Es raro: como en las novelas de Manuel Puig, la segunda película de este nuevo gran director argentino Esteban Sapir, La antena, se mueve, como su ópera primera Picado fino, entre lo culto y lo popular. Primero, como se dijo por ahí, por el aire a cómic en el que está inmersa el film entero; y segundo, porque no es una película para cualquiera. No cualquiera puede soportar la primera media hora, o la cinta entera. Y esto no quiere decir que La antena sea "densa", "pesada" o demás adjetivos calificativos; sucede que no es una película convencional, hay tantísimos elementos fantásticos (ya con saber que es muda, filmada en blanco y negro puede darnos una pauta). Pero además de eso, el director no sólo hace actuar a los actores y actrices: también trabajan las palabras en la pantalla, actúa la música, la escenografía, todo en fin. Por otro lado, La antena es una historia sencillísima, casi de fotonovela, de radioteatro o folletín. Pero que esta historia, si no hubiese recurrido a los recursos que utiliza no sería lo que es: un objeto de culto, una maravillosa película popular.

La antena es una de esas pequeñas joyas que encontramos cada cuatro o cinco años,
y que su efecto dura toda la vida. Imperdible en mi opinión.

Rimbaud

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El problema de esta película es el siguiente: el film entero parece sólo una simple excusa para exponer las ideas del director (y/o guionista) a través de los diálogos de los diferentes personajes. Demasiado teatralizada, ciertamente no me extrañaría que fuera una obra de teatro con pretenciones de buen cine; en El declive del imperio americano no hay buen cine, si por cine entendemos la armonía o el conjunto entre la imagen y la palabra, el sonido y el ritmo de la narración. Aquí, sólo tenemos diálogos, un guion descomunal -porque para qué negarlo, el guion se lleva mis 6 estrellitas-. Pero estamos ante una ausencia total de cine. Los personajes los conocemos a través de lo que dicen, nunca a través de lo que callan. En El declive... no tenemos una película. Tenemos un guion filmado.

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He leído la mayoría de las -llamemósle así- "críticas", buenas y malas, que le han hecho a una de las más aclamadas (y para mí más logradas) películas de Kim Ki Duk. Como toda película "nueva", "original" y demás epítetos, genera controversia.
Además de esta, aclaro que también vi Primavera, verano, otoño, invierno... y su antepenúltima El tiempo.
Al cine de Kim Ki Duk, después de ver sus films, uno no puede permanecer indiferente: se lo ama o se lo odia; y eso mismo sucede en este sitio, y en el mundo entero. Genera, por una parte, amantes, seguidores y fanáticos; y por el otro lado, innumerable sectas, puñados de detractores. Yo me anoto entre los primeros.
Todo esto lo genera Kim Ki Duk y su cine de "vanguardia" (de ahora en adelante, dejaremos de llamarle de vanguardia, eso es sólo una etiqueta puramente comercial que no les compete más que a los críticos, a los festivales, a los jurados de los festivales, y a cierto público que consume toda la parafernalia que viene con y que está detrás del cine).
Confieso que amé cada plano, cada escena de esta película; que la disfruté como pocas, que me cautivó, que estoy enamorado no de los personajes, ni de la fotografía, ni del montaje: de una escena en particular (podría nombrar muchísimas): en la que ella le acerca el pie hasta tocarlo, y él la mira y la besa, sin decirse nada, envueltos en el silencio de una casa que no era la de ellos, pero que sentían como si lo fuese.
Muy poco me importa si este cineasta mayor es considerado por la crítica como uno de los mejores o peores directores contemporáneos: lo único que sé es que el cine de Kim Ki Duk me llega y me hace sentir que el cine está más vivo que nunca.

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A ver, antes que nada aclaro que es una película con la que uno se encuentra, por lo menos en mi caso, me sentí muy identificado y por eso la recomiendo mucho; no me atrevería a decir que es un film al que hay que ver obligatoriamente, como suele decirse, pero sí que todo buen amante del cine va a saborear y a degustar como toda gran película.

Mi nota podría haber sido 10. Pero le puse 7 por algunas cuestiones ajenas a Fellini: yo hubiera preferido un retrato más hondo y acaso oscuro de los personajes, y no una simple pincelada de ellos (no sabemos mucho de los cinco inútiles, y sí, en cambio sabemos mucho o demasiado del personaje que aparece como el más inútil, socarrón y altanero -a mi parecer- de todos: Fausto.)

