alabar su valentía por defender un estilo único, en el que lo espectacular se da la mano con lo intimista, con el hilo indiscutible de su pasión por la historia que cuenta, por la manera en que lo transmite a imágenes y la forma en la que está cosida la historia, de nuevo con esa, repito, maravilla de música, algo que desde luego no es una novedad, pero sí un tributo.
Señalar asimismo la excelente labor de unos actores en perfecta armonía con la gran maquinaria en cuanto a historia y producción que llevan tras de sí, pero más allá de lo buenas o malas que pudieran ser sus interpretaciones, lo que sorprende y a la par maravilla es la magia que desprenden todas y cada una de las caracterizaciones.
Arte en estado puro.

jaly

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La Lolita que nos presenta Adrian Lyne tiene mucho más que ver con un ser humano, perverso, pero humano, que la que nos dejó Kubrick, plagada de excesos, lejana, nunca apasionada, que reducía a sus protagonistas, Sue Lyon y Peter Sellers al estereotipo más burdo y distante.
Esta Lolita es sin lugar a dudas una obra infravalorada, a la que la polémica de su momento de estreno ni mucho menos ayudó (en ¡¡¡¡¡¡1995!!!!!!!), sufriendo el acoso y derribo de los sectores más reaccionarios de la sociedad que no vieron más allá del estereotipo de la historia de un hombre maduro y una niña de 12 años.
Pero esta Lolita no es ni mucho menos la obra morbosa que muchos quisieron ver, sino un complejo y duro retrato de una obsesión, que es fiel a su referente, es fiel a sus personajes, y es fiel a la audiencia, algo que no se pude decir de la anterior versión. En el continuo viaje de Humbert y Lolita vamos descubriendo las motivaciones y los motivos del dolor que sienten el uno por el otro, lo que en parte les ha unido, y lo que en parte no puede separarles. El caráter destructivo de ella y el autodestructivo de él cran una bomba de relojería que por mucho que oculten o nieguen explotará dañando a todos los que alcance. El uso en esta película del personaje de Quilty lo que hace es integrarlo en la historia a modo de perfil perverso de Humbret, de ahí su ensañamiento al encontrarse con él.
Desde un punto de vista técnico, Lolita es una bellísima reconstrucción de ese viaje en el que Adrian Lyne nos enseña los bellos Estados Unidos y en el que el autor da un paso más en la madurez artística que supone se carrera, desde los duros ochenta hasta la excelente Infiel, pese a que muchos de los excesos de su cine aún están patentes en Lolita.
Y por último, Jeremy Irons vuelve a su personaje favorito, aquél de moralidad confusa, de perversidad cuestionable, per en este caso añade en él un halo romántico y patético que hace de su duro y dificil Humbert una interpretación casi perfecta, casi tanto como el de la malograda Dominique Swain, Lolita perfecta, Lolita perversa, triunfadora en su tour force interpretativo, valiente, conmovedora, despreciable, y poseedora de esa belleza triste de la que hablaban Navokov y Humbert. Por último Griffith hace su última gran interpretación en el cine demostrando porqué llegó a tener el nombre que tuvo, ya que su Charlotte es una auténtica cascada de matices, que consigue una incuestionable presencia en su breve papel.
La película es acompañada asímismo por un ambiente romántico que la hace opresiva y bella, y una maravillosa música de Ennio Morricone.

jaly

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18 Comidas se articula alrededor de la mesa, de la ceremonia que supone en un país tan comilón como el nuestro, y más aún en Galicia, el sentarse a las tres horas principales del día con familia/amigos/conocidos/enemigos para tomar un respiro a la rutina de la jornada. El acierto de 18 comidas es la utilización de esos tres momentos del día como situaciones catalizadoras de los sentimientos no dichos, sufridos, deseados o disfrutados, por parte de sus personajes.

Es cierto que en la película se podrían pulir detalles para hacerla más trascendente, importante (en el buen sentido de las palabras), por ejemplo utilizando más su espléndida localización (Stantiago de Compostela, ciudad bellísima), pero 18 Comidas se convierte en una cinta interesante sobre como el amor y la falta de él afecta a todos, y en un loable ejercicio de complejidad argumental y logística si tenemos en cuenta que se rodó en poco más de una semana

Como parece evidente, 18 Comidas es una película de personajes. Aunque en la primera parte (el desayuno) la película tarde en arrancar y en enganchar al espectador, es una vez éste a conocido a los protagonistas de la historia cuando ya no quiere desembarazarse de ella.

