Oriente Próximo nos ha obsequiado en la última década con magníficos filmes (muchos de ellos de coproducción europea) que nos abren las puertas a sus diversas culturas desde dentro, invitándonos a compartir la mirada de autores que, a pesar de haber crecido y respirado en un mundo, en muchos aspectos, diverso al nuestro, narran las vivencias de personajes con aspiraciones no muy lejanas a las de cualquiera de nosotros: buscar su lugar en el mundo y habitar en él del mejor de los modos posibles. Este es el caso de obras de calidad como “Un tiempo para caballos borrachos” (2000), “Osama” (2003), “Las tortugas también vuelan” (2004) o “Paradise Now” (2005). Sin embargo, todas estas películas tienen un fuerte denominador común: se trata de historias terribles, desgarradoras, estremecedoras. Es en este punto en el que se hacen necesarias también películas como “Caramel” (2007), que, desmarcándose de la crudeza del registro de las anteriores, nos sumerge en la misma región del planeta a través de personajes cuyos miedos, esperanzas y sueños transcurren en un contexto, al menos en apariencia, menos próximo a guerras, atentados, violencia extrema u ocupaciones.
Este primer largometraje de Nadine Labaki, el cual también protagoniza y coescribe, supone, a través de las historias de cinco mujeres que comparten sus vidas en un centro de belleza de Beirut, un hermoso acercamiento a una sociedad a mitad de camino entre oriente y occidente. El local en cuestión ejerce de testigo privilegiado de la convivencia de diferentes generaciones de mujeres libanesas, de sus relaciones, confesiones y ambiciones. Mujeres de no sólo diferentes edades, sino también de diversas condiciones religiosas, morales o sociales, que charlan desenfadadamente de belleza, matrimonio o sexo. Cada uno de los personajes principales, interpretados por actrices no profesionales, deberá enfrentarse a sus propios fantasmas, ya sea la soledad producto de un desengaño amoroso, la batalla perdida contra el tiempo y el envejecimiento, la decisión entre la búsqueda de la felicidad o el sometimiento al peso de la responsabilidad o el miedo a contradecir unas convicciones sociales férreas en forma de tabú.
“Caramel” es una amable muestra de cotidianeidad, amistad e intimidad. Todo el film cuenta con una estética visual potente, hermosa y cuidada, cromáticamente intensa e irradiante de sensualidad, tal y como la voluptuosa Layale (interpretada por la propia Labaki) y su mirada magnética, intensa y hechizante, aunque siempre melancólica. Como en todas nuestras vidas, coexisten escenas entrañables, como la de la conversación simulada entre Layale y el benévolo policía o los románticos encuentros encubiertos entre Rima y su hermosa clienta, y escenas conmovedoras, como la maquiavélica prueba de casting de Jamale o la relación entre la costurera Rose y su hermana Lili; todas ellas maravillosas y siempre acompañadas de una hermosa banda sonora. Sin duda, “Caramel” es un dulce de deliciosa degustación.

