Fascinante western "noir"

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Durante un atraco, una joven es violada y asesinada. Su prometido, siguiendo una pista, se infiltra en una organización criminal liderada por una antigua "cantante". Sabe que la única manera de averiguar quien asesinó a su novia será seduciendo a esa fascinante mujer, ya madura. Cualquiera podría pensar que este argumento corresponde a un film noir del hollywood clásico o un thriller de cualquier época, pero se trata de un western, con caballos, sheriffs, forajidos y referencias a los indios que no andan lejos.

Fritz Lang nos deleita con este western raro a mayor gloria de Marlene Dietrich, que borda un personaje memorable de mujer fuerte que ha vivido demasiado. La investigación del crimen da lugar a que dos personajes cuenten episodios de la vida de Altar Keane, que se nos muestran en flashback (talmente como en Ciudadano Kane de Welles): el narrado por un hombre hace hincapié en aspectos bastante frívolos, el narrado por una compañera de profesión nos muestra la dignidad de Altar y el encuentro con el forajido de buen corazón que será el hombre de su vida (si hacemos caso al guión, el hombre que la convertirá en la mujer de su vida).

El protagonista, Vern Haskell (Arthur Kennedy) se encuentra con el mencionado bandido, Frenchy (Mel Ferrer) en una celda; la escena es divertidísima: es día de elecciones y al lado están detenidos tres políticos corruptos que saben que cuando se recuenten los votos los van a linchar, por lo que intentan de todas las maneras posibles (fundamentalmente el soborno) escapar; Lang nos deja claro que un político es muucho más despreciable que un ladrón de bancos.

La "familia" criminal de "mamma" Keane está compuesta por tipos bastante simpáticos para el espectador excepto el culpable del crimen (que desde el principio del film se nos muestra como un traidor y un cobarde) y, curiosamente el que nosotros sabemos el héroe del film.

Vern despliega sus armas para seducir a Altar, pues tiene la clave que la llevará al culpable. Altar se debate entre sentirse joven de nuevo o dejarse llevar por lo que la rodea, porque es demasiado tarde para ella, y quiere apartar al joven del mundo criminal y corrupto en el que acaba de introducirse. Es ahí donde pronuncia la frase con la que he querido titular la crítica: "Go away and come back ten years ago." Es tremenda, ¿verdad? Por su parte Frenchy empieza a sospechar, y el asesino tambien...

La película se estructura a través de una balada en off que habla de odio y asesinatos. Además, la Dietrich canta dos canciones.

El final no puede ser feliz, pero descubriremos que quizás en Vern no era todo pantomima...

En fin, un film que me ha dejado extrañamente fascinado, un western negro, de claroscuros. Un western de bajo presupuesto (por lo visto Howard Hughes cortó el grifo a mitad de producción), una muestra más de la genialidad de Lang.

Eso sí, la copia que ví, en una local, era espantosa.

Darth_Fonsu

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Indiana Jones y la Última Cruzada es una mirada a los orígenes del mito en dos aspectos. Por una parte recupera escenarios, personajes, a los nazis como villanos y las reliquias de la cultura judeocristiana de la primera parte. Por otra parte profundizamos en las razones de Indiana Jones para ser como es, a través de una aventura de su adolescencia y, sobre todo, a través de el reencuentro con su padre.

La película comienza con un Indiana Jones Boy Scout en 1912. River Phoenix interpreta con gracia al personaje el día en el que adquiere su sombrero, su látigo, su cicatriz en la barbilla y su ofidiofobia. La dinámica escena se ve enormemente beneficiada por la música de John Williams. El responsable de la heroica fanfarria de la saga y de los siniestros coros de los adoradores de Kali brilla con luz propia en la escena inicial de la que quizás sea la película de la saga con más música incidental.

Indy acepta hacerse cargo de la búsqueda del Santo Grial para encontrar a su padre desaparecido. Cuenta con la asistencia de la antigua ayudante de su padre, la doctora Elsa Schneider (Allison Doody).

En un castillo ocupado por los nazis se produce el encuentro entre padre e hijo. Y Henry Jones Sr. solamente podía interpretarlo un actor, Sean Connery, ya que el James Bond original es casi tan padre del personaje como Lucas y Spielberg. Aunque parece un ratón de biblioteca, el desarrollo de la trama nos desvelará que hay menos diferencias entre padre e hijo de lo que pensábamos en un principio.

El humor, aparte de los diálogos entre Ford y Connery viene de la mano de los recuperados Marcus Brody (Denholm Elliott) y Sallah (John Rhys-Davies). También destaca una escena con el mismísimo Adolf Hitler.

De nuevo tenemos secuencias inolvidables. Como siempre hay bichos, en este caso cientos de ratas de alcantarilla en unas catacumbas venecianas. Y después tenemos persecuciones en lancha, moto (con sidecar) y avión. También una batalla campal con tanque y todo. Las escenas finales nos permiten disfrutar de la belleza de Petra (Jordania), uno de cuyos templos tallados en la roca hace las veces de escondite del Grial.

