Uno se pregunta por qué hay tanto interés en cargarse a Gus Van Sant. ¿Por qué se le critica por cosas que a él no le interesan? Mucha gente se queja de que apenas cuenta algo en sus películas ¿Y qué? ¿Realmente es fundamental hacerlo? No creo que Gus Van Sant pretenda hacer un drama al uso. ¿Por qué entonces quejarse de que no es tal? ¿Es que solo hay una forma de hacer cine?

Para mí en el cine, solo existe un dogma, el de la VERDAD. A lo largo de la historia del cine, desde Flaherty, todos los grandes cineastas, fuesen cuales fuesen sus estilos, se han caracterizado por situar a su protagonista, como ser humano, en un mundo comprensible (física y moralmente) para el espectador. Roberto Rossellini decía "el principio de lo verdadero es uno simple, mientras que los errores toman múltiples formas". Eso puede ser una definición sobre una base cinematográfica, a partir de ahí se pueden construir multitud de películas.

Hoy en día hay pocos directores que se guíen por este principio. Ahí siguen luchando hasta el último aliento Godard, Rohmer, Chabrol, Oliveira, incluso Bergman, y especialmente Abbas Kiarostami. Estos centauros cinematográficos, a pesar de la indiferencia que público y crítica (la mayoritaria) les profresan, siguen creando, innovando, evolucionando el cine. Pero nadie se puede olvidar de Gus Van Sant, un hombre que parece más interesado en lo que se puede construir a partir de sus películas que en sus películas en sí. Su obra, desde Psicosis, parece convertida en una labor de concienciamiento del espectador. De decirle que existe un camino más allá de lo que estamos acostumbrados a ver. De decirnos a nosotrosque, como espectadores (y algunos también como creadores) que heredaremos el cine, debemos buscar nuestra propia identidad, para que el cine no decaiga.

Y así llegamos a Last Days, la mejor, la más emocionante, bella y radical de sus obras. La deconstrucción narrativa y temporal es total, pero la belleza de la exposición es incomparable. El ser humano enfrentado a una naturaleza que le supera es el auténtico protagonista. Hablarán cuando se estrene del problema adolescente, de las drogas, de Kurt Cobain, pero la película va muchísimo más allá de eso. Es universal. El plano en el que Blake escapa de la casa y sus amigos para simplemente quedarse mirando el lago y el bosque es de una belleza primorosa, de una sencillez y verdad aplastante. Cuando Blake toca sus canciones, cuando rompe su guitarra, parece que es la naturaleza la que grita, el celuloide que se rompe.

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Y en el antológico final, los amigos de Blake se alejan en coche de su amigo muerto. La melodía que toca uno de ellos es triste. Su rostro es indiferente. ¿En qué sentido nos puede afectar una muerte? Su rostro no muestra nada y lo muestra todo a la vez. Impasible, el coche se aleja, irónicamente hacia Los Ángeles. Gerry empezaba con un coche perdiéndose en el desierto. Ahora parece que es el mismo coche el que vuelve (a Los Ángeles). Quizás Van Sant ha necesitado perderse en estas tres obras maestras para encontrarse. Y con él nos hemos encontrado toda una generación, que veíamos el cine como algo del pasado, que ya no nos concernía. Van Sant, como Vincent Gallo, como Kiarostami, como Sokurov o como Lucrecia Martel, han venido a decirnos que el cine puede ir mucho más allá de lo que pensábamos. Gracias, muchísimas gracias a todos. Y en especial a tí, Gus.

Janusz

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El cine actual es un desierto. Es una pantalla en blanco sobre la que suceden cosas extrañas, ajenas al ser humano. Y cada vez esto es más cierto. George Lucas y Robert Rodriguez han rodado sus últimas películas sobre fondos azules. ¿Por qué? ¿En serio el cine necesita saltos de tres metros, llenar la pantalla de ejércitos digitales, de maniobras imposibles? ¿Qué es el cine? Dudo que hoy en día alguien pueda darme una definición acertada. ¿Acaso el cine es drama, comedia, es género? ¿No se puede alejar el cine de los géneros, de las historias? ¿Acaso de la misma forma que hay un arte literario, un arte musical, no puede haber un arte cinematográfico?

