Para empezar a construir un análisis o una crítica sobre este documental tenemos que incorporar ciertos datos no menos interesantes que la propia película:

El film esta dirigido por Jorge Lanata, uno de los hombres más representativos del periodismo de investigación en la argentina post golpe de estado.
Este detalle hace que el desarrollo de “Deuda” tenga como principal creador y narrador al propio periodista el cual le da su toque personal en su mirada crítica y fundamentada sobre la realidad que contempla y expone.

Otro dato es que el documental nace a partir de un documento televisivo (“Día d”/ Jorge Lanata) el cual muestra a una chica de 8 años que llora frente a la cámara por tener hambre, este será el indicio por el cual el periodista se preguntará cuales son las causas de la pobreza en la argentina.

Y a través de esto llegamos al tema central, la “deuda argentina”.
Argumento del film y desencadenante de las reflexiones de la más diversa índole que culmina con la pregunta del millón: ¿Quién es el responsable?, ¿el FMI?, ¿los políticos corruptos del país?, o los propios argentinos. La respuesta quedará a merced del espectador.

Para esto Lanata nos deleitará con un viaje hacia el “Word Economic Forum”(WEF) realizado en Davos (Suiza), una entrevista con el vocero del FMI, con periodistas de todo el mundo como el “Washington Post”, personajes funestos como Martinez de Oz y Cavallo, y como frutilla del postre: Ann Krueger (subdirectora del FMI).

EN CONCLUSIÓN, UN DOCUMENTAL DE UN GRAN VALOR PERIODÍSTICO Y DE UN MIRADA CRÍTICA CON UN TOQUE DE HUMOR ÁCIDO SOBRE LA DEUDA ARGENTINA, SUS PROTAGONISTAS Y CONSECUENCIAS.

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Yang Ik-june es el creador de una historia sorprendente que divaga sobre un tema tan presente en la sociedad contemporánea como es la violencia familiar, sus causas y consecuencias.
Además de plantear esta problemática con una representación caracterizada por un cóctel de violencia -de cruda violencia- muestra también la imagen del protagonista el cual partícipe de esta historia, es el eje principal donde gira los constantes cambios que sufre la historia hasta su final.
Un film caracterizado por un fuerte contenido de brutalidad, lirismo y su cuota humorística, nos recuerda la complejidad y las facetas del ser humano.
Al mejor estilo Chang-Wook Park en sus momentos de violencia y a kim ki-Duc en su poesía cinematográfica.
IMPERDIBLE.

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“El joven “yakuza” (en el idioma japonés “mafioso”) Koji Wakamatsu, el director de este film, fue enviado a prisión a una temprana edad, allí aprendió que el poder conduce a la represión y la brutalidad. Una vez libre, escribió un libro sobre la experiencia, y halló en la realización de películas una forma de exponer el abuso de poder.”

Esta introducción nos abre de alguna manera las puertas de este film controvertido y sensacional titulado: “Ecstasy of the angels” (“Tenshi no kokotsu”).
Film que nos cuenta la historia de un grupo de terroristas denominados “Las cuatro estaciones” -que se llaman entre ellos como los días de la semana y cuyos líderes llevan el nombre de los meses- quienes se sumergen en una misión que consta del robo de armas de una base militar norteamericana.
La misión falla, dejando atrás a varios muertos y heridos.
Los sobrevivientes intentarán reorganizarse para un nuevo atraco, aunque sin éxito ya que se dan cuenta que han sido traicionados por su propia organización, lo que genera un sentimiento de odio que desembocará en el indicio de una anarquía con condimentos sexuales y políticos.

Este film causó un gran revuelo dentro de la sociedad japonesa y sus autoridades lo cual generó fuertes críticas al director y a los temas tratados en sus películas.
Su posición revolucionaria e izquierdista también impulsó a que sus películas nunca tocaran suelo norteamericano hasta el día de hoy.

Cuatro años después del estreno de esta película K.Wakamatsu decía lo siguiente: “Si mis películas son políticas, es porque no voy y arrojo granadas yo mismo”.

