Hay algo en las películas de Isabel Coixet, que traspasa lo meramente cinematográfico. Sus películas son como pedacitos de nosotros mismos, pedacitos muy hermosos, a veces tremendamente tristes y solitarios que están ahí, y aunque no los miremos, esos pedacitos persistentes no se distancian de nosotros. Estas películas en las que se muestran con verdadera ternura lo que realmente somos, siempre resultan ser pequeños milagros, de esos que te recuerdan que el cine sigue siendo más grande que la vida misma, como diría Truffaut, otro gran explorador del alma humana. He visto mucho cine, he seguido la carrera de muchos directores y directoras enzarzados en encontrar lo más hondo de nuestro yo y de lo que somos, de continuo para sacarlas a relucir, para devolvérnoslas hechas de celuloide, pero entre todos esos directores y directoras, no sé muy bien porque, Isabel Coixet es algo especial, me atrevería a decir que en verdad ella es muy diferente a los demás.

El milagro de “La vida secreta de las palabras” radica en su poética, simple y directa. Este film, al igual que los anteriores de Isabel Coixet nos habla de gente aparentemente normal, pero que de una manera u otra, se ven obligados a sufrir pequeñas e invisibles tragedias, que les hacen excepcionales, excepcionales como millones... Ellos querrían ser verdaderamente normales, y no enfrentarse a la soledad, al dolor o a la muerte como lo hacen, pero no tienen medios, no tienen fuerzas, y sobre todo están solos, inmensamente solos, hasta que alguien, también muy solo, alguien con un gran dolor escondido, se les acerca, les escucha, y les quiere; de esto tratan todas y cada una de las películas de la directora catalana: Del dolor y la soledad que nadie ve, que nadie puede adivinar.

Lo que me impresiona profundamente de esta directora, es que sus películas cada vez son más profundas, más intensas, más dolorosas, a la par que bellas, y eso me da miedo, temo que algún día me quede a vivir en alguna de ellas.

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En las cuestiones más formales, de esta cinta sólo se puedo decir que es verdaderamente magnifica, con un Tim Robbins en uno de sus mejores papeles, y la actriz canadienses Sarah Polley, la cual sigue maravillándome cada vez que la veo en pantalla. No quiero olvidarme del pequeño, pero encantador papel de Javier Cámara, que sigue demostrando que si es bueno haciendo comedia, y mucho, en el drama se mueve como verdadero pez en el agua.
También se he de destacar, entre otras cosas, la fotografía y la banda sonora, breve, pero intensa, y como ejemplo, el tema “hope theres Someone” de Anthony and Johnsons, que es una de las canciones más tristes que he escuchado jamás, y la escena en que suena, mientras se ve llover, es pura melancolía que sobrecoge el corazón.

En lo respectivo al argumento de “La vida secreta de las palabras” por su sencillez y sorpresas poco se ha decir: una ex enfermera, silenciosa y esquiva, trabajadora en una fabrica cerca del mar del norte, es obligada a tomarse unas vacaciones. Esas vacaciones las dedicará a ir a trabajar de nuevo como enfermera a una plataforma petrolífera, donde un hombre permanece convaleciente tras un importante incendio... y eso es todo lo que voy a contar, por que esta, como todas las películas que merecen verdaderamente la pena, se ha de descubrir poco a poco. Que la disfruten, yo lo hago cada vez que la veo...

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Se me hace muy complicado hablar objetivamente de por qué considero Armonías de Werckmeister una obra maestra. Podría enumerar sus logros técnicos, sus planos secuencia, impecables y abundantes como no he visto en otra película (quizá Stalker, de Andrei Tarkovsky). Podría hablar de su fotografía en blanco y negro, de una belleza realmente exultante. Podría describir la interpretación contenida y desgarrada de su protagonista, Lars Rudolph. Podría mencionar la música tremendamente hermosa de Mihály Vig, que marca los momentos más poéticos de la cinta, hasta en sus minutos más aciagos, acentuando la belleza de este ya de por sí lírico film. Podría destacar muchas cosas, la realización impecable de Béla Tarr, el extraño e irresoluble guión, la dirección artística y otras muchas cosas, al igual que podría hablar de sus carecías, como la construcción de un argumento que casi aporta más sombras que luces, o el abuso de tiempos muertos que puede provocar autentico sopor en los espectadores, pero ni lo positivo en lo formal, no lo negativo en la estructura, pueden servirme para hablar de lo realmente importante de esta espectacular película...

