Críticas De: Gabriel

Entrar a valorar “Avatar” como película no es tarea sencilla. Por un lado, tenemos el terreno visual, absolutamente impactante -aunque yo, personalmente, me esperaba aún más- y por otro lado, todo lo demás: el guión, los actores, etc. Pero en este film, más que en cualquier otro, una cosa es prácticamente indivisible de la otra.

La película (o debería decir el espectáculo) comienza bien, muy bien. Sobre todo es diáfana. Sabemos quién es Jake Sully, crionizado durante 5 años, 9 meses y 22 días, y cómo su ADN se mezcla con el de los na´vi. En fin, todo el proceso. Perfecto, hay que empatizar con el espectador. Pero la atracción es sólo limitada. Más allá de los asombrosos efectos especiales, el guión es hueco, facilón y previsible, inversamente proporcional a la magnificencia del espectáculo visual.
Hay un mensaje ecológico importante, pero es todo tan maniqueo, tan de buenos y malos (“esta piedrecita gris se vende a 20 millones el kilo”), que desilusiona. Y esa voz en off …
No sé si tanto autoproclamarse como la película que cambiará la Historia del cine le ha beneficiado (de cara a la taquilla, sí, claro). Una autoexigencia demasiado alta.
Como ostentación de las 3D, sí, pero como film, está a años luz de las grandes.
Da la sensación de que se ha empleado como vehículo para promocionar las 3D y demostrar hasta dónde es capaz de llegar la técnica. Quizá la próxima entrega (Sam Worthington ha firmado tres)…
Sé que si tengo votaciones no van a ser positivas, pero si uno se guía por las sensaciones (que es de lo que se trata, de que el cine te transmita), “Avatar” no es lo que esperaba, muy bien al principio y regular al final, pero un cuerpo central mediocre y un guión deplorable.
En fin, lo mejor es verla, disfrutar del espectáculo y dejarse llevar.
Por mi parte, estuve en Pandora, pero el billete era de ida y vuelta y sólo duraba una hora.

El mayor mérito de “Nine” es su atractivísimo reparto, sólo por ello merece la pena ver este musical, plagado de estrellas de primera línea, como todos sabemos. Aunque si atendemos a Nicole Kidman quizá no tenga tanto mérito: “Era la película que todo el mundo en Hollywood quería hacer”.
Sería fácil adjetivar a cada uno de los monumentos que aparecen: sensual Penélope, dulce Marion, glamourosa Nicole, potentísima Fergie, “martinesca” Kate, veterana Judi y Sofía, que en sí misma es un país: Italia.
Con respecto a Daniel Day-Lewis, está como siempre, entregadísimo a su trabajo, haciendo una memorable recreación del director estrella, asfixiado, en busca de la inspiración que ha perdido, entre otras cosas, por sus continuos líos de faldas y su desordenada vida.
Atendiendo a este reparto y a las credenciales de Rob Marshall (nadie olvida la fenomenal “Chicago”), la exigencia no podía ser sino máxima.

La película –el musical- no es redonda, aunque tampoco se puede decir que sea fallida. Los números son técnicamente impecables en cuanto a realización, pero se echa en falta una mayor escenografía y coreografía –por ejemplo, el primer acto de Daniel Day Lewis o el de una explosiva Fergie, compuesto sólo de arena y sillas- y unas letras de mayor calado.

La revelación es Kate Hudson, puesta en entedicho en otros films; aquí realiza un número vigoroso en plan Kilie Minogue, toda de blanco, en el que borda ´Cinema italiano´.
Marion Cotillard, fantástica, tiene el papel no cantado más goloso (en principio iba a hacer el de diseñadora de vestuario, el de Judi Dench), la sufrida esposa que deja su carrera por amor a un hombre. En sus dos facetas, bailando y actuando, brilla con fuerza. Muy bien en `Take it all´. Su estrella se va haciendo más grande.
Penélope Cruz, con su papel de Carla, la enamoradísima amante de Guido, capaz de alterarle el pulso a niveles estratosféricos, tiene el más difícil y mejor ejecutado número, en mi opinión. Su arduo trabajo durante meses tiene su merecida recompensa en `A call from the Vatican´, donde canta y baila fenomenal, mostrándose arrebatadora.

Las tres veteranas, Kidman (42), Dench (75) y Loren (75), con roles más cortos pero de calado, dan lo que se esperan de ellas: calidad y glamour.

No es “Chicago” ni lo pretende. Es un musical diferente, comprometido, que intenta un imposible equilibrio entre el homenaje al Fellini de “Otto e mezzo”, a esa Italia, y a la fórmula musical que tanto éxito tiene en el selecto circuito de Broadway.
Cada número funciona por sí solo, sin llegar a la excelencia (quizá peca de estar excesivamente teatralizado) pero el conjunto no acaba de funcionar como la gran obra que se espera de ella.

Quinta película de Amenábar en trece años de carrera. Parte de un presupuesto de 50 millones de euros, el mayor hasta ahora para una película española. Cuenta con un equipo técnico de primer orden, desde el diseñador de producción, Guy Dyas ("Indiana Jones y el reino de la Calavera de Cristal), el vestuario de Gabriella Pescucci (oscar por "La edad de la inocencia"), o la banda sonora de Dario Marianelli (oscar por "Expiación).

