Provocación en estado puro con una técnica brillante. Interpretaciones que rozan la perfección. Absorbente. Son varios titulares con los que Anticristo se puede definir. A pesar de que nos encontramos ante una cinta que no me dejó indiferente (y no para bien) estoy muy de acuerdo con ellos. El controvertido director no se deja nada en el tintero a la hora de mostrarnos sus angustias asumiendo el riesgo que eso conlleva. En razón de pocos minutos pasamos de unas imágenes excepcionales con una banda sonora estremecedora en el prólogo a una serie de capítulos a cual más esperpéntico. Innecesario son esos primeros planos dónde el dolor sustituye al miedo de los protagonistas aunque si los hacemos desaparecer ya no está presente la provocación a la que tanto nos tiene acostumbrados von Trier.

Anticristo no va a defraudar a nadie. Los más fieles seguidores del director Danés estarán más que satisfechos con la terapia que les ha preparado. Para sus detractores será una guinda muy sabrosa, pues tienen material para despellejar durante largo rato. Sin embargo un espectador objetivo contemplará las paranoias de una Charlotte Gainsbourg (impresionante) hasta rozar el vómito. Los caminos que se contemplan en el film como el desespero o la ansiedad tras el sufrimiento resultan pedantes en la forma que están expuestos y sólo algunos lo valorarán de tal forma olvidándose de la naturalidad.

Lo mejor: el inmejorable prólogo en blanco y negro. Grabado en la mente por tiempo.
Lo peor: es tan sencillo caer en la provocación como salir de ella sin haber entrado.

Ulher

[ver vista para enlazar]

Un sorprendente recital de buen gusto es lo que nos regala el diseñador Tom Ford en su primera incursión en el séptimo arte. El que fuera director creativo de Gucci ha sabido plasmar la elegancia en cada plano y la emoción en cada una de las escenas que conforman esta espléndida ópera prima.
A single man, basada en la novela homónima de Christopher Isherwood, nos ofrece una visión introspectiva del día más decisivo en la vida de George, encarnado de forma magistral por Firth. El día dónde comenzará el final del sufrimiento que lleva engendrando desde la muerte de su pareja.
El exquisito guión, escrito por el debutante Ford, consigue involucrar al espectador hasta compadecer a la lista de personajes sin rumbo que divagan por el film. Si bien no es una adaptación en toda regla al incluirse pasajes, fruto de la mente del provocador director, es de agradecer la sinceridad con la que se expone el dolor de alguien que ha perdido el sentido de la vida.
No sólo es el guión lo más atrayente del film ni la dirección de Tom Ford. Colin Firth labra la mejor interpretación de su carrera. Comedido en su caracterización hace tragar saliva al espectador cuando sus lágrimas aparecen en la primera escena. Sin mediar palabra su escasa gesticulación consigue hacernos olvidar su asiduidad a la sencilla comedia. Su partenier, la siempre convincente Julianne Moore, aporta más glamour al film si cabe. Enamorada de su amigo homosexual, fracasada en su matrimonio y victima del sueño americano, el personaje de la Moore es un pastel sin terminar de degustar por falta de metraje y por el deseo de su director de incluir en la cinta con calzador a uno de sus modelos fetiche, Kortajarena. Y es que la manera en la que el humo sale de los labios del modelo como si se tratara del guante de Gilda puede incluirse en la lista de escenas más sensuales de la historia del cine.
Para Ford, la historia era lo trascendental, pero si esa historia se engalana con un traje a medida compuesto de una técnica inmejorable, se convierte en una obra maestra. Una fotografía excelente, de la mano del catalán Eduard Grau, proporciona ese toque personal que hace especial a una cinta. En ciertos momentos la personalidad del director tan expuesta en la cinta nos hace recordar a uno de los directores que más pasión plasma es sus trabajos. Almodóvar y Ford tienen mucho en común. El director manchego siempre sabe elegir una banda sonora inigualable pero el prometedor cineasta no se queda atrás sabiendo escoger una impresionante pieza, compuesta por Abel Korzeniowski, para acompañar con melodía esos fotogramas que tanto darán que hablar, esperando que sea así por mucho tiempo.

