Con una arranque en verdad espectacular, donde se pueden disfrutar los mejores primeros treinta minutos que se han hecho en España en una comedia en los últimos años; la puesta de largo del reputado cortometrajista (candidato a los Oscar) Borja Cobeaga pierde fuelle a medida que la película avanza pues la premisa inicial demuestra pronto tener poca sustancia como para rellenar los minutos necesarios para dar forma a un largometraje.
Este estiramiento de la trama y las situaciones (que en la segunda parte pierden frescura, originalidad y comicidad) perjudica notablemente el resultado final de "Pagafantas", que, no obstante, mantiene un tanto el tipo gracias a la aportación personal de su protagonista, un Gorka Otxoa creíble y estupendo (que juega peligrosamente todo el filme con el encasillamiento). Además, la película nos devuelve en un divertidísimo rol secundario a un genial Óscar Ladoire, aunque desaproveche en cierta medida la vis cómica de la estupenda Kiti Manver y la presencia de la rotunda María Asquerino (en el que, parece ser, será su último trabajo para la gran pantalla tras el anuncio de su retiro).

Juanma

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La intención de trasladar al cine nacional la "exitosa" fórmula del cine 'teen' estadounidense provoca, de entrada, cierto temor en un espectador con algo de criterio... La sensación final que provoca "Fuga de cerebros" queda a años-luz de la que suelen provocar sus referentes foráneos, puesto que al ser extranjeros, uno siempre abandona el cine congratulándose por no pertenecer a una sociedad capaz de parir cosas semejantes (aunque la nuestra dé alas constantemente a otro tipo de fórmulas no menos desagradables).
La obligación de rellenar espacio para 'criticar' este filme no hace más que producirme malestar, así que resumiré mi opinión de la siguiente forma (tal y como había decidido hacerlo al principio):
"Fuga de cerebros" resulta mamporrera, soez, ridícula, absurda, sonrojante... no me pidáis que siga, por favor!

Juanma

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Cine difícil por la sequedad (que no frialdad) de las imágenes, en las que parece que no está pasando nada pero sucede de todo. El director colma su propuesta de simbolismos y ese es su principal aval: por fin una película que no lo da todo mascado al espectador (al espectador avispado, por no decir inteligente, al que acude al cine a reflexionar observando y no a entretenerse), al que invita a plantearse cada plano, cada línea de díalogo para desentrañar qué sucede no sólo en el interior de esos personajes tan difíciles de comprender, sino también qué significado tienen los hechos (pocos, escuetos) a los que asistimos más allá de su significado "real".
La actuación de todo el reparto juega a gran altura, Aitana Sánchez-Gijón se sale (como es norma en ella) y la presencia en un desagradable rol secundario de la mítica Bibi Andersson es la gota que colma el vaso para exponer a las claras el homenaje al mundo bergmaniano que es en esencia la película.
Presentada en la Competición Oficial del Festival de Málaga, probablemente no ganará ningún premio, porque no es una película fácil. Muchos asistentes al pase de prensa en dicho festival parecían dormirse ante la propuesta, otros directamente parecían no entender gran cosa. La película invita a revisitarla varias veces, lo que la convertirá en una película de culto.

Juanma

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Hablar de sentimientos resulta francamente complicado, puesto que uno siempre corre el riesgo de tropezar cayendo en un mar de tópicos. Espinosa se revuelca en los tópicos con descarada alevosía mientras retuerce diálogos ingeniosos que brillan alto gracias a un lenguaje cercano. Hablar de discapacidades es todavía mucho más complicado, porque uno corre el riesgo de herir sensibilidades. Espinosa debuta en el largo acercándonos al mundo de los "especiales" con mucho sentido del humor, desmitificando eso que él llama "especial" para estampárnoslo en la cara como lo más natural del mundo. ¿Acaso no lo es? Ahí radican los dos grandes méritos de esta película con "ángel", ciertamente diferente (por el título parece una comedia romántica, cuando luego no tiene nada que ver con los esquemas impuestos por este subgénero), tocada por la ternura, que roza la sensiblería en ocasiones, pero se mantiene lejos de las garras de lo cursi durante todo el metraje.

Juanma

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Me da la sensación, tras ver "Los abrazos rotos", que a Almodóvar se le ha pegado algo de la escasez de (buenas) ideas que pulula por Hollywood de tanto atravesar el charco. Vale que en su cine, el director haga referencias sutiles a su cinefilia (lo admito con agradecida complicidad en películas como "Todo sobre mi madre" o "Volver), pero que en este caso recurra a referencias tan descaradas no hace más que advertirme que su cine (sus ideas) se está quedando hueco. Y cuando las referencias se convierten en autohomenajes el sonrojo acude a mi mente de manera implacable, pues no hace más que evidenciar que "los tiempos pasados siempre fueron mejores".
Aparte de estar técnicamente bien construida (no voy a repetir los mil y un halagos hechos por todos en este aspecto), la película se tambalea porque su guión juega constantemente con lagunas, precipitándose casi por completo al borde del ridículo (frases como * o todo el monólogo explicativo del final a cargo de Blanca Portillo, no son recursos tomados de los grandes melodramas "noir" con los que se empeñan en comparar la película, sino más bien del cutre culebrón acartonado).
La risa en "Los abrazos rotos" sacude al espectador no en los momentos pretendidamente cómicos (salvo en la magistral secuencia de Carmen Machi, por supuesto), sino en los más apasionados y románticos, haciendo que el bochorno se apodere del espectador como única sensación permanente a lo largo del visionado.
**
Todo esto nos lleva a implorar que el cine del manchego vuelva pronto al redil desde el que llegaba a apasionarnos sobremanera, lo cual confirman los comentados cameos que se suceden a lo largo del metraje (destacando, la sentida aparición de la gran Ángela Molina) y que nos hacen añorar a aquel Almodóvar que, aunque superficial y estrambótico, al menos seguía siendo auténtico.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

*"Mateo es tu padre"
**Personajes de una pieza y poco desarrollados se dan la mano con otros excesivamente referenciales y poco sutiles, dando lugar a una peripecia poco creíble y decepcionante. A lo que contribuye el trabajo de la mayoría de los actores: Lluís Homar no resulta creíble en ninguno de los numerosos planos que protagoniza, su interpretación es descafeinada cuando debería hipnotizar por completo al patio de butacas por llevar sobre sus espaldas todo el peso de la película. Penélope Cruz está bien (vuelve a demostrar que Almodóvar es el director que mejor sabe extraer de ella todo el talento que, por si misma, tanto le cuesta demostrar), pero el trazado de su personaje la perjudica en exceso, consiguiendo que sus palabras no emocionen, que su mirada rota y frágil apenas nos importe lo más mínimo. Rubén Ochandiano está desastrosamente mal (¿cómo siendo Almodóvar uno de los mejores directores de actores de todos los tiempos ha permitido que se cuele en uno de sus filmes tan deleznable y odiosa encarnación?). Tamar Novas no acierta con ninguna de sus intervenciones, quedando siempre en un inane segundo plano que nos hace preguntarnos qué pinta en esta historia y si se podrían haber suprimido gran parte de sus escenas. Sólo José Luis Gómez (implacable y austero, pero no por ello menos emotivo, sacando de un esquematismo peligroso a ese "malo de película" -nunca mejor dicho-) y Blanca Portillo (sobria y fría, por ello la más creíble de todos, a pesar de alguna licencia de sobreactuación, apechugando con entereza con las frases más inverosímiles del conjunto) aportan razones suficientes para aguantar hasta el final.

Juanma

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