Me fascina el hecho de que Fellini haya filmado la vida de unos cuantos inútiles y que le haya agregado esa pizca sutil de ironía que envuelve a todos, todos, y cada uno de los personajes. En especial a Fausto. Sin el tono burlón que recorre a la hora y media que dura esta película, no sería entonces lo que es: una de las primeras grandes obras de este director.

Como dije más arriba, si esta película se hubiera centrado en los cinco personajes "principales" por igual, si Fellini le hubiera dado la misma importancia por igual a cada uno de ellos, la historia sin duda sería otra, y por supuesto una película mucho más profunda de lo que en apariencia es.

Con grandes brochas de humor, con un talento endemoniado, Los inútiles, en general está bien resuelta y genialmente filmada.
Yo también, Federico, soy un inútil.

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Me extraña que no haya ninguna crítica o comentario sobre esta monumental película de Albertina Carri, la cual cuento dentro de mis 100 films preferidos, desde el momento en que acabé de verla (y ya voy por la tercera vez, creo).
En la crítica con "spoiler" me tomé el trabajito de analizar, con algunos riesgos, la película. Pero adelanto: Los rubios no es el documental sobre una posible película; una película sobre una película (como así pudiera parecer); o un simple documental. En Los rubios, la directora Albertina Carri se atreve a ir más allá de lo estéticamente establecido como cine de ficción y documental: filma un película en base a elementos reales (y fuertes, como ser nada más ni nada menos que la desaparición de personas físicas en la última dictadura militar argentina) y estos elementos son transformados en una película que parece documental, y que no la es, pero que a su vez ejerce la documentación. Una de las últimas joyitas del cine argentino independiente.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

“Todo está guardado en la memoria / sueño de la vida y de la historia”, reza una canción de León Gieco. Y puede aplicarse a la película “Los rubios” de Albertina Carri, donde a partir de la memoria y el recuerdo de sus padres, asesinados por los militares de la última dictadura argentina, nos relata su historia. Al momento de la desaparición, Albertina, la más chica de tres hermanas, contaba tan sólo con tres años de edad. Es entonces cuando emprende la larga travesía de reconstruir su pasado; un pasado lleno de ausencias, marcado por la vaguedad y lo difuso de los recuerdos.

En este contexto, se puede ubicar a “Los rubios”. Frente a la imposibilidad de la propia Albertina Carri por recordar a sus padres, recurre a elementos externos: testimonios de ex compañeros, vecinos, fotos y hasta libros. Allí, Albertina obtiene una multiplicidad de voces que la ayudan a la conformación de su identidad perdida (nos referimos a la que nunca tuvo). Y si hablamos en términos fílmicos, pareciera que todo esto nos conduce en forma directa a la zona del documental. Sin embargo, la película de Albertina un "documental" puro: existe, además, un particular enfoque en la ficción. La ficción se presenta del mismo modo que el documental, y la película adquiere un dualismo expresado a veces por la actriz Analía Couceyro que representa a Albertina, y por la propia Albertina. Este desdoblamiento de una persona en dos, se produce hasta el punto en que la actriz se presenta (“mi nombre es Analía Couceyro, soy actriz, y en esta película represento a Albertina Carri”), dialoga con una militante ex compañera de sus padres, recorre el centro clandestino donde estuvieron en cautiverio los Carri, etcétera. Así, la película raya, por un lado, el documental, y por otro, la ficción.

Otro rasgo fundamental es la utilización de muñecos "Playmobiles" para representar simbólicamente los años felices de la familia Carri, y las voces en off en base a los pensamientos de Albertina (dichos todos por la actriz). Asimismo, la inclusión de pelucas rubias que se colocan Albertina y los demás integrantes de su equipo (también actúan los camarógrafos, asistente de dirección) como forma de configurar su pasado. Porque ya no estamos hablando de una memoria lineal, verdadera y única: sino que toda la película está atravesada por la búsqueda de Albertina de tratar de hallar su propia memoria, verdadera y única. La memoria, por lo tanto, no es expuesta sino que se la enfrenta. Su historia es la no-historia; la historia que crea a partir de discursos ajenos. Sucede que Albertina a partir de estos elementos que le son dados realiza la re-construcción de su identidad. Es su visión, su punto de vista el que prevalece, y no el relato de la vida de sus padres.

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