El periplo intermitente de Neil Jordan por las aguas del fantástico siempre ha dejado películas muy interesantes. Con BYZANTIUM regresa al terreno conocido que en su momento le otorgó visibilidad mundial: el vampirismo. Si ENTREVISTA CON EL VAMPIRO era producto de su tiempo, una visión hipergótica y ultrarromántica del asunto de los chupasangres, debidamente operística, espectacular y barroca, BYZANTIUM arroja un tono mucho más oscuro, frío, intimista y reflexivo. Profundamente actual. Es BYZANTIUM un film sobrio y contenido en todos los sentidos, de una cadencia pausada y abundantes silencios rotos sólo por algún que otro alarido y puntuales surtidores de sangre. La profunda desolación y melancolía de sus imágenes (algunas de ellas de una potencia abrumadora, como las cataratas que se vuelven sangre cada vez que se realiza una conversión) calan en la piel mientras que la trama en realidad discurre por caminos ya explorados desde LET ME IN (la sueca), a la que BYZANTIUM le debe no pocos hallazgos y que parece que ya está creando escuela. Es también el recorrido existencial de una madre y su hija, mujeres acosadas (es ésta una obra profundamente feminista en cierto sentido) que se niegan a claudicar, que siguen adelante perseguidas por violentos hombres sin ética, todo apoyado por la magnífica química entre Saoirse Ronan y Gemma Arterton, ambas dos complementarias y clavando sus respectivos y jugosos personajes. Eso que llaman "sensibilidad poética" se cuela cada cierto tiempo en las imágenes, y el uso de las metáforas visuales que Neil Jordan practica desde la mítica EN COMPAÑÍA DE LOBOS consigue insuflar vida y crear empatía con estos dos seres de la noche. Ya os podéis imaginar que BYZANTIUM es una película densa y que requiere cierto esfuerzo, pero los resultados emocionales y estéticos merecen la pena. De esas que crecen en el recuerdo. Y nominada a mejor poster del año. Hermoso.

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BERBERIAN SOUND STUDIO es el perfecto ejemplo de adoración por parte de un nutrido grupo de hypsters que habitualmente desprecian el cine de género pero que, no se sabe gracias a qué conexiones neuronales, alaban este tipo de propuestas hasta el hartazgo. Quizás su total cripticismo, su impostado tono arty o simplemente por seguir una corriente "exclusiva" llegan a la absurda glorificación de un producto como éste. Mirad la cantidad de estrellas que tiene el poster...

BERBERIAN SOUND STUDIO, segundo film de Peter Strickland, arranca con una premisa jugosa e inquietante. El cine dentro del cine siempre ha sido terreno abonado para los juegos psicológicos, los usos del metalenguaje y desiguales ensayos acerca de la percepción de la realidad, aunque rara vez (Brian de Palma, paso al frente) se ha centrado en el (capital) tema del sonido. Rendir pleitesía al Dario Argento setentero (y al giallo en general) tampoco es nuevo en estos tiempos en los que todo es un revival (suponemos que la peli transcurre en los 70, suponemos...) y juguetear con hechuras y texturas lynchianas una buena herramienta para según que historias. Si añadimos un poco de los Coen de BARTON FINK, ya tenemos el potaje completo. Lamentablemente, este guisote no está bien cocinado. Tiene sobredosis de especias arrojadas a lo bruto, pero el caldo base es agua insípida. Donde en Lynch veo arrojo, inteligencia y contenido (sensorial y del otro), donde en Argento percibo la puesta en escena como una personalísima forma de mirar el mundo, aquí sólo encuentro artificio y confusión y me da la sensación de que Strickland no tiene ni idea ni a dónde va ni, lo que es peor, qué demonios tiene entre manos. Strickland abarrota su película de planos y secuencias asfixiantes con intención metafórica, una y otra vez, dando la impresión de que su obra es tan profunda y compleja que uno, adorador de Lynch y Argento, ni siquiera puede llegar a atisbar sus misterios. Falso, porque debajo de todos esos oropeles, de esas (ocasionales) imágenes cuidadas al milímetro, del desconcierto y la confusión, a poco que uno escarbe sólo se encuentra el vacío, la nada.

BERBERIAN SOUND STUDIOS es un forzado ejercicio de estilo sin contenido real, un bombón relleno de aire. Me guardo en la chistera la posibilidad de revisar esta película dentro de un tiempo, pero ahora mismo me ha parecido algo muy cercano a una tomadura de pelo. Que lo sepan.

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I AM A GHOST se posiciona desde ya como la propuesta más valiente del NOCTURNA 2013. En el umbral mismo de esa entidad difusa que llaman "cine experimental", la opera prima de H. P. Mendoza da un puñetazo de estilo en la mesa y deja en paños menores muchos hypes sobredimensionados de los que tanto se habla.

Los aficionados al fantastique, no nos engañemos, somos una caterva de energúmenos que, muchas veces, nos tragamos la misma historia, la misma película, una y otra vez sin pestañear. Por eso una propuesta tan netamente kamikaze como ésta tiene que destacar por fuerza. Estoy seguro de que no has visto una película de fantasmas como I AM A GHOST en tu vida. En su primer tercio, Mendoza se lo pone muy difícil al respetable. Tanto que parte de la sala se mostraba francamente incómoda, por no decir... desesperada.

