El 2015 acaba de empezar, un año más, tal y como decía el padre del actual rey de España, y yo lo he estrenado de, en mi caso, una manera especial. En mi casa hay una buena colección de libros, y cuando era pequeño había uno que me llamaba la atención por su título, "el Gatopardo", muy curioso para mi por aquel entonces. Años después apareció una de esas cosas tan maravillosas como eternas, y es mi pasión por el cine, que me desveló la existencia de una adaptación de esa novela que hace unos meses tuve el inmenso placer de leer. Mis ganas de ver esta película eran enormes, pero había un problema que me hacía tener ciertos prejuicios, y es que es del atormentado Luchino Visconti, del cual ya había visto las tediosas "La caída de los dioses" y sobre todo "Muerte en venecia", pero afortunadamente mi ansia ha estado muy justificada.
La cinta es deslumbrante desde los primeros segundos con la música de Nino Rota (de sus mejor trabajos desde luego) mostrándonos un palacio siciliano, y ese deslumbre continúa a lo largo de sus tres horas de duración adentrándonos en una trama cuyo escenario es la seca y calurosa Sicilia en plena revolución Garibaldina con sus posteriores consecuencias. Al igual que casi toda la filmografía de Visconti, es llamativa su puesta en escena, con fotogramas que se pueden confundir con cuadros, que tienen como protagonista el interior de recargados y lujosos palacios.
La temática de la película es bastante amplia y también compleja, cualquier espectador entusiasta de la política ( y de la historia) debe sentir fascinación por ella, ya que aquí se dan cita la eterna lucha de clases, la hipocresía, movimientos revolucionarios, la decadencia, el amor aquí juega un papel secundario, y todo esto gira en torno a alguien con nombre propio, BURT LANCASTER.
Es un reparto llamativo, en el que figura Alain Delon, la guapa Claudia Cardinale, y Burt Lancaster, un oscarizado actor norteamericano habitual en géneros como el western y las aventuras, y al que Visconti en principio no quería. Lo que aquí hace Burt Lancaster no es una interpretación, es una creación artística, mismas palabras salidas de la boca del propio actor haciendo referencia a la película, a su director, y al cine en general (algo que no había considerado hasta ese momento), metiéndose en la piel de ese aristócrata que ve y acepta de manera caballerosa e incluso emotiva como su clase social y el mundo que él ha conocido se desvanece como la propia vida.
La dirección es sublime, con un ritmo lento con el que se consigue fijar nuestra atención en todo tipo de detalles, con una fantástica banda sonora de Nino Rota y por supuesto de Giuseppe Verdi, y con esto queda patente el otro oficio de Visconti, director de ópera, que también le sirve para conseguir una puesta en escena y una fotografía para el recuerdo, y todo ello está sustentado en un portentoso guión con diálogos literalmente exactos de la excelsa novela de Lampedusa tan líricos como didácticos, porque en algunas escenas se repasan momentos clave de la historia de Italia.
Estamos ante una obra de arte no recomendada para todo tipo de públicos ( a los que aman "Iron man" y demás blockbusters no se la recomiendo) y que nos ofrece tres inolvidables horas de las que yo destaco una parte, y son las secuencias finales, sobre todo la del baile, probablemente el mejor que jamás se haya filmado, y termino con una inolvidable frase :
"Hace falta que todo cambie, para que todo siga igual"

Un soplo de aire fresco y en general la originalidad, es algo que siempre es de agradecer y más en la actualidad cuando ya se ha hecho prácticamente todo lo habido y por haber y siempre que se estrena algo que contenga estas características se espera con ganas.
Yo oí hablar de "Her" mucho antes de verla, y aunque el argumento de esta cinta deja una sensación de extrañeza, al ver que había una opinión unánime de crítica, ya que hasta a los más conservadores les fascinó, y en general de público calificándola como algo genial e insólitamente conmovedor, me grabé a fuego ese título en la cabeza. Pero el momento de verla llegó y la decepción no pudo ser mayor.
En primer lugar hay que decir que es buena la selección de Joaquin Phoenix como protagonista, básicamente porque a veces da la sensación de que se interpreta así mismo, un tipo peculiar dando vida a otro todavía más extraño. El argumento es bien sabido; En un contexto temporal futurista un hombre solitario preso de una vida lineal, empieza a sentir afecto por una voz femenina de un programa informático. Se supone (eso dicen todos) que esta película es un retrato de la soledad, pero yo en ningún momento encuentro semejante retrato, porque probablemente al protagonista está así por su peculiar forma de ser, en otras palabras, me es muy difícil identificarme o conectar con semejante espécimen. Uno se da cuenta conforme el tiempo va pasando que no es más que un hombre hablando sólo durante dos horas, teniendo conversaciones con una máquina que están protagonizadas por frases de lo más cursis y que en ningún momento llegan a conmoverme, enfrascado todo en ritmo extremadamente lento que consigue hacer soporífera la película, y con momentos que aunque soy consciente de que es una explicación pobre, dan vergüenza ajena.