Todas las personas que componen estas 18 Comidas consiguen robarnos algún instante de emoción, por lo natural, sencillo, cercano, y sin embargo particular, de sus caracterizaciones, llevándonos de la comedia al drama con asombrosa facilidad (los dos fiesteros continuos, el extranjero en busca de conversación y calor humano, el amante que espera a la mujer que nunca llega, el amor imposible reencontrado e impedido por la costumbre y el compromiso, el drama familiar entre dos hermanos que sin embargo se quieren...), y pese a que algunas historias no estén tan bien desarrolladas como otras (la cantante de orquesta, la pareja con diferencia de edad), sus actores consiguen hacer atractivas todas ellas humanizando sus sentimientos alrededor de la mesa.

Así, evitando acertadamente el costumbrismo y el tópico, aunque jugando con él, 18 Comidas se convierte en una agradable e incluso emotiva invitación a las vidas de una serie de personas con un común denominador de lo más básico (todos comen), pero también de lo más profundo (todos sienten).

jaly

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Diario de un escándalo podría ser definida como una versión en clave femenina de Atracción Fatal si esta hubiera sido escrita por la pluma sofisticada y realista de Patrick Marber, tomando com inspiración la lolita de Navocov.
Pero al margen de comparaciones podemos decir que Diario de un escándalo es mucho más que eso. Es una acertada aproximación a dos caracteres y dos formas de ver la vida desde el punto de vista emocional, pero también desde el punto de vista social. Por que los juicios que emite el personaje de Judi Dench sobre las diferencias sociales, raciales y económicas de la actual gran bretaña saon de los más tajantes que se han oido últimamente. Diario de un escándalo es también una interesatísima reflexión sobre la soledad, la soledad real y la soledad sentida, ambas igual de dolorosas. Es una película de terror urbano, axfisiante, realista. Es un duelo de máxima altura entre dos de las mejores actrices de la actualidad. Dench, intensa, emocional, dura, fría, a la que hay que reconocer la gran capacidad camaleónica que consigue con cada personaje a pesar de su edad. Blanchet pura, cálida pero ambigua, triste, sóla aun con su compañía, en la cumbre de este espléndido año 2007 que ha sido para su carrera. Ambas demuestran a través de sus ojos sus emocionales interpretaciones, pasando con asombrosa facilidad del cariño al miedo y de este al odio. Pero podemos decir que sus interpretaciones también transpasan lo emocional y se convierten en física, por la fragilidad de Blanchett y la dureza de Dench, la gracilidad de una y la tosquedad de otra.
Es un film elegante en su dirección, con un guión meridiano de Marber en el que no hay buenos ni malos, solo gente que se equivoca en sus acciones y en sus incontrolables sentimientos, amorales todos ellos, pero nunca inmorales.
Es por último una película intensa y recomendable un melodrama de terror social de memorables interpretaciones.

jaly

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El caso de Alien 3 es el más complejo de la saga, así como probablemente el resultado sea la película más complicada de la misma.
La opción de dar riendas de un proyecto de estas características casi una década después del boom de Aliens el Regeso, a un efectista y excelente director de videoclips conocido por su fuerte personalidad que además debutaba en el cine, siempre me ha parecido valiente, pero también temeraria. Me desconcierta aún más que tras hacerla el estudio empezase a imponer las típicas restricciones artísticas tras haber tomado a Fincher como elección. El resultado fue una batalla campal entre ambas partes, la más fallida pero aún así interesantísima película de la saga, y el comienzo de uno de los mejores realizadores del Hollywood moderno.
La opción de Fincher no es fácil, menos tras su predecesora. Situar a Ripley en una remota cárcel de reclusos peligrosos a un paso del fanatismo religioso, tras haberse cargado de golpe y plumazo a tres de los personajes más carismáticos de Cameron. Además ahora sólo hay una criatura, lo que añade misterio pero no espectacularidad. Y por si fuera poco el diseño de la misma es diferente. Toma ya.
En Alien 3 hay que dejarse llevar. Si lo haces descubres una excelente película de intriga psicológica y de personajes en circunstancias extremas, en si mismos y en situación. Poco hay de los otros Aliens (más aún por los discretos efectos especiales). Pero precisamente los mejores momentos de Alien 3 son aquellos en los que el director (en especial en el montaje que se hizo tras su estreno) habla realmente de lo que quería hablar, una profunda y teológica reflexión del bien y el mal, del clásico enfrentamiento de agua contra fuego, la plausible figura del demonio contra la abstracta de diós, los fundamentos de la fe en los casos más extremos… todo ello culminado con una provocación en toda regla: la autoinmolación de la heroína por extinguir un mal que no solo crece fuera de sí para desgracia de los avariciosos humanos, sino también en su ser.
Es sin embargo este uno de los mejores momentos de la imaginería Alien, que no sería lo que es, sin lugar a dudas, sin de nuevo la excepcional presencia de Sigourney Weaver, que en esta entrega aporta la fragilidad de un personaje que ya sabe su destino, pero se enfrenta a él con fuerza. En pantalla vemos como esa desesperanza y la muerte crece en su pecho hasta llegar a elegir que hacer con el poco tiempo que se le ha dado. Excepcional.

jaly

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