Obsesiva, críptica, encerrada en sí misma y utilizando la repetición como forma de estilo y herramienta para hacer avanzar la enigmática historia, con firmeza y sin aflojar en ningún momento, de esas que se va impregnando en la piel sin dar su brazo a torcer, la película poco a poco multiplica su punto de vista en una efectiva progresión visual plena en detalles, mientras que la cámara se acerca cada vez más a la piel de Emily, esa entidad sin memoria encerrada en su propia casa, que recorre una y otra vez sus estancias con malsana cotidianidad, en un bucle infinito que nos lleva hasta un infartante tramo final donde, ahora sí, el terror puro hace acto de presencia (y como muestra los sudores fríos de mi amiga Elena venciendo al descontrolado aire acondicionado de la sala).

Aprovechando a tope su evidente economía de medios (Mendoza nos aseguró que en el grueso de la película trabajaron tan sólo seis personas, elenco incluido), el director/guionista tiene el buen gusto de, pese a ser una película ultraindependiente, no tirar por el manido rollo indie, sino por una especie de look vintage que intensifica todavía más esta personalísima película. Así que todo un descubrimiento este Mendoza que, si consigue afianzar su carrera con su segundo proyecto (que nos comentó será internacional, parcialmente rodado en Madrid, y de título THE DEAD PEOPLE), podremos asegurar que tenemos cineasta para rato. Te seguiremos las huellas.

Así pues, aplausos para esta película tan especial y atrevida, por descontado candidata al top ten del año.

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Aunque recientemente ha participado en el film de episodios PARIS, I´LL KILL YOU, todavía inédito, no sabíamos nada de Ryûhei Kitamura desde el buen sabor de boca que nos dejó con la nada fácil adaptación de Clive Barker MIDNIGHT MEAT TRAIN, de 2008. Con NO ONE LIVES hay cambio de perspectiva, aunque no de género. Fiel al terror puro y duro pero ahora sin elementos sobrenaturales, Kitamura tira del slasher psicopático al uso, género que reconozco que cada vez encuentro más y más aburrido, para, sin revolucionar nada, insuflarle nuevos aires y jugosos detalles. Mostrando al psycho desde el mismo arranque (un psicópata enamorado y viajero, hay que aclarar) pero situándolo en una posición novedosa (será la presa durante el primer tercio), su atípico comienzo puede descolocar un poco al respetable, pero sitúa con acierto las piezas en el tablero de lo que va a ser un sangriento juego. Un juego para el terrorífico asesino (imaginaos a un modelo de Calvin Klein con la mirada fija en tí y cubierto de sangre hasta las cejas, con la jeta de un sorprendente Luke Evans) y un juego para el espectador aficionado a estas lides, que a la media hora ya estará saltando de gozo en el sillón. Porque es NO ONE LIVES un divertimento directo, salvaje y sin pretensiones, alegremente exagerado, un despiporre gore que, aunque en su tramo final utiliza todos y cada uno de los tópicos del género, tiene en sus bien explícitas entrañas algunas imágenes y momentos para el recuerdo (atención al primer escondite del asesino). Una gamberrada desfasada e inverosímil en la que Kitamura despliega, aunque con menor potencia que en MIDNIGHT MEAT TRAIN, todas sus armas de dirección y puesta en escena. NO ONE LIVES no aportará nada al espectador casual, pero es una gamberrada macabra y hasta cierto punto sorprendente para nuestros maltrechas retinas, una relativa bocanada de aire fresco en el estancado subgénero del slasher. Nada más que eso (y nada menos).

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Un futuro cercano. Corporaciones médicas con estancias en blanco aséptico. Planos estáticos con puntuales desenfoques. Mucho silencio y frialdad expositiva. Agujas hipodérmicas por doquier. Máquinas mutantes. La enfermedad como mercancía. El cuerpo humano como origen del terror. Si a cualquier cinéfilo le ponen encima de la mesa estos parámetros, como el perro de Paulov salivará y la respuesta será unánime: David Cronenberg.

Los genes son puñeteros, pero la voluntad artística debería ser una elección. Para bien y para mal, ANTIVIRAL, la ópera prima de Brandon Cronenberg, está ligada a la obra de su padre. Quizás sea algo injusto, pero es imposible sustraerse de esa influencia frente al moroso, estilizado y frío universo que Cronenberg Jr. nos propone por decisión propia. Película de combustión lenta y cadencia que quiere ser hipnótica, ANTIVIRAL parte de una idea tan brillante como perturbadora: en una sociedad vacía las enfermedades de los famosos se convierten en mercancía, inyectarse sus virus una forma de simbiosis con las celebrities, y comer filetes de VIPS genéticamente tratados lo último en gastronomía. Syd trabaja para una de estas empresas, pero en sus ratos libres testea los virus que vende en su propio cuerpo, como un yonqui de la enfermedad, hasta que su obsesión por una de esas celebridades le llevará demasiado lejos...

ANTIVIRAL no es una película de fácil digestión y tiene el peligro de que su hermosa estética y sus abundantes silencios existenciales funcionen como un somnífero. Conectar con su enchufe conceptual es la premisa básica para poder valorar (y disfrutar) esta extraña película que, además de la indiscutible mano de Brandon para crear una personal y potente plástica audiovisual, descansa sobre los frágiles hombros de Caleb Landry Jones, que desarrolla un trabajo sensacional a partir de su peculiar físico en esta kafkiana historia. A pesar de sus arritmias, sus pretensiones exageradamente artys, y la inevitable y odiosa comparación con su señor padre, ANTIVIRAL es un debut en el largo que ya quisieran muchos. De esas que te van minando las neuronas poco a poco y te acaban dejando mal cuerpo, cual supuraciones de un sistema capitalista enfermo.

Ahora queda la prueba de fuego: certificar si con su segunda película tendremos dos Cronenbergs a los que seguir. Estaremos atentos, Brandon.

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