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Si en los films anteriores se nos presentaban los dos tipos clásicos de heroína, la independiente y la inútil, aquí estamos ante algo parecido a una mujer fatal. Y digo algo parecido porque si bien utiliza sus armas de seducción con padre e hijo para meterlos en un buen lío, tiene bastantes cualidades redentoras que va mostrando en el último tercio del film. Pese a todo está condenada desde el principio, al final su ambición la llevará a la muerte.

Las pruebas de fe a las que Indy se ha de someter para recuperar el grial, cobran sentido al ser el único modo de recuperar a su padre, aunque finalmente, será Henry Jones Sr. quien salve la vida de su hijo al demostrarle respeto en un momento crucial. Los momentos entre padre e hijo convierten al film en el más sentimental de la trilogía, pero esa sentimentalidad nunca resulta empalagosa al estar sazonados con humor casi constantemente. De hecho aun queda un chiste final para redondear nuestra visión de los orígenes del mito: sabremos por qué Henry Jones Jr. se llama a sí mismo Indiana.

Menos oscura que el Templo Maldito, recuperando muchos elementos de la primera parte y añadiendo más sentimiento que en previas ocasiones, Spielberg y Lucas logran crear un colofón para la trilogía en el que conseguimos por fin conocer al protagonista y saber por qué es como es. En fin, otra brillante entrega de una saga de gran calidad, que nunca defrauda.

Darth_Fonsu

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No entiendo la indignación que destilan algunas de las críticas vertidas por la red, en blogs, foros y webs varias. Críticas que acusan a Lynch de que si chapucero, que si engañabobos, que si se le ha ido la olla, que si patatín, que si patatán.

Me imagino que esos mismos críticos, encorsetados en un concepto de cine restringido a los modelos narrativos clásicos, también renegarán de libertades creativas como las que se toma Fellini en su 8 1/2, de la obra de un visionario como Kubrick, particularmente de 2001 y de Eyes Wide Shut (film que cada día me gusta más, y que comparte mucho con el que nos ocupa), de experimentos como El Año Pasado en Marienbad, de Resnais, de la primera y la última etapa de Buñuel, en las que el espíritu surrealista del autor impregna su obra sin ataduras, y de tantas y tantas obras en las que se cuestiona, se reta al espectador. Ya por no hablar de ejemplos contemporáneos, como Aronofsky con su Fuente de la Vida o las rupturas de la linealidad narrativa de directores como Iñarritu y Tarantino.

Pero en muchos casos no sólo aprecian los films mencionados, al menos en parte sino que son admiradores de la obra anterior de David Lynch. Y creo que el problema radica en que Lynch ha comentado cómo se rodó, como un conjunto de escenas sueltas, de retazos de guión que después se dispuso a encajar como un puzzle. Y claro, para algunos, no todos, desde luego, que creían que iban a poder presumir de interpretaciones sobre las intenciones del autor, el hecho de que cualquiera pudiera acusar a la obra de ser una mera improvisación y un galimatías, al estar planteada de forma tan poco convencional y despreciar sus brillantes conclusiones, ha sido demasiado. Así que mejor decidir que es un galimatías infumable y ponerla a parir, como si Lynch no fuera un maestro de la improvisación y el reciclaje: no olvidemos que Mulholland Drive es la reelaboración de un episodio piloto de una serie nunca terminada.

Inland Empire es una obra maestra, es la culminación de la liberación creativa de Lynch que se puede rastrear desde el principio de su obra. Es una montaña rusa de sentimientos y sensaciones de todo tipo, es un film que cuestiona al espectador, que lo hace dejarse llevar y elucubrar de qué va todo. Es la historia de una mujer con problemas, interpretada de manera magistral por Laura Dern. Es una película inquietante, con varios momentos catárticos, en la que hay lugar para las interpretaciones que cada uno le quiera dar. Y hay muchas cosas, indudablemente que están ahí porque sí, a las que no hay que buscar simbolismos, que solo están para transmitir un sentimiento, una sensación, una inquietud.

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Las múltiples tramas de Inland Empire son como muñecas rusas. Una va dentro de otra. Pero aquí se rompen los esquemas: a veces la matrioshka de fuera se convierte en la de dentro. Y la de dentro en la del medio. Y encima no te acuerdas de si esa trama ha pasado, está pasando o va a pasar; no sabes si las muñecas estaban encajadas de tal manera, lo van a estar, lo están ahora o nunca lo han estado. Una actriz interpreta a un personaje, o quizás una mujer sueña que es actriz y que interpreta a un personaje que es ella misma: la mujer que sueña. O quizás la víctima de una maldición sueña con la actriz, o con el personaje, o con la mujer que sueña. Y todas son la misma mujer. O quizás no.