Por otro lado está el problema generacional. La generación de entreguerras tuvo el surrealismo y el expresionismo. La generación que vivió en su niñez el drama de la Segunda Guerra Mundial tuvo la Nouvelle Vague. En los 70 el cine se abrió a otros continentes, se universalizó. Ahora en pleno siglo XXI todo parece inventado ya. La gente idolatra a Tarantino, Rodriguez o Jackson cuando su cine es decididamente manierista, les llega con mejorar técnicas anteriores para hacer un discurso sobre la nada. Mi generación, la que entra en la mayoría de edad a principios de este siglo, se encuentra en un grave problema, el de la indefinición, el de la incapaz de encontrar un significado a su periplo vital, una identidad que lo haga único. De hecho, últimamente se ha puesto de moda eso de decir "vuelven los 70", "vuelven los 80", "vuelve el cine épico" o "vuelve tal y cual". Todo se ha convertido en un eterno retorno, sin que la sociedad avance.

Y entre todo este lío aparece Gerry y nos devuelve la esperanza. O por lo menos hace que nos fijemos en este grave problema. En Psicosis ya empezó Van Sant a elaborar su discurso. Es inutil volver sobre las formas del pasado, porque son ajenas a nosotros, pertenecen a un mundo que no conocemos, cualquier intento de copiarles será a peor (ahí están Gladiator, Troya o los miles de remakes que se hacen hoy en día para corroborarlo). ¿Cual es el camino a seguir? Van Sant no lo conoce. Por eso su película es tan limpia, por eso no hay drama, no hay plot, no hay nada. Simplemente ha querido alejarse del cine anterior y crear una base para que alguien detrás suya construya algo. Y a partir de Gerry se pueden construir muchas cosas.

Por lo tanto, yo reniego de todos aquellos que creen en el cine como algo muerto, que no cambia. El cine evoluciona, no solo técnicamente, sino moralmente. Ideas visuales o narrativas que antes eran válidas quizás ahora no lo son. Gerry es el primer paso para seguir construyendo la historia del cine. Una historia que debe seguir siendo gloriosa.

Janusz

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No es un drama, ni una película bélica. No es una ficción documental y no pretende que su historia se ciña a la más absoluta verdad. Valorarla como tal me parece que no tiene sentido

Es una película acerca de cómo los medios para acercarse a un conflicto bélico se pueden tergiversar interesadamente y de cómo es imposible mantener una equidistancia total con el objeto filmado (aquí la guerra, en La dalia Negra el cine clásico). Lo de De Palma es una tremenda reflexión cinematográfica (crítica) antes que un panfleto antibush. De Palma simula diferentes formatos (videodiario, videoconferencia, youtube, documental) para deconstruír el discurso acerca de la verdad que plantean estos medios. Es decir, nos acercan más a la verdad y nos permiten una vía de información alternativa a las versiones oficiales, pero también están sujetos a su grado de manipulación. Por eso los excesos dramáticos desvelan la falsedad (ficcionalidad) de este supuesto documento que se acerca a la verdad (algo que obviamente no es la intención del director.

Imprescindible.

Janusz

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Pues aunque Woody Allen era un director que me había dejado de interesar ya hace bastante, me metí a ver Match Point precisamente porque decían que era un giro en su carrera. Yo estoy bastante de acuerdo con esto, pero creo que también es continuidad. En mi opinión, Allen simplemente ha adaptado su estilo a Londres y quizás también a Europa, pero los paseos por Londres, o esa escena mirando al Támesis con el puente de Londres al fondo creo que es un guiño a Manhattan y a buena parte de sus películas neoyorquinas. También creo que la duración de los planos es mayor, recurriendo menos al típico plano/contraplano en las conversaciones. Me ha parecido muy curioso, por otra parte, que su objetivo se encuentra a mayor distancia de los personajes que en otros films suyos, quizás porque ahora Allen juega fuera de casa, o quizás que esos personajes que filma ya no son suyos, pertenecen a otro mundo y ahora el ya no puede intervenir directamente. Esta regla se rompe, sin embargo, cuando entra en escena Scarlett Johansson interpretando a Nola, entonces Allen recurre casi siempre a planos más cortos, quizás para demostrar precisamente que es el único personaje que entiende, por ser americana como él.