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Armonías de Werckmeister habla del hombre, de las miserias del hombre, de la estupidez del ser humano, utilizando como cicerone a un pobre desgraciado, soñador y tímido, que no puede ser otra cosa más que una victima de la necedad que le rodea. Todo sucede en un pueblo, situado en un lugar y tiempo indeterminados. A este lugar llega un circo compuesto por una única atracción: una enorme ballena disecada dentro de un container gigante, a la cual acompaña un personaje oculto, quizás imaginado, llamado el príncipe, que se convierte en el autentico objetivo de la curiosidad de los lugareños, todos ellos ignorantes de la secreta belleza del cetáceo muerto. Sólo Janos, guía del espectador y sensible protagonista, se percata de la tremenda y melancólica hermosura del animal muerto. Mientras, hay una invisible lucha de poderes en el pueblo, que acabará arrastrando a la aburrida muchedumbre a realizar actos de barbarie difícilmente descriptibles.
La autentica grandeza de esta película radica en su mensaje poco politizado, y a mi entender, profundamente misántropo: si tú eres fuerte, y tienes brazos con los que golpear, boca con la que insultar y cerebro con el que maquinar, es más que probable que termines por inflingirle daño a tus semejantes, y de forma singular a los más débiles, susceptibles de ser vapuleados, o cuando no, son simple y meramente aniquilados.
En Armonías de Werckmeister no queda claro si hay un bando enfrentado a otro, aquí todos, o la mayoría, por ser hombres son también entupidos animales, aún mucho más idiotas que cualquier bestia sin domesticar. Tan sólo los débiles y soñadores escapan a la imbecilidad y egoísmo que domina el pensamiento de sus congéneres, aunque estos, los débiles y soñadores, tarde o temprano acabarán siendo devorados por la multitud ciega que los desprecia sin miramiento alguno.
En pocas cintas he visto tan bien retratada, y de forma tan poética, la gregaria necedad del ser humano. Momentos como la aparición del anciano desnudo y muerto de miedo que señala el final del asalto al hospital; o ese otro plano secuencia que cierra la película, o el que la abre en una taberna de mala muerte, mientras Janos y los borrachos juegan al “sistema solar”, o el primer encuentro del protagonista con la ballena son, a mi entender, momentos del séptimo arte con letras mayúsculas.

Aunque sólo sea por el lirismo y por las meditaciones que puede provocar este film extrañamente bello, aunque tan sólo sea por sus “peculiaridades”, merece la pena ver Armonías de Werckmeister, pero eso sí, quitándose las legañas de los ojos y dejando atrás los prejuicios habituales ante esta clase de cine, pausado, sutil, metafórico, y sobre todo, muy poético. Qué les aproveche.

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Me quito el sombrero ante esta sencilla y preciosa película. Y con permiso de los señores Aristarain, Subiela y Campanella, el señor Sorin, bajo mi humilde criterio, ya está entre lo más granado de la cinematografía Argentina de los últimos años, lo cual es decir mucho, le pese a quien le pese.
Sí, está película me ha dado lo que más busco en una muestra del séptimo arte: me ha dado emoción, y con muy poquito me ha emocionado mucho.

Desde la primera secuencia, hasta la última, he sentido un agrado especial con las tres historias cruzadas que componen este cuadro de road movie sin prisas, en plena Patagonia, donde los paisajes llanos y las rectas e infinitas carreteras lo cubren todo en el horizonte. En la narración nos encontramos primeramente con la historia de una joven madre, apocada y tímida, que tras ser seleccionada para participar en un concurso televisivo en la localidad más importante de la región, a más de 300 kilómetros, donde podría ganar algo así como una súper exprimidora multiusos, decide realizar dicho viaje, pese al sacrificio que le supone, porque en ese mundo de la Patagonia, donde casi nadie tiene un televisor, y donde la sencillez, por no decir la pobreza, marcan el tempo del día a día sin aparente remisión, una exprimidora multiusos es igual a uno de los mayores tesoros materiales a los que se puede aspirar.