Eloy Van Cleef

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Decía Francis Ford Coppola en la Festa del Cinema de Roma que no tenía tiempo ni ganas de buscar financiación para sus películas, por lo que prefería costearlas él mismo a través de su productora American Zoetrope. Probablemente ha sido una sabia opción, ya que es muy probable que el veterano y brillante director habría tenido con este proyecto de “redescubrimiento como artista” tantos problemas para lograr el apoyo de una productora que le permitiese libertad creativa como los que ha tenido que salvar recientemente, a base de confianza y mucha, mucha lucha, el siempre controvertido Darren Aronofsky en su elaboradísima pero, tal vez, demasiado presuntuosa “La fuente de la vida” (The fountain, 2006).
“Youth withouth youth”, primer film como director de Coppola desde “Legítima defensa” (The Rainmaker, 1997), es un considerable esfuerzo intimista en el que una potente y desgarrada historia de amor nos sumerge en una interesante reflexión acerca de, según las palabras del realizador, “el tiempo, la conciencia y la base fantástica de la realidad”.
Nos hallamos ante una película atractiva, original, cuyo reparto encabeza un serio Tim Roth acompañado de la bellísima Alexandra Maria Lara y el siempre eficiente Bruno Ganz. La obra, adaptada por el propio Coppola de la novela “Tiempo de un centenario” del rumano Mircea Eliade, se presenta como un invite a la meditación, pero también como un desafío a, primero descubrir, luego interpretar, las complejas piezas de este confuso mapa que trata de transportarnos a los cimientos de nuestra civilización, proponiendo la seductora tesis del nacimiento del lenguaje como el origen de nuestra consciencia. Sin embargo, a la dificultad que supone procesar toda la información que el director nos transmite a un ritmo, en ocasiones, frenético incluso para nuestra atenta mirada, se suma una narración en la que tenemos frecuentemente una sensación de ambigüedad, con algunas escenas que parecen atropellarse. De este modo, la trama deja una creciente huella de incertidumbre que, junto a una siempre inevitable sombra de inverosimilitud, puede llegar a provocar ansiedad en el espectador.
Dicha incertidumbre hace que la reflexión acerca de “Youth withouth youth” sea uno de esos platos que se deben de servir fríos. La información comienza a digerirse tras la proyección, cuando nos dirigimos a nuestras casas mirando al suelo y esforzándonos por exprimir nuestro cerebro en busca de despejar el dilema que la experiencia de esta visión nos ha dejado. Sólo a nosotros corresponde la decisión de aceptar, o no, el reto de Coppola. Mientras tanto, nos preguntamos si este gigante viscontiano ha dicho ya su última palabra o si, por el contrario, volverá algún día al firmamento cinematográfico, cual ave fénix, regalándonos una nueva obra maestra. Esperamos ansiosamente.

Eloy Van Cleef

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Con “Last Days”, la crítica dio por concluida la llamada “Trilogía de la Muerte” del director Gus Van Sant, iniciada en 2002 con la mala acogida de “Gerry”, film al que sucedió el éxito de “Elephant” (2003), vencedora de la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de ese mismo año. Sin embargo, el actual realizador-icono de la esfera independiente americana ha querido ampliar este ciclo sumergiéndose, una vez más, en una desalentada psicología adolescente.
“Paranoid Park”, definida por el propio director como “una visión de 'Crimen y castigo' en el mundo de los adolescentes que practican el skate-boardrepite”, penetra en la mente de un joven adolescente melancólico, solitario, impertérrito hasta que un terrible suceso fortuito sacude todo su universo, sumergiéndolo en un agitado pantano de culpa y remordimiento. De este modo el protagonista, Alex, se hunde en un claustrofóbico cosmos adolescente en el que los adultos no tienen cabida.
Uno de los atractivos de este film radica en la soberbia dosificación de la información que nos ofrece un montaje muy particular, característico del nuevo cine de Van Sant, en el que se llevan a cabo inteligentes y frecuentes saltos temporales en torno a la acción clave del film.
Otro factor notable de la obra es la inserción de dinámicas escenas a cámara lenta de skaters en plena acción, rodadas en un exquisito súper 8 granulado bajo la dirección fotográfica de Rain Kathy Li. El resto del film, rodado en 35 mm con dirección de fotografía del australiano Christopher Doyle, se apoya en intensos y acompasados primeros planos sobre el mustio protagonista, el debutante Gabe Nevins, cuyo trabajo, afrontando un papel exento de exigencias interpretativas, es simplemente correcto.
La cámara acompaña al lacio adolescente a lo largo de lánguidos pasillos de instituto y tristes calles de Portland hasta el templo de las almas perdidas, Paranoid Park, “un lugar donde tienes la impresión de que, por muy mal que esté tu familia, siempre habrá alguien en una situación peor que la tuya”. Aquel lúgubre lugar, tal vez el único en el que nuestro protagonista se siente cómodo, será también testigo de la tragedia del joven.
Es realmente loable el trabajo de Gus Van Sant para lograr que la visión de un film con un ritmo esencialmente lento, escasos diálogos o narración y una historia tan sencilla se convierta en un auténtico acto de placer. ¿Cómo logra entonces Van Sant un resultado tan óptimo con un contenido tan limitado? A través de la forma, una brillante forma, un placentero experimento estético. Escenas de extrema belleza y profundidad psicológica, lugares que se convierten en personajes propios, tablas de skate que conforman dinámicas pinceladas sobre la pantalla. Y todo esto siempre acompañado de una banda sonora majestuosa, que en tantas ocasiones relega al personaje principal a un segundo plano. Es el triunfo de lo escueto, la divinidad de la sencillez. Una maravillosa poesía minimalista.

Eloy Van Cleef

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