Sé que estoy muy sólo en relación con esta película, porque parece ser que ha fascinado a todo el mundo menos a mí, yo por conmovedor entiendo otra cosa , puedo elaborar una larga lista de películas que pueden llegar a sacarte una lágrima o más de una, y no me gusta el mal cine de gatillo fácil, pero yo lo que opino es que partiendo de una idea original se consigue un resultado destinado al olvido más absoluto motivado principalmente por el aburrimiento que produce , y si según la Academia de Holywood este es el mejor guión del año, que les aproveche.

Hablar de algunas películas es hablar de literatura, eso sucede en todos los países aunque lamentablemente un número amplio de grandes escritores no tienen una gran deuda con el séptimo arte por la adaptación de sus novelas, véase el caso de Gabriel García-Márquez, pero no siempre pasa y en España tenemos el ejemplo de Miguel Delibes, cuyo universo se ha sabido encajar con la gran pantalla.
Obviamente si relacionamos Delibes y el cine se nos viene a la mente "Los Santos inocentes", con un inolvidable Paco Rabal haciendo el mejor papel de su carrera, pero hay más títulos cinematográficos basados en la obra del escritor que tienen buen tono, y uno de ellos es "El disputado voto del señor Cayo".
El argumento es el mismo de la novela, aunque quizá para hacer más "amena" la cinta, Gimenénez Rico tuvo la idea de contar la historia mediante flashbacks. El tema también es el mismo, puro Delibes; un retrato de la Castilla más profunda, que en este caso trata el éxodo de las zonas rurales a a las ciudades, provocando el aislamiento más absoluto de personas no precisamente jóvenes que se aferran al lugar en el que han pasado toda su vida, y que tanto la izquierda como la derecha política ignoraron por completo, algo que hace reflexionar al protagonista.
Cuando me leí el libro, ignoraba la existencia de esta película, y yo pensaba que el actor ideal para interpretar al señor Cayo era Paco Rabal, y no me equivoqué porque está fantástico en esta película, probablemente lo mejor a pesar de que sea necesario para algunos defectos de la cinta, tales como los momentos sentimentales que llegan a ser excesivos y huelen a trampa del director por todos lados para conmover al espectador teniendo como ejemplo el final con los aullidos del perro como banda sonora de fondo.
Una película recomendable para ver a Paco Rabal y adentrarse en el mundo de Delibes de una manera distinta, a pesar de que no sea redonda y algo aburrida, lo mejor de Delibes en el cine siempre será "Los Santos inocentes".

Solemos admirar los trabajos que nos dejan los mejores cineastas del panorama actual todos los años, perfectamente consolidados con la ventaja de subsanar un fracaso con una película futura mejor, pero también solemos ignorar cuales y como fueron sus inicios en este mundillo; los hay difíciles y frustrados, y los hay brillantes y reveladores como es el caso.
A finales de los 70 debutó Ridley Scott, cuyo futuro iba más encaminado al mundo de la televisión y sorprendió tanto al jurado del festival de Cannes como a los espectadores por la potencia de las imágenes y el gran talento desplegado, algo prácticamente insólito en un novel.
"Los duelistas" tiene en apariencia un argumento simple, en el que dos soldados del ejército de Napoleón se van retando a duelos durante las dos primeras décadas del siglo XIX, motivado por aquello de el "honor" que tanto se solía custodiar en aquella época. Como ya he dicho antes, no es el argumento lo que destaca, sino el espectáculo visual que supone contemplar encuadres de fotogramas con un paisaje natural otoñal e invernal en el que abunda la niebla y los atardeceres que alargan las sombras de los árboles sobre el verde del campo. Con unos encuadres perfectos y una puesta en escena magistral de los escenarios interiores, algo que recuerda mucho a "Barry Lyndon"del gran Stanley Kubrick, cinta que seguramente Ridley visualizó repetidas veces para realizar esta gran ópera prima, y no es de extrañar porque la rodó dos años después.
He mencionado a Kubrick, para muchos el mayor genio de la historia del séptimo arte (probablamente yo también lo piense), genio con el que nada más y nada menos se comparó a Ridley Scott en los cinco años próximos porque en ese período hizo "Alien el octavo pasajero" y "Blade runner", dos inigualables obras maestras de culto que consolidaron uno de los debuts más impresionantes que se recuerdan en un cineasta, pero pasado el tiempo esa maestría fue decayendo hasta nuestros días, convirtiéndose en un buen director preso de la irregularidad y del Hollywood más comercial que le ha llevado a continuos fracasos, porque doy por hecho que "Exodus" me va a decepcionar.