La segunda historia, y en realidad la historia central de todo el relato, lo protagoniza un octogenario al que hace tiempo le “abandonó” su querido perro, y alguien le ha dicho que lo ha visto en otro pueblo muy, muy alejado del suyo, así que el anciano decide escaparse del control de su familia para ir en busca de su peludo y viejo amigo.

La tercera historia se centra en la obsesión de un vendedor ambulante, por conseguir la tarta perfecta para un niño que cumple años, al cual él no ha visto nunca, pero es el hijo de una mujer de la que el vendedor parece estar enamorado. Y aunque esta historia puede resultar en apariencia un poco absurda, se demuestra tras ver el film, que no lo es, ya que conseguir la tarta perfecta en un lugar como la Patagonia es arto difícil, en definitiva, es un puro acto de amor...
De esta forma tres solitarios personajes se cruzan en sus respectivos viajes recorriendo un mundo en el cual la desolación y el silencio lo empapan todo.

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Para ir terminando quiero destacar muy especialmente todas y cada una de las secuencias relativas al viaje del aciano en busca de su perro, sin que pueda evitar hacer comparaciones con “Una historia diferente” del a veces sensacional David Lynch, otra película conmovedora con la que “Historias mínimas” guarda más de un punto en común. Las dos películas, en lo concerniente al viaje de sendos ancianos, hablan de la soledad, del cansancio de nuestros mayores, que en su tranquilidad-aburrimiento-resignación, un buen día son emocionalmente zarandados por una noticia que los empuja ha realizar una “chiquillada”, la cual no es entendida por nadie o casi nadie, pero ellos han de realizar su viaje, más interior que exterior, porque les es vital, y se les acaba el tiempo. En el caso de la película argentina, el hombre que va en busca de su perro, necesita sentirse “perdonado” por este... y discúlpenme si ya no cuento más.

Quiero dedicarle esta critica a Nati, con mucho cariño, y mucho, mucho amor.

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Aún recuerdo la primera vez que vi “El Crack”, yo era muy crío, y lo primero que me sorprendió era descubrir a Alfredo Landa, que por una vez había dejado de perseguir suecas en las playas, y tras dejarse el bigote se había hecho detective privado, uno de esos a la de la vieja usanza, frío, calculador e integro, pero para sorpresa de más de uno, sensible, y sobre todo muy humano. Desde entonces Germán Areta, alias el piojo, Alfredo Landa para los que no son amigos, se introdujo en mi familia, y desde esa primera vez tengo algo así como un tío detective, al que veo de pascuas a ramos, pero al que siempre vuelvo con una enorme sonrisa en la cara.

Hablar de “El Crack” es hablar de una pieza fundamental de la cinematografía española. Esto lo digo, no sólo por que es una obra de cine negro, redonda en su planteamiento, desarrollo y conclusión, lo digo por que gracias a Garci y a mi tío Germán, descubrí un Madrid diferente, y a la par tan real como el que yo mismo conocía. Esta película tiene muchos puntos para haber sido uno de esos films oscarizados de los que tanto gustan, pero el caso es que esta joya se hizo aquí, y nadie en Hollywood se acordó del bueno de Germán Areta. Tengo muy claro que si Landa y Garci hubieran sido estadounidenses otro gallo habría cantado, pero como no fue así...

Enumerar las virtudes de “El Crack” no es fácil, por que son muchas. Lo más sencillo sería decir que Landa demostró ser un monstruo de la interpretación, su mirada triste, su aspecto melancólico, y sin embargo sereno, hacen de su trabajo en esta que nos trata algo muy grande. Puedo también mencionar el magnifico trabajo de José Luís Garci, tan buen conocedor de su oficio, que hizo de sus primeras películas algo personal, aunque sea rodando una “peli” de detectives. Pero lo que me resulta más difícil de explicar de este film, es su atmósfera, su aíre de pesadumbre, pese a las escenas familiares de Germán Areta, excesivamente edulcoradas para mi gusto, y las cuales considero que son lo peor de “El Crack”, pero a fin de cuentas son escenas necesarias para entender mejor a este personaje.