Las virtudes no son pocas, pero no está exenta tampoco de fallos.
A favor, la interpretación de una Rachel Weisz muy convincente, una asexual Hipatia, obsesionada por la ciencia, la matemática más destacada de su tiempo, justo en el epicentro de la lucha de poderes. Una figura semi-desconocida para el gran público que Amenábar ha sabido rescatar del olvido para su historia (apuesto a que dentro de poco veremos varios documentales y libros sobre ella).
La reconstrucción de la Alejandría del siglo IV es loable, no en vano se ha llevado la mitad del presupuesto.
Las secuencias de acción, guerra y destrucción con grandes masas están muy bien rodadas, sin el abuso de efectos generados por ordenador, que le dan una mayor fisicidad. Los planos aéreos (inspirados en el Google Earth) son efectivos y efectistas, pero abusa descaradamente de ellos.
El problema del film radica en que intenta abarcar demasiado: el campo de la astronomía, la raíz de los problemas de enfrentamientos entre religiones o creencias, la caída del Imperio romano, las luchas intestinas por el poder, la denuncia del radicalismo llevado a sus extremos,... Todo ello con un ritmo bastante sosegado, con algún altibajo, excepto en las batallas. Condensar todo ello en 130 minutos es una tarea demasiado complicada. Quizá el equilibrio entre épica e intimismo no está todo lo logrado que cabría esperar.

No criticaré yo a un director español por intentar ser ambicioso y abarcar un proyecto colosal pero quizá en algunos momentos se le escapa de las manos, se echa en falta algo de chispa, más emoción (algo que sólo consigue justo en el precioso final).
Es posible que la “marca Amenábar” tenga unas connotaciones de éxito, al menos en España, y se creen unas expectativas altísimas, con lo que el nivel de exigencia sea máximo.
En mi opinión es una película irregular, pero tiene más virtudes que defectos.
Ojalá pudiéramos hablar de más películas españolas de esta magnitud.

"Millennium 3" sigue la senda de su predecesora. Daniel Alfredson sigue fiel a su estilo. Narrativamente discreto, aprovecha el filón que supone el personaje de Lisbeth Salander, una genial, absorbente y descomunal Noomi Rapace (incluso estando debilitada, incluso con sus silencios), que se come lo que tenga por delante. Como pasaba en las anteriores, todo lo que le concierne, gana enteros.

Los nuevos personajes no están demasiado perfilados y algunos están claramente desaprovechados (por ejemplo, la atlética Monica Figuerola). Quizá podría destacarse a los doctores, tanto a Anders Jonasson como al pérfido Teleborian, así como a la embarazadísima hermana de Michael, Annika Giannini.
Las secuencias de acción tienen un claro déficit de tensión y se echa de menos algo de espectacularidad. Incluso la banda sonora pasa casi de puntillas. Aséptica, como la mayoría del metraje.

En mi modesta opinión, es casi tan floja como "Millennium 2", pues se puede hacer algo larga y no subsana errores del pasado. En conjunto, le falta emoción, es demasiado fría y para los no iniciados (lectores) se les puede hacer muy cuesta arriba.

Sinceramente, esperaba algo más de nivel para la despedida, aunque ya la segunda parte supuso un claro bajón respecto a la primera. Quizá las prisas por estrenar hayan impedido un trabajo más elaborado, acorde con el extraordinario éxito editorial .

Con todo, una pena que termine pues el personaje de Lisbeth es de los que marcan. La echaremos de menos.

“Balada triste de trompeta” es muchas cosas a la vez. Es un obra personalísima de Álex de la Iglesia -quizá por ello prescinde de su guionista habitual, Jorge Guerricaechevarría-, en donde se concentran sus miedos, sus anhelos y sus obsesiones.

Todo arranca en la Guerra Civil Española, en uno de los mejores inicios (títulos de crédito incluídos) de un film español visto en mucho tiempo. Álex nos adelanta ya la crudeza y la violencia de que vamos a ser testigos, en una historia tortuosa, complicada pero muy valientemente filmada. Álex se lanza a tumba abierta y no se esconde nada, con todas sus consecuencias, algo que personalmente alabo en una cinematografía nacional, huérfana ya de Berlanga, en la que apenas destacan autores contemporáneos que trasciendan al gran público (Almodóvar, Amenábar, y a distancia Monzón, Coixet y Balagueró).

“Balada triste de trompeta” es una tragedia (no me atrevo a nombrarla tragicomedia) grotesca, salvaje, iracunda y redentora, en torno al mundo del circo, cuyos protagonistas, Payaso Triste (un atrevido Carlos Areces) y Payaso Tonto ( inconmensurable Antonio de la Torre), hacen reír a los niños con la misma facilidad que arrancan lágrimas a los demás.

El estilo barroco de Álex de la Iglesia es más apreciable que nunca, al servicio del resentimiento patrio. La peli cuenta mucho más de lo que se ve. Está plagada de simbología, de la lucha de las dos Españas irreconciliables. Tan desgarradora es esa lucha que quizá el director de “Muertos de risa” traspasa barreras demasiado transgresoras. Lo excesivo se hace omnipresente (ultraviolencia, salvajismo, desnudos, incluso un final a lo Hitchcock).

A pesar de sus imperfecciones, de su continua bipolaridad, de la mezcla de lo grotesco y lo excesivo - el auténtico ADN del film-, esta balada triste supone una gran obra, personal e intransferible que intenta responder a la pregunta retórica que se hace Álex de la Iglesia: ¿Por qué no nos reconciliamos de una maldita vez?