Lo mejor: la fusión de la técnica en un guión tan sincero que emociona en cada escena.
Lo peor: que se entienda como un film para "minorias"

Ulher

[ver vista para enlazar]

Dicen que las comparaciones son odiosas y Guillem Morales lo sabrá ahora más que nunca. Hace seis años sorprendió a todos con una cinta de bajo presupuesto, claustrofóbica e incomprensible a la que ya se tacha de cine de culto. Desde el momento que se supo que iba a ser apadrinado por Guillermo del Toro, todas las miradas se dirigieron a la que iba a ser la segunda obra del alumno aventajado de la ESCAC.

Resulta inevitable comparar Los ojos de Julia con la ópera prima de Bayona. A pesar de los intentos de Morales de sostener que sólo tienen en común la actriz y la producción, no nos engañemos. Ambas cintas comparten al excelente director de fotografía Oscar Faura y al músico Fernando Velázquez. Pero más allá de aspectos técnicos, a los que no hay que reprocharles absolutamente nada, está la sensación de descontrol que inunda la pantalla. Un guión que se tropieza en cada peldaño, que únicamente busca los sobresaltos en la butaca y poco más. Porque si algo tiene Los ojos de Julia es que es puramente efectista. Consigue lo propuesto, sustos comerciales con alguna escena para el recuerdo. Pero no sólo es comparable con el éxito de Bayona. Morales parece, por momentos, rescatar El Habitante Incierto. Jugar con los espacios como el mayor de sus elementos proporcionan a la cinta el aire angustioso que supuso su primera obra. Pero si de algo presumía El Habitante Incierto es que no resuelve incógnitas para que cada uno las interprete cosa que este último trabajo lo deja bien masticado y el problema está en la rapidez con que es resuelta la trama, lo demás son sólo escenas logradas para el deleite del espectador palomitero.

El gran acierto de Los ojos de Julia es su protagonista. Aplaudí la decisión de Belén Rueda al abandonar esa basura televisiva de Los Serranos para dedicarse a ofrecer grandes interpretaciones como hasta la fecha. Y a pesar de que se nota cierto encasillamiento en su filmografía (El Orfanato, El Mal Ajeno) es preciso resaltar que esa mirada de susto se está convirtiendo en una marca. Si Belén Rueda está sublime no menos el siempre convincente Lluis Homar o la inigualable Julia Gutiérrez Caba.

Mucho se criticó en su día que El Orfanato era una copia insípida de Los Otros, ahora Morales debe asumir que a su nueva cinta le lluevan las críticas negativas al ser comparada con la obra de Bayona. Culpa de ello, además de lo mencionado, es que se use como reclamo en el cartel publicitario “El nuevo thriller de los productores de El Orfanato” De todos modos que no desespere, otros vendrán que bueno te harán.

Lo mejor: la escena en el vestuario femenino.
Lo peor: la innecesaria metáfora final.

Ulher

[ver vista para enlazar]