Para seguir enumerando las virtudes de esta película podría hablar de la magistral banda sonora de Jesús Gluck, el esplendido montaje de de Miguel G.Sinde, la preciosista fotografía de Manuel Rojas, las interpretaciones de los secundarios Bódalo, Casanova o Rellán, que están soberbios, pero sobre todo quiero destacar ese otro personaje que es la propia ciudad de Madrid, retratada con un tacto y un apego que pocas veces he visto. Las secuencias en las que aparecen esas fachadas de la Gran Vía, sucias, pretéritas a las restauraciones concienzudas y al afán iluminador de alcaldes faraónicos, hacen de esta película un puro y emotivo documental; una instantánea valiosa para saber como era ese Madrid, ya casi perdido.

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No me queda mucho más que decir sobre “El Crack”, ya se ha dicho y escrito mucho sobre esta obra maestra, y aún así tengo la sensación de que se podría decir mucho más, y sobre todo, y lo más triste, asegurar que se ha visto mucho menos de lo que se merece. Pero esas cosas ocurren con nuestro cine patrio, se habla más o menos de él, pero sobre todo se ve poco. Quizá esto sea debido a que la calidad media de este no es muy alta, o eso se dicen, aunque nunca he secundado esta afirmación, pero la verdad es que películas impagables como esta, pueden llegar a pasar desapercibidas, simplemente por ser una película de detectives “made in Spain”, y parece ser que las películas de detectives con oficina en los aledaños de la Gran Vía y aficionados al mus, no se pueden hacer. Pues sí, si es posible hacer una gran película de genero con un actor navarro a lo “Harry el sucio” y salir más que airoso del embrollo, y si no lo creen, ya saben que película han de ver... Y por si fuera poco, aún hay una magnifica “El Crack 2”, y alguna otra joya de la época como “Fanny, Pelo Paja”, de Vicente Aranda, que demuestran que aquí se hizo cine negro, y del bueno.

Si no he dado detalles del argumento de esta película es por que creo que desvelar los secretos de su guión sería algo criminal. Cuando la hayan visto lo entenderán. Que la disfruten, y saluden de mi parte a Germán Areta, ya saben que es uno más de mi familia.

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Hablar de “El río”, decir absolutamente nada sobre esta película, sea algo favorable o negativo, decir lo que sea, es inútil, porque esta película se defiende sola, se deja conocer sola, se basta a si misma para todo y contra todo. Este film parece agua, como su propio nombre indica, es fluido, sus imágenes, sus sonidos, todo de si misma sale de la pantalla, si hasta diría que se puede oler... no sé ni como explicarlo, pero es así.

A medio camino entre el documental etnográfico y la más delicada narración de amor, o de amores, e incluso de desamor, esta joya del hábil y genial artesano que fue Jean Rendir, se convierte casi en algo vivo, en una sutil palpitación que fluye, que me recorre cuando veo esas imágenes, cuando escucho la maravillosa voz en off de la niña protagonista, que nos conduce a los espectadores a lo largo del film, como si esa voz junto a las imágenes fueran el liquido germinal de un ligero torrente, y nosotros pequeñas hojas de árboles enraizados a la orilla del río que nos lleva... “El río” es un estremecedor canto de amor a la vida, como pocas veces he visto yo en cualquier forma de arte o expresión alguna. Y si, tiene argumento, pero poco importa ante tanta poesía. Pero para quienes no puedan ahogar su curiosidad y preguntas, diré, que es algo tan simple y a la vez tan complejo como una historia de amores no consumados y frustraciones, narradas con increíble elocuencia y ternura por una chiquilla occidental que, junto a su familia, vive en la India, en una gran mansión, en la rivera de un enorme rió...

¿Hay algo más parecido a la propia vida que esta película?, si, afirmo que si, y no es casualidad que sea el cine de otro grande de este arte, y de veras que no debe ser casualidad, que ese otro gran director sea hindú. Satyajit Ray con su trilogía de Apu (la cual recomiendo ver insistentemente, si se ha disfrutado con “El río”), se acerca a la vida misma de forma tan extraordinaria, como ya lo hizo Jean Rendir con esta otra maravilla.

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