Críticas De: Chocodog69

Advertencia: Crítica no objetiva.

En mi caso personal, "L N D L M V" es una de esas películas iniciáticas, como en diversos sentidos lo fueran otras. La vi una noche, siendo niño (en una redifusión obviamente, no soy tan antiguo), y fue en ese momento cuando decidí adorar dos elementos insospechados: 1, los zombis; 2, la serie B.

"L N D L M V" es una cinta paradigmática en dos sentidos. En primer lugar, es un perfecto ejemplo de ese cine independiente, casi underground, en el que los actores y equipo de rodaje solo pensaban cobrar si la cinta funcionaba en taquilla, en el que los extras que hacían de zombi aceptaban su participación a cambio de una camiseta que recordara el evento. Una obra bajo la sombra de una situación económica tambaleante y que, sin embargo, no tuvo miedo a la hora de entrar en detalles tabú para su tiempo (desde la inclusión de secuencias de canibalismo, pues, en su tiempo, fue una cinta de inusual grafismo, hasta el echo de que el protagonista fuera negro; como lo oyes). Claro que se habían echo películas de zombis antes de Romero, ¡pero no de esta forma! Y esto nos lleva al segundo elemento...

Por medio de un comunión entre el cine de terror clásico, un carácter juvenil e innovador (y en gran medida, amateur, artesanal) y un regusto por lo gore, Romero creó una obra de enorme influencia posterior. Reedificó las pautas del género. Escribió unas leyes por medio de las cuales se basaría este subgénero y que, durante el tiempo en el que fueron respetadas, dieron pie a la edad de oro del universo zombi, dentro y fuera del cine. Los zombis dejaron de ser un monstruo de segunda clase y se convirtieron en algo que podía dar mucho juego, más allá de los estereotipos del cine de terror convencional.

Y es que "L N D L M V" sigue ofreciendo ese temor psicológico que, parece ser, han perdido gran parte de las cintas de terror posteriores (más influenciadas por el cine de terror adolescente y el slasher que por producciones esmeradas como esta). Romero ofrece un blanco y negro que, durante las secuencias nocturnas, adquiere un carácter de solitaria ingravidez, el cual, se nutre a un tiempo, de un juego de cámara frenético para las secuencias de acción, tembloroso, casi documental. En resultado es una crudeza y un realismo muy inusual en este tipo de producciones.

Y lo más importante: No solo es una cinta de terror sin más, ejerce a un tiempo una crítica social; claro está, muy diluida, pero presente. Elemento que caracterizará en menor o en mayor medida, toda la producciones de Romero a partir de entonces.

En este sentido, puede que, más peligrosos que los zombis, lo sean los propios humanos para si mismos. A un tiempo, en pleno boom del anticomunismo y el terror a una futurible invasión, Romero, parodia a esos campesinos que fortifican sus viviendas, abrillantan sus rifles o realizan partidas de caza. El resultado: "El hombre es un lobo para el hombre".

Una obra maestra de su género, y una joya del cine.

La principal atracción de “Grupo salvaje” es sin duda la idea de un grupo de forajidos, en gran parte, perdedores, feos, viejos, desesperados, sucios, borrachos y mujeriegos, haciendo de las suyas por la frontera. Ahora bien, no se hasta que punto esta idea se encuentra adecuadamente explotada.
Tres años después de “El bueno, el feo y el malo” esta película parece anticuada. Ni la estética, ni los actores, ni el guión parecen ofrecer nada nuevo. Sin ir más lejos, “Los siete magníficos” también trata de un grupo de pistoleros, es nueve años más antigua y sin embargo resulta mucho más interesante. Los personajes tienen más carisma y la historia se desarrolla con más soltura.
“Grupo salvaje” contiene una historia interesante, pero sufre demasiados altibajos y un desarrollo exageradamente estirado.
Las secuencias de acción son abrumadoras. El mejor ejemplo de esto quizá sea la escena del atraco al banco, en la que el juego de cámaras y el montaje hacen perder el hilo del combate al espectador, el resultado: uno pierde el interés sobre el mismo (y llevamos cinco minutos de cinta). En contraposición se suceden escenas lentas y sobrecargadas, como las celebraciones de los mexicanos (yo he contado tres, a cada cual más letárgica). Todo esto podría haber sido sintetizado ya que por lo menos sobran treinta minutos de metraje que no solo no aportan nada si no que aburren.
Por otro lado decir que ¿a que viene tanta matanza? Si algo deja claro el western es que no se trata de cuanta gente muera, si no de cuanto verismo y tensión hay en esa muerte.
En fin, “Grupo salvaje” tiene esa emotividad característica del western, no está mal, pero podría haber sido mucho mejor.

