Hace algún tiempo, me encontraba cenando en el salón de mi casa cuando ví una noticia en los informativos de la noche que me dejó sin aliento. Se trataba de unas imagenes captadas por la cámara de "seguridad" del metro de Madrid. En esta grabación veíamos como un varón de unos 20 años, con la cabeza rapada, agredía física y sexualmente a una mujer sudamericana. En aquellas imagenes, el agresor le propinaba patadas indicriminadamente a la pobre mujer, insultándola y abusando de ella sexualmente.
Tras ver esta grabación recordé con una clarividencia casi profética una imagen, la que para mí es la escena más brutal de la historia del cine: la imagen de Alex cortando con unas tijeras el vestido naranja de la mujer dejando sus pechos descubiertos y violándola en el suelo, mientras, sus drugos obligan al anciano a que lo vea con sus propios ojos |"Videa bien hermanito"|.

Lo más estremecedor del episodio de la casa ("Home"), es: que no es ficción, Anthony Burguess fue asaltado por unos ladrones que violaron y mataron a su esposa, por ello que sintiese la necesidad de escribir su novela. No fue un acto de indiferencia que Kubrick rodase de la manera en que lo hizo esa escena. La auténtica fuerza de realidad en esa escena radica (además de en Malcolm y su Singing in the rain) en que Kubrick se adentrá en el hogar, en el interior de nuestra cálida casa en la que pensábamos, nadie podría hacernos daño. En cambio él lo hace, rompe cualquier vínculo de seguridad (entre él y el espectador) que pudiese existir y concibe la imagen como si de un jugador de ajedréz profesional ruso se tratase.

En el año 71', cuando se estrenó por primera vez la naranja mecánica, tanto la crítica como el público se abalanzaron sobre Stanley Kubrick, lo acusaban de inducción a crímenes de jóvenes que imitaban las fechorías de sus personajes y le echaban la culpa a su película. Cuando sucedió toda esta tragedia y despúes de cartas que amenazaban de muerte a su familia, Kubrick retiró su película de los cines en el Reino Unido. Anthony Burguess dió la cara por él, defendiendo la película a capa y espada. Aún así hay algo que Burguess jamás perdonó a Stanley Kubrick: al final de la novela Alex sufría una metamorfosis , sin embargo, creo que para que su obra perdurase en el tiempo, Stanley prefirió dejar a Alex intacto con ese aire de inmadurez e insana ironía que destila durante toda la obra.

Olvidando lo anterior, ningún director en la historia del cine ha sabido combinar la música clásica (Beethoven-Symphony No.9, Rossini-William Tell...) con las imagenes como lo hizo Kubrick y, seguramente, nadie será capaz de hacerlo jamás.

En realidad, esta es la venganza personal de un genio que tuvo la osadía de responder al Estado con la misma moneda, el trabajo de un director que tuvo la valentía e inteligencia de crear una obra adelantada a su tiempo, mostrándonos una verdad pesimista pero cierta que como una profecía se ha ido cumpliendo hasta nuestro días.

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En la famosa escena del tratamiento de ultra-violencia. En una de las sesiones "terapéuticas", los doctores obligan a Alex a ver ininterrumpidamente imagenes ultraviolentas colocando unos ganchos metálicos en los ojos; en una de esas escenas Malcolm McDowell grita de dolor y es porque el gancho le estaba desgarrando la córnea al actor (en una de los centenares de tomas que Kubrick rodó).

Ah, y fue en esta película en la que el maestro se declaró definitivamente como autorreferencial. (La escena en la tienda de discos, puede verse la carátula de 2001)

/No les parece curioso que la misma violencia que hoy en día podemos ver en nuestros televisores (por ejemplo, un vagabundo quemado con gasolina por un par de chavales) sea la misma que plasmó Kubrick en su naranja/

Raskólnikov

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SIGNIFICADO DE "SLASH": FILETEAR.