O quizás, desde un punto de vista dramático y argumental, quiere dejar claro que Nola, el personaje de Scarlett, es un elemento ajeno en ese mundo londinense, que no tiene su sitio en ese mundo endogámico, sin pasión, en el que se vive para trabajar. Este Londres de Woody Allen (porque creo que la película trata sobre la capital inglesa) podría ser casi cualquier gran ciudad del mundo occidental.

Sobre esto último, he de decir que el film me ha recordado mucho a La dama de honor, de Claude Chabrol. Primero porque vi ambas en la misma sala y nada más entrar me acordé de la inmensa película del director francés. En ambas películas tenemos como protagonista a un actor de físico parecido (Magimel y Rhys Meyers, aunque supongo que este último es más atractivo) y ambos se encuentran en ese momento de la vida en el que tienen que aceptar la vida como adulto, dando fin a los sueños adolescentes. Los dos tienen enfrente una mujer exhuberante, vitalista, que poco sabe de pasado y futuro, sino que vive en un presente constante, vive enamorada. Los personajes de Johansson y Smet se diferencian, por supuesto, en su destino final. Mientras la primera es una victima, la segunda seguirá encerrada en su mundo imaginario. Y de fondo, en ambos casos aparece la problemática del cambio generacional, de las dificultades que existen para que la juventud herede un sistema social y económico que no es el suyo y que solo comprende en parte. También en ambos directores ha supuesto un giro en su carrera. En mi opinión, ambos se habían deshumanizado en exceso en sus últimas películas filmando lo que se suele llamar "hábiles y cínicas críticas sociales", acabando encerrados en los mecanismos de los género. Con estas películas, ambos han conseguido liberarse

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Evidentemente, de la confrontación entre ambas películas, la de Allen sale perdiendo ante esa pedazo obra maestra que filmó Chabrol, pero no por ello podemos dejar de señalar la valía del film de Allen. Su cuidadísima elegancia y la increíble exactitud con la que ha reflejado un mundo que no es el suyo. Bueno, un momento, ¿ha reflejado bien Londres? Yo nunca he estado allí, pero siempre he tenido la sensación de que Allen sabía perfectamente lo que filmaba, de que Londres es así. Con lo cual podemos afirmar que Allen consigue hacer verdad lo que filma, lo cual tiene mucho mérito. También ha conseguido a la perfección darle a su film un aire de tragedia, no solo con las referencias a Dostoievski o a Sófocles, sino que con pocos personajes, enfrentados al personaje londinense, con la aparición fantasmal del final, su atmósfera también se vuelve trágica..

La metáfora de la red no la entiendo. Bueno, más bien no entiendo lo del anillo. Si el anillo no pasa la "red" se supone que significa mala suerte, pero Chris sale airoso de ser relacionado con el asesinato de Nola, por lo que se puede decir que ha tenido buena suerte. ¿O no? Es decir, quizás Allen quiere decir que Chris sale perdiendo también, ya que el hecho de que no le descubran hace imposible la redención y que tenga que vivir toda su vida con el peso de dos asesinatos. En ese sentido, la última escena sea posiblemente la mejor del film. Chris, acaba atrapado en un mundo que no es el suyo, que odia y del que nunca podrá escapar.

Janusz

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En un principio parece que Cronenberg ha cambiado de estilo, que se ha
vuelto más convencional. Nada de eso, solo ha renunciado a vísceras, líquidos viscosos y demás en favor de un crudo realismo todavía más impactante si cabe. Pero es el Cronenberg de Spider, de ExistenZ, de Inseparables, de ritmo cadencioso, donde los acciones de los personajes parece que ocurren sin querer, porque el director nunca pone mucho énfasis en ello. Es así como la violencia se introduce en la vida diaria casi sin que nos demos cuenta, como nos atrae y nos absorve y como a veces se justifica, o incluso se celebra y otras se condena tajantemente.

Pero como he dicho antes es ante todo una película de Cronenberg, donde entran en conflicto los puntos de vista objetivos y subjetivos. Así nos encontramos con un nuevo héroe que intenta negar su pasado, como Spider, pero mientras este lo hacía desde la inacción, desde el aislamiento del mundo, el Tom Stall de Una historia de violencia toma parte de esa realidad para modificarla a sus intereses. Creo que así refleja Cronenberg lo que ha cambiado el mundo en estos 3 años.

En fin, una gran película, a los que disfrutaron con Mystic River, creo que esta también les gustará, ya que se parecen mucho.

Janusz

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