González Iñárritu sigue haciendo lo que se le da tan bien: Emocionarnos, entristecernos y ponerlos los pelos de punta, todo a un tiempo.

La imagen que pueda proyectar la Barcelona de Iñárritu es la de una especie de Sao Paulo europea, erosionada por la pobreza, en la que los hombres se dan abrazos y dentelladas a un tiempo.

La cámara se mueve a la manera neorealista; es brusca, instintiva, natural, pero sobretodo, muy libre. Al mismo tiempo, goza de un enorme poder de atracción hacia la luz, especialmente hacia la artificial, que envuelve a sus protagonistas en una atmósfera lejana, casi diríase que inmaterial, pero que no deja de ser la de las bombillas baratas y zumbadoras. Es como si estos personajes (excelentemente actuados, ya se sabe) no pudieran descansar en ningún momento. Mientras, dicha lu,z sonsaca, no se sabe como, la belleza de lo feo, de lo descarnado; todo resuena caravaggiesco.

"El cine del futuro" han sentenciado muchos del tipo que se ilusiona por cualquier cosa nueva. "Avatar" nos resultará tan cutre dentro de diez años, como hoy nos parecen películas digitalizadas de hace viente. Es cuestión de generaciones, sobretodo cuando estas cosas van, cada vez, más embaladas. O sea, que mejor será centrarse.

Cuando pasa el tiempo, y la imagen (elemento indispensable del cine) envejece, solo nos queda el alma de la obra; por eso, películas, hoy en día afeadas, pero bien narradas, siguen formado admiradores. Ahí es donde "Avatar" falla pues, tras un envoltorio impresionante, se encuentra una historia fallida, refrito de géneros y situaciones que mil veces hemos visto ya bajo otros formatos: La conquista de América (con algunos elementos que nos recuerdan a las vilezas de los conquistadores en el sur, y otros, que nos trasladan a la conquista del Oeste).

Es por ello que "Avatar" atrapa y entretiene durante un buen cacho y, ya finalizada, comienza a abstraerse, terminando por convertirse en un borrón azul: Es tan infructuosa y tan declaradamente estacional y populista que toda revisión parece, más bien, un insulto, y todo mensaje, del tipo que sea, una pantomima de doble filo.

Mito del cine de mafias es ya este "Scarface".

Partiendo del que es, seguramente, el papel más demoledor de toda la filmografía de Al Pacino, tanto por su contundencia como por su exageración, es su personaje, Tony Montana, el que lleva el peso de la cinta, la cual, fuera de las locuras y arrebatos de su protagonista, resulta lineal y hueca, tanto en planteamiento como en desarrollo y resolución, repleta de lagunas y apoyada en un reparto y entorno estético y sonoro bien mediocre (demasiado ochentero, y por lo tanto, rápidamente caduco).

De todas formas, existe un halo hipnótico en esta cinta. Con la garra de Montana, y el peso de tres o cuatro escenas memorables (la de la motosierra o la secuencia del restaurante entre ellas), la cinta, que resulta larga en exceso (y no porque me desagrade una película larga, si no porque un minutaje amplio ha de estar compensado con suficiente información como para rellenarlo y no dar sensación de vacío), termina por enganchar y divertir a partes iguales, siendo uno de los ejemplos más tontos, y al tiempo, más eficaces del cine negro.

La consideraría un clásico por su efectismo, aunque no por su calidad técnica. Obras del género como las aportadas por Coppola, Scorsese, Tarantino o Kitano le dan cien vueltas, aunque resulta interesante como visión menos recapacitada y más directa del planteamiento de cine de mafias.