El "slasher" cuyo significado etimológico es flietear cuerpos humanos no tiene nada que ver con la idea que se ha adoptado en este film tan "inaugurador". La gente suele mezclar el gore con esta rama del cine de terror cuando en realidad, en "John Carpenter's Halloween" no se derrama una gota de hemoglobina.
Con esto quiero decir que no se debe confundir a esta obra de virtuosismo técnico con el "hard-slasher" que sería como el porno "hardcore" del cine de terror. Aunque el "hard-slasher" robe los elementos más básicos de esta obra, en general es zafio, y no tiene ni un cuarto de la planificación con la que rodó Capenter junto con Dean Cundey (su director de fotografía).

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LA DIRECCIÓN DE JOHN CARPENTER Y LA DIRECCIÓN FOTOGRAFICA DE CUNDEY:

Esta película está tan brillantemente dirigida y sus escenas están tan sobrecargadas de los puntos que convierten a este cineasta clásico norteamericano en un genio que es díficil ser objetivo.

1- El uso del cinemascope: nadie como Carpenter ha sabido explotar tan bien el cinemascope, sabiendo rellenar los cuadros de las escenas con tanta intuición.

2- La profundiad de campo, es, sin lugar a dudas, el recurso más repetido a lo largo del filme. Es de un fetichismo absoluto la manera en que empleaeste recurso, que es la base de la que parten las mejores escenas del film.
Es el método que utiliza para crear tensión en las escenas en las que se adopta el clásico ejemplo de Hitchcock en el cuál somos "voyeurs". (La escena en la que Cundey se supera sí mismo es en la que emplea este recurso siendo de noche (en el último acto) cuando se acerca lentamente a la casa de la baby-sitter.

3- Toda la película, excepto el último acto y la primera secuencia en plano subjetivo de el niño con el cuchillo, está rodada en el contexto diurno, rehusando por completo de la noche, y usando todos los trucos para crear sustos desde el punto de vista de una paranoica y aterrorizada adolescente Jamie Lee Curtis.

4- La creación de uno de los psicho-killer más famosos de la historia del cine: Michael Myers. Este personaje no es un esquizofrénico sino que, además de estar trastornado, adopta una conducta paranormal. Esto se debe a el poder del mal que debe representar dentro de la película. (Nada que ver con asesinos como Henry: retrato de un asesino y otros thriller por el estilo). Durante las películas de terror de esos años (mediados y finales de los 70) están La Profecía, El exorcista, Carrie... Todas tenían en común la victoria del mal frente al bien, la mayoría de las mencionadas tienen el componente satánico como detonante.

5- La música: esta es una de esas bandas sonoras que permiten relacionar cada imagen de la película con su partitura musical. Importante tomar como referencia el uso de la partitura de Bernard Hermann por Hitchcock en Psycho.

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LOS OTROS PERSONAJES:

-El trío de las mujeres, se caracteriza porque se las ha dotado de un mínimo de complejidad psicológica. (Jamie Lee no es tan alocada como sus amigas).
-Donald Pleasence, un habitual en el cine de Carpenter, es el "héroe" de la historia, aunque la calvicie y la edad no le ayudan demasiado.

Raskólnikov

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Partiendo de que David Cronenberg, junto con John Landis y John Carpenter fue uno del los nombres que consolidaron el género de terror o mejor dicho la manera de hacer "horror films" se presenta esta ópera prima que, pese a su desagradable aspecto promocional que recuerda a la infáme Braindead, de Peter Jackson, no tiene nada que ver con el filme en cuestión.

Para mí la idea básica/arquetípica de la que parte un buen filme de terror es el conjunto de individuos que se ve (a medida que va transurriendo el filme) atacado o inseguro y confuso por una amenaza. Respecto a la amenaza: lo que directores como Mario Bava o George Romero han ido traduciendo como zombies de cuya acción, presentación y estética gore se fueron encargando más tarde directores de giallos como son Dario Argento y/o Lucio Fulci, en este filme Cronenberg, gran conocedor de la tradición del género combina todos los elementos psicológicos, fisiólogicos y para-psicológicos que se le ocurren para crear este manierista ejercicio de terror muy bien realizado con muchos toques de originalidad que demuestran el talento de Cronenberg tras la cámara para crear unas escenas cargadas de tensión y combinar eso con el famoso cine Sci-Fi que se apoya en ideas quirúrjicas descabelladas o en el tópico científico loco.