Si la última obra del cineasta británico no te golpea el corazón se necesita un nuevo visionado y si ya con eso no alcanza a que los ojos se te inundan en un mar de lágrimas es para tratarlo. Nos encontramos con una obra maestra imprescindible de contemplar, una maravilla para los sentidos donde nada falta ni sobra. El director de las magistrales Billy Elliot y Las Horas nos adentra sin contemplaciones en un gran dilema. ¿Por qué no odiamos al personaje de la Winslet por lo que ha hecho si durante toda la vida nos han dejado claro quienes son los buenos y los malos? ¿Por qué en esta ocasión intentamos comprender a alguien tan aberrante y sincero a la vez? Daldry no responde a esas preguntas si no que concede al espectador la posibilidad de examinarse y de qué manera. La moral y el perdón se baten a duelo en toda la proyección logrando momentos de un cine tan indigesto como portentoso. El film aparentemente sencillo en una primera parte en el que se nos muestra el enamoramiento de una insondable treintañera con un joven estudiante escarba en un segundo acto en las conciencias de la sociedad alemana de la posguerra.
No sólo es Stephen Daldry el Midas de El Lector, David Hare es el gran responsable de que la deslumbrante novela de Bernhard Schlink tenga vida adaptándola como mejor sabe hacer. Si bien la novela es estremecedora no menos es el film. La valentía de Kate Winslet como actriz es patente, imprime a su Hanna Schmitz rudeza en su manera de caminar, dureza en su mirada y una expresividad soberbia sin abrir la boca y al abrirla es para demostrar que no se le resiste ningún personaje por muy complicado que sea. A su altura un David Kross comiéndose la pantalla en cada escena, poniéndose en la piel de una nación que prefiere esconder la cabeza a perderla.
Es seguro que El Lector no dejará indiferente a nadie, puede apasionar o aburrir a partes iguales pero de lo que no cabe duda alguna es que estamos ante una verdad magistralmente contada.

Lo mejor: la adaptación de David Hare
Lo peor: que muchos se queden con la naturalidad de esos cuerpos desnudos.

Ulher

[ver vista para enlazar]

Christopher Nolan ha vuelto a acertar pero de una manera engañosa. Su objetivo está más que cumplido. Una crítica desmesuradamente favorable, salas abarrotadas y una publicidad desorbitada. El negocio va viento en popa pero la realidad dista bastante de la que prometía ser la cinta del año.

Resulta interesante como el espectador es una rata de laboratorio sobre la que Nolan experimentará el llamado Origen (incepción, en inglés). Al igual que el personaje de DiCaprio apoderándose de los sueños, el cineasta parece haber hurgado en la mente de esos críticos que dejan este producto como una obra maestra pero por muchos intentos de vender Origen como la revolución del cine, no estamos más que ante una interesante idea mal planteada y con una técnica que no aporta nada a la trama. Lo demás puro marketing.

En esta ocasión poco se sabía de Origen a petición del inteligente director. Trailers de pocos segundos vislumbraban escenas de Matrix. Se hablaba del psicoanálisis de Freud con referencias a James Bond. Un elenco de lujo encabezado por DiCaprio. Pintaba más que bien hasta que el metraje va avanzando y para sorpresa del espectador nos hayamos ante una clase inverosímil del poder de los sueños, bien dictada para que no nos perdamos cogiendo apuntes.

La película parece gustarse tanto a sí misma que se olvida de entretener. Con tanta explicación del limbo, el subconsciente, la catarsis y los diferentes niveles del sueño, el interés es nulo. Para despertar al respetable, Nolan recurre a lo fácil. Ver derrumbarse edificios de forma cíclica o la ausencia de gravedad parecen ser lo que define a la cinta como obra maestra, porque del guión mejor ni detenerse a calificarlo.

Está claro que un apellido vende pero hasta este punto es para meditarlo. El hecho de que las productoras nos tachen de corderitos es un verdadero insulto y es que esta cinta, se mire por donde se mire, no tiene ni entretenimiento ni emoción, algo necesario para no caer en el olvido. Pero lo peor de todo es quedarse con lo que podría haber sido y ver lo que es. Con semejantes actores y una idea que daba para más, esos 148 minutos de duración hubieran convertido a Origen en lo que nos han vendido. Mientras tanto, sólo cabe exponer que estamos ante la película más sobrevalorada y decepcionante en lo que llevamos de año.

Lo mejor: la música de Hans Zimmer
Lo peor: que Nolan haya logrado convertise en un mágnifico extractor y haya cambiado la idea original de que esta cinta está perfectamente envuelta pero vacía de contenido.

Ulher

[ver vista para enlazar]