Una auténtica joya no demasiado conocida a día de hoy, pero que pone de manifiesto el arte que tuvo Ridley Scott en su momento con películas arriesgadas de un increíble potencial técnico y ambiental, y aunque después de esa racha nos ha dejado cosas inolvidables como "Thelma y Louise" o la épica "Gladiator", tengo la sensación de que jamás se volverá a ver el gran talento del director británico.

Llevo bastante tiempo pensando en hacerme una cuenta en esta web, para hacer críticas, valorar películas y demás. Sin embargo me estaba reservando para un momento cinematográfico especial, y hoy ha llegado, ya que he vuelto a ver "Érase una vez en América".
La vi por primera vez más o menos hace un año, y la opinión que tengo de ella, y las sensaciones que me provoca afortunadamente siguen intactas.
La primera sorpresa que se puede llevar un espectador más o menos cinéfilo o simplemente que posea una cultura general más que decente es el género al que pertenece la película y el nombre de la persona que la dirigió, y efectivamente puede parecer contradictorio. Cada vez que uno piensa en Sergio Leone se le viene a la mente el desierto de Tabernas (Almería) poblado de hombres rudos, sucios y sin ningún tipo de moral y por su puesto envueltas en melodías compuestas a bases de silbidos, guitarras,armónicas, que a nuestros oídos siempre le resultarán familiares, afortunadamente para mi ya no es así. A todo aquel que la vea, le sorprenderá saber que "Érase una vez en América", además de ser la absoluta obra maestra de su director, es que es su película más personal y ambiciosa, y empezó tras el descubrimiento de una novela a cuyo lector le llegó al alma y quiso llevarla al cine a toda costa al margen que la odisea que eso supondría. Esta película es la historia de un perdedor, de un hombre ya casi anciano que vuelve a su Manhattan natal 35 años después, tras haber recibido una misteriosa carta anónima. Un primer aspecto a destacar es la estructura no lineal de la película, ya que se va narrando mediante flashbacks una historia ambientada en tres décadas (20,30,60), y en relación con dicha estructuración hay que decir que esta es una película que abarca todas las etapas de cualquier ser humano ; infancia, madurez y vejez, cada una con sus respectivas características. La recreación de la infancia con una interpretación magistral de los niños y la vejez es algo sublime en todos los sentidos. La dirección de Leone es sorprendente, ya que aquí es más convencional y no tiene las exageraciones que caracterizaban a sus spaghetti western, pero con señas de identidad, tales como el gusto por los primeros planos, largos y pausados movimientos de cámara, la violencia y el uso de la banda sonora de la que luego hablaré. El reparto de la película es notable, pero sin llegar al sobresaliente, protagonizada por un Robert De Niro en el apogeo de su carrera, pero que sin embargo es devorado en la pantalla por un James Woods en estado de gracia. La fotografía que corre a cargo de Tonino Delli Colli ( colaborador habitual de las películas de Leone) con tonalidades marrones, ámbares y grisáceas que tanto le caracterizan es magnífica, con algunos impresionantes fotogramas como el que aparece en el póster de la película, pero aún así no me parece su mejor trabajo. En cuanto a la banda sonora.......que decir de la banda sonora que una vez más en el cine de Leone corre a cargo del maestro Ennio Morricone, pero esta vez llegando a la cumbre de su inmenso arte, creando una atmósfera de emotividad y nostalgia pocas veces vista en el cine. En relación con la banda sonora, si hay un músico que se ha portado bien con las mujeres en el cine ese ha sido Morricone, porque si nos emocionó aquel tema que le dedicó a Claudia Cardinale interpretado por una soprano en "Hasta que llegó su hora", el que aquí le dedica a Débora no se queda atrás.
En definitiva, estamos ante una absoluta obra de arte, que habría entusiasmado al mismísimo Shakespeare debido a la cantidad de sentimientos humanos que aparecen ( comentado en el spoiler) y que podría haber dado lugar a una obra suya. Recomiendo ver esta película sin prisas, relajado, sin sueño y con la conciencia de lo que se va a ver. Y ya para terminar, decir que esta fue la última película de Leone, un cineasta incomprendido que vió como su obra maestra fue criticada y maltratada por los americanos, y que por culpa de su mal cuidado físico, la muerte se cobró la vida de un genio que tenía en mente proyectos muy prometedores como " Los últimos días de Leningrado", un remake de ¨Lo que el viento se llevó", y la adaptación cinematográfica de "Cien años de soledad", su aliento se apagó, pero sus obras serán eternas.