Una de las claves de la obra de David Cronenberg,[olvidando sus obsesiones sobre lo orgánico y lo inórgánico (la fusión de ambas y todo eso)], que aún conserva actualmente es que en todos los protagonistas de sus películas les ocurre lo mismo que los impulsos, (en este caso sexuales), prevalecen antes que cualquier tipo de reflexión racional.

En Shivers, la constancia de las numerosas escenas de sexo, violencia, comicidad (en algunos momentos), "obscenidad" (en otros), onirismo... Tienen una justificación y es que yo creo que la prueba más verídica que se puede dar para saber si una película de terror funciona bien, o que su resultado sea el deseado desde la idea inicial, es hacer la comparación de en cuánto esta se parece a una pesadilla real y es que esa es la verdadera creación que se debe hallar. Otras películas que adoptan una idea o subgénero argumental llamada "cuento de terror" (El orfanato, por poner un ejemplo) son fallidas ya que no comprenden la esencia que se debe transmitir.

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Lo mejor: La escena de la niña con la cámara en mano que deja la incógnita de la historia de cuyo desarrollo se encarga después.
La chica, la novia del beach-boy.
Respecto al inicio en forma de diapositivas, creo que es original pero hay que ser consecuente de que lo está empleando como créditos iniciales y lleva una duración excesiva .
Acerca de el final, el hecho de que acaben todos en la piscina formando una bacanal masiva es brutal, (es excitante aunque suene algo grotesco). Esta última escena resulta necesaria para comprender el tono del producto y el mismo en general y determinante para la transmisión de la última emoción/sensación/idea/pensamiento: "La impotencia del hombre ante unas fuerzas amenazantes de las cuáles es completamente incapaz ni siquiera de rebelarse psicológicamente contra ellas ".

Lo peor: El corte de pelo del actor principal, es un jodido beach-boy!.
El choque de los coches el del protagonista y el del infectado[2 ridículas y patéticas (en cuánto a planificación) tomas]. Tarantino se reiría. Algo imperdonable en serie B.

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Tras numerosos visionados se puede decir con seguridad que "Fight Club" no es una obra maestra pero sí una gran película, con una historia que funciona como una maravillosa bomba de relojería en manos de sus tres protagonistas Jack (Edward Norton), Marla (Helena Bonham Carter) y del virus povocador de la película Tyler Durden (Brad Pitt).

PERSONAJES:

-Jack: es nuestro personaje, el que crea la identificación con el espectador. Es la voz de la narración en off. Es la voz de nuestra conciencia, en este caso algo enferma, infectada por una pesimista visión de la sociedad. Jack ha llenado su vida (al carecer de una relación personal y de un motivo para su existencia) con el catálogo de Ikea.

-Marla: es la "chica" de la historia, necesaria para la "evolución" o "cambio" de Jack.
Las dos excéntricas personalidades de Jack y de Marla se encuentran por azar en el transcurso de una reunión para afectados de cáncer de próstata.

-Tyler Durden: este señor es el gérmen de lo que verdaderamente cuenta la historia.
Este hombre, vendedor de jabones, de chaqueta roja, gafas fashion, excéntrico, despreocupado... es la pefecta contraposición a Jack, a la vida de Jack.
No sólo eso, sino que, cuando Jack acude a él por el lógico shock que le produjo la explosión de su apartamento (dónde perdió todo lo que llenaba su vida), ambos entablan una relación en la que la violencia se va apoderando de la vida de Jack.
La función de Tyler y por la que se "desarrolla" esa idea de la vida según la cuál se alcanza la autorrealización por medio de la autodestrucción y el anarquismo mas abyecto, es que debe ser la contraposición psicológica a Jack y este tipo de ideas nihilistas son necesarias para su construcción.