UN FILM DE CULTO Y DE GRAN INTERÉS QUE NOS INTRODUCE EN UN MUNDO EN EL CUAL PREDOMINA EL SEXO Y LA VIOLENCIA, DESARROLLADO DE UNA MANERA ÚNICA Y ORIGINAL QUE NOS DEJA UN PROFUNDO E INTERESANTE DEBATE SOBRE EL PAPEL “A TOMAR” POR EL HOMBRE.

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Segundo film del magnífico Jacques Demy y último en hacerlo en blanco y negro.
Protagonizado por la fantástica y bella Jeanne Moreau-quien se pone en el papel de Jackie, una mujer consumida por la obsesión del juego- y por el talentoso Claude Mann-quien hace de Jean, un joven algo ingenuo quien descubre el juego y a Jackie cuando llega a Niza-.
En la música el inolvidable Michel Legrand quien adorna de una forma magnífica el desarrollo del argumento, la trama y las pasiones desplegadas en esta historia de amor.

Historia de amor que nace entre estos dos personajes que buscan el destino a seguir en sus vidas o simplemente seguir viviendo. Jean busca una relación amorosa mientras que Jackie influida por su ambición al juego usa a este joven para silenciar sus deseos de obtener dinero, aunque que este deseo sea incurable.

Como toda obra romántica se va a construir de problemas y continuos desencantos de una relación amorosa la cual se va a sumergir en un pesimismo existencial; que tendrá como protagonista exclusiva a la pasión.
“Quise desmontar y mostrar el mecanismo de una pasión…” Jacques Demy.

UN FILM QUE CONSTATA LA FRASE DEL GRAN JEAN-LUC GODARD: “CON EL CINE DE JACQUES DEMY OCURRE COMO CON ITALIA: CUANDO SE HA IDO UNA VEZ SIEMPRE SE SIENTEN DESEOS DE VOLVER”.

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El Hôtel-Dieu (el hospital más antiguo de la capital parisina) alberga varias anécdotas e historias por contar.
Símbolo de la caridad y de la hospitalidad, su figura se inunda, a medida que transcurre el tiempo, de diversos personajes que deambulan por la sala de emergencias psiquiátricas buscando una ayuda a su desazón. Algunos son traídos de las calles por lo bomberos o policías, otros por sus vecinos o su familia. Todos ingresan y esperan una respuesta.
Una pequeña sala los hospeda y un médico los confiesa. Cada uno tiene una historia por contar. Secretos, tristezas o simples inquietudes afloran en sus pensamientos.
Sus conflictos y problemas son variados, todos están “alienados”, cada uno de ellos circulan por un sendero de melancolía, soledad y locura.
Algunos más, algunos menos, expresan sus sufrimientos, sus encuentros con la vida misma. Sus gestos, sus movimientos, el habla, sus miradas y su espíritu se abren hacia los ojos del espectador primerizo. Observamos a través de una imagen fotográfica tanto por su inmovilidad como por su encuadre las desidias de los demás.
La realidad se asoma, nos mira a lo ojos y nosotros la obviamos o tratamos de ocultar su imagen. Ella se impone con fuerza de manera pura y directa, ni guionada ni sobre actuada.
La locura se interpone entre nosotros y nos muestra su faceta, un reflejo de nosotros.

El paso entre la imagen fija y la imagen en movimiento constituye uno de los mestizajes más interesantes entre artes hermanas como el cine y la fotografía, esto lo ejecuta al pie de la letra en su dimensión cinematográfica el experimentado Raymond Depardon, cuya función se limita, en el buen sentido, a estar en el lugar y tiempo adecuado donde surgen los más inadvertidos pasajes de la cinta formulados por los propios protagonistas, los pacientes. Ellos son la esencia del film. Su verdad, la trama.

DEPARDON CONCIBE A TRAVÉS DE ESCENAS DE MAGNÍFICA SENCILLEZ REALISTA UNA OBRA SOBRE LO QUE FOUCAULT SENTENCIARÍA COMO LA IMAGEN DE LA LOCURA: “LO QUE APARECE EN SUS FORMAS VIOLENTAS, COMO LA EXPRESIÓN SALVAJE DE LOS DESEOS HUMANOS MÁS PRIMITIVOS”.

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