Para mí, Inland Empire es un descenso al infierno, bueno, al purgatorio. Es una visión desde la muerte de una mujer que ha de enfrentarse a los fantasmas de su pasado para lograr la redención. Así su visión, sueño o pesadilla se compone de retazos dentro de retazos, en los que se confunde la identidad y el tiempo. Pero se puede interpretar de tantas maneras como espectadores hay. Y ahí está la magia de Lynch, la magia de Inland Empire, en que da al espectador la misma libertad creativa que tuvo el director. Una película cuya única pretensión es ser una experiencia única para cada persona que la vea, una película que se concibe y nace en el momento de verla.

Darth_Fonsu

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Vale que no está Robert Duvall. Vale que Sofia Coppola ante las cámaras es un paquete. Vale que se hizo mucho después que las otras dos. Vale que Gordon Willis estuvo menos inspirado en la fotografía. Pero haberla visto por tercera vez la eleva a la categoría que merece, Obra Maestra entre las Obras Maestras, como sus dos hermanas mayores. Mi favorita es El Padrino II, seguida de El Padrino, pero ahora la tercera parte la situo solamente un poquito por detrás, solamente un poco. Las dos primeras horas del film son de una excelente película, pero los últimos 40 minutos son arte puro, una obra maestra como la copa de un pino.

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Michael Corleone intenta salvar los restos del naufragio (el inicio, con la casa del Lago Tahoe abandonada y ruinosa es el enlace perfecto con la anterior), lo que queda de la familia que rompió, atormentado por haber ordenado matar a Fredo, su hermano, e intenta redimirse haciendo tratos con grandes empresarios y la Iglesia, solamente para darse cuenta de que cuanto más alto subes, más mierda encuentras. Una historia de amor imposible, el ascenso del personaje de Talia Shire a un papel insólito y el relevo en el personaje de Andy García aderezan la primera parte, con escenas excelentes como un asesinato en una feria callejera.
Pero sin duda, la maestría de Coppola alcanza uno de los puntos más altos de su carrera en el tramo final del film, versión corregida, aumentada y mejorada de la parte del bautizio en la primera película. Porque el montaje y la planificación, no solamente visual (el sonido tiene una importancia extrema, y todos los recursos con el relacionados) y el enfrentamiento de lo simbólico (la representación de la ópera) con lo real, buscando siempre la analogía (que los críticos tocahuevos llamarán redundancia) llegan a una perfección que pocas veces he visto en un film. Y aún quedan un par de escenas perfectas en su devastación.

En fin, reivindico la magistralidad de El Padrino III. 15 años después está mejor que nunca. Todo el mundo debería de volver a verla para comprobar que está infravalorada.

Darth_Fonsu

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La Mejor Juventud (La Meglio Gioventú, 2003), originalmente una miniserie televisiva, dura seis horas, por lo que se estrenó en dos partes. Pero, como dice Roger Ebert, "No hay película buena demasiado larga ni película mala demasiado corta". Porque La Mejor Juventud te lleva consigo, fluye sin prisa pero sin pausa.

Es la historia de dos hermanos, de su familia, de sus mujeres, de sus amigos. Y además es la historia de Italia desde 1966 a 2003. Y habla de la situación de los enfermos mentales. Y habla de terrorismo. Y de injusticias. Y de enfermedades. Y de arte. Y de miles de cosas. Pero nunca deja de ser la historia de dos hermanos.

Si la familia Alcántara ha pasado por miles de oficios y cambios para mostrarnos todos los aspectos situaciones y eventos posibles del final del franquismo, si Soñadores de Bertolucci pierde fuelle al olvidarse de las personas para centrarse en los iconos intelectuales de una época, si tantas y tantas películas y series se ven lastradas por cargarse de referencias históricas, políticas y culturales dejando de lado a sus personajes, convirtiéndolos en ejemplos idealizados o radicalizados de lo bueno y lo malo de unos tiempos pasados pero recientes y forzando los mecanismos del guión hasta extremos risibles, La Mejor Juventud muestra su trama dentro de un contexto histórico y cultural cambiante a lo largo de cuatro décadas, pero el argumento se fusiona con el contexto de manera sutil y perfecta.

Hay películas que se te quedan en la cabeza por una escena en particular. Esto no sucede con este film: es tal la cantidad de escenas resueltas con sabiduría en el guión, precisión en la puesta en escena, y finalmente, sentimiento, sin caer en los excesos sentimentales de otras obras (a veces geniales) del cine italiano reciente, que es imposible quedarse con un momento: la escena del jukebox, la de los fuegos artificiales, la de la exposición de fotos, la de las partituras, el paseo de dos personajes a pie por la Toscana, ciertos encuentros, reencuentros y despedidas... en fin, seis horas de trama, de sentimientos y de grandes momentos.

Buenas interpretaciones, un guión excelente en el que hay algunas casualidades pero nunca inverosímiles, giros inesperados pero siempre creíbles, diálogos maravillosos y una buena selección de canciones en uno de los mejores films de los últimos años. En fin: véanla. Porque es un trozo de vida más que una película.

Darth_Fonsu

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