LA TÉCNICA DE DAVID FINCHER Y EL MENSAJE DE CHUCK PALAHNIUK:

Dirección:
Acerca de el acusado efectismo: si el resultado es bueno no importa el exceso, siempre que funcione bien, claro está ; en algunos momentos de la película puede criticarse la tendencia de Fincher por un tratamiento de las escenas demasiado próximo al videoclip.

Fotografía:
Los ambientes no han podido estar mejor seleccionados y su iluminación también.
En la escenas de trabajo destacan los tonos azules y fríos y en la peleas se adopta una luz agobiante que subraya la locura y lo clandestino de sus actos.

Guión y obra:
"Fight Club" es en realidad una agresiva y mordaz crítica a la violencia con una gran dosis de humor negro que se refleja tanto en la historia como en los agudos diálogos.

Conceptos:

-MATERIALISMO Y CONSUMISMO. En la narración en off de Jack (en la primera parte de la película) sobre los muebles, ropa, coches...
-CAPITALISMO. El dinero que todo lo compra y como eje vital de la búsqueda de la felicidad del individuo.
-LA INFECCIÓN DE LA PUBLICIDAD. El deseo por las posesiones.
-LA REFLEXIÓN SOBRE EL HOMBRE CONTEMPÓRANEO. Con la monotonía y el aburrimiento producido por la rutina y la falta de motivaciones.

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Esta es la que podría haber sido la Bonny & Clyde de Quentin Tarantino, sin embargo, se quedó en una mediocre crítica a la violencia que subyace dentro de la sociedad norteamericana y a esa enfermiza mediatización que se genera en nuestros días y que, tal como cuenta este filme sacraliza a dos asesinos en serie.

Hay que comprender las condiciones en las que fue engendrada esta película:

Tarantino estaba de moda. Lawrence Bender no es estúpido y Quentin tampoco. Vendieron los derechos de los guiones que Quentin guardaba en su mesilla de noche como churros (la mayor parte de ellos a la Miramax); True Romance (Tony Scott), From Dusk Till Dawn (Robert Rodríguez) y esta Natural Born Killers (de Oliver Stone).

-ESTA ES UN REPRODUCCIÓN DE UNA POSIBLE CONVERSACIÓN QUE PUDIERON TENER QUENTIN Y OLIVER:

-OS: Este guión es demasiado hueco, su único eje es la violencia, dónde están los buenos (...?).
-QT: No quiero que se cambie nada en mi guión.
-OS: Hay que dotarlo de algo de profundidad y usar la violencia para hacer una mordaz crítica a la sociedad (...).
-QT: La base de mi cine consiste en la evitación de cualquier tipo de poder de capacidad crítica y, la violencia suele actuar como elemento irónico en una línea pretendidamente beckettiana.
-OS: Eso es demasiado sencillo, carece de mensaje y sus diálogos zafios no son lo suficientemente buenos (...).
-QT: Mother fucker! (...). Vuelve a la guerra de Vietnam y métete por el culo Platoon y el falso mensaje que quieras transmitir.

·Supongo que Tarantino habrá puesto en duda la manera en la que Stone dirijió a Juliette Lewis y habrá criticado muchos de los defectos en las interpretaciones de las que la cinta hace gala. Destaca la irritante actuación de Tommy Lee Jones.

·Supongo que Tarantino habrá puesto dónde se merece el asqueroso efectismo de esta película así como lo es la fotografía: B&W-COLOUR con una cámara de 16 mm. anamórfica acompañada por iluminación esquizofrénica, perfecta para un manicomio.

·Supongo que Tarantino plantó un pino en su INNOVADOR MONTAJE ??? con una irritante aparición de imágenes inconexas (algunas violentas, otras simplemente idiotas incluídas por pretencioso relleno).

·Y por último, debo expresar mi alegría, que Stone la haya cagado y Quentin ganado de una manera tan rotunda (aparece sólo como creador de la historia, renunció a aparecer como guionista).

Raskólnikov

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