Lo primero que hay que decir es que casi 3 horas de metraje es abusivo. Pero ya conocemos a Tarantino, le gusta perderse en muchas películas en una misma. Le gusta hablar de nada y de todo, tener momentos sublimes, excesivos, brillantes. Perderse entre sus largos diálogos que no dicen nada pero te quedas hipnotizado frente la pantalla. Una cosa que admiro de él es que no tiene riesgo a caer en el ridículo, es su película, la que quiere hacer, y te puede meter a Morricone y luego enlazar con música hip hop, sí, una especie de "Spaghetti Western" con rap. Y le queda bien al hijo de puta. Sabe poner la cámara en el lugar exacto, con el uso característico del zoom a veces. Humor como siempre Made in Tarantino. Se nota que ha visto miles de películas en su vida, de todos los géneros, se nota en las escenas de acción, en la sangre, siempre recordando al cine japonés. Pasando por los clásicos hasta llegar al cine incluso de serie Z. Christoph Waltz tremendo para mí, es un placer verlo siempre en V.O. La calma que tiene es increíble. Destacar también a Jamie Foxx, y a Leonardo DiCaprio, que hace tiempo ya se convirtió en uno de los mejores actores de su generación, dejando atrás ese pasado de ídolo de quinceañeras locas. Atención a Samuel L. Jackson, que aunque tiene poco metraje, borda todas las escenas en las que aparece. Jodidamente grande sus diálogos. Especial mención también a la escena del tiroteo final en la mansión. Locura de las grandes. Poco más que decir, no hace falta decir que es obligatoria verla en V.O. El doblaje mata a los actores. Que cada uno saque sus conclusiones, no puede existir mejor crítico que uno mismo. Pasen y vean pues.

Sentí curiosidad cuando vi por primera vez el tráiler del remake de “Poltergeist” (Tobe Hooper, 1982). Compuesto de una forma elegante y con lo que parecía un toque más oscuro que la original me decidí por su visionado en cine en el día de ayer. Dirigida por Gil Kenan, que despertó mis simpatías con su ópera prima “Monster House” en 2006, y a priori con un reparto plagado de buenos actores con Sam Rockwell y Rosemarie DeWitt a la cabeza dando vida al matrimonio que tendrá que lidiar con los espíritus malignos que habitan su nueva casa y rescatar a su hija pequeña.

Visualmente estamos ante una propuesta elegante, con aspecto muy cuidado con fotografía del español Javier Aguirresarobe (toda una garantía), y una banda sonora aceptable. Pero todo se viene abajo en cuanto el guión entra en juego. Un verdadero insulto a la inteligencia, ya ni siquiera voy a entrar en la comparación con el film original, hablo como producto propio, como film con identidad, plagada de dialógos absurdos, uno tras otro, hasta llegar al punto de que estando la hija desaparecida y aparecer tras el televisor, la familia se queda tan tranquila y pasadas las horas Sam Rockwell se dedica a hacer bromas por la casa. Lamentable y penoso.

Hablemos de las actuaciones. Sólo se salva Kennedi Clements, la niña que interpreta a la hija pequeña, que mantiene el contacto con esos seres malignos. Es curioso, porque creo que tenía el papel más difícil, es decir, que el espectador no se acordara de la mítica Heather O'Rourke. Y cumple con creces, con esa mirada e inocencia extraña, solventa con nota todas sus apariciones en la películas y te preguntas cómo una niña de 8 años puede ser lo mejor de un reparto actoral de este nivel.
Luego tenemos a los otros dos hermanos, el hostiable Kyle Catlett (el niño de The Following) que se pasa toda la película con cara y mirada de tonto. Y por último la hermana mayor, Saxon Sharbino, una adolescente llena de topicazos y que no aporta nada de nada aparte de mostrarnos su móvil una y otra vez. Completan el reparto Jared Harris y Jane Adams, y tan sólo logran ser caricaturas de lo que deberían ser. Pero la palma para mí se la llevan Sam Rockwell y Rosemarie DeWitt, ya que los considero buenos actores, sin ser nada del otro mundo. Parece que en esta nueva “Poltergeist” no tienen alma, están horribles, sosos, sin mostrarnos nada, sin sentimientos, parecen dos sombras cada vez que aparecen en pantalla. Una completa decepción.

Por último, comentar que la parte final es precipitada e irracional, y que cuando aparecen los títulos de créditos te sientes insultado. Al menos esa fue mi reacción.

Lo mejor: El diseño de producción, su elegancia visual, alguna que otra escena con Kennedi Clements como la del televisor y los momentos en el otro lado. Que termina pronto.

Lo peor: El sentido del humor que no hace gracia, los actores, el final. Lo ridícula que es. Puedes ves el tráiler que destripa todo lo bueno y así ahorrarte verla entera.

Vuelve M. Night Shyamalan con su nueva película tras los fracasos cosechados en sus dos últimos films (The Last Airbender y After Earth), y lo hace con una historia que parecía tener todos los ingredientes para reencontrarse con ese público perdido que un día lo elevó a la categoría de maestro cinematográfico.

La premisa es simple y atractiva, dos hermanos van a visitar por primera vez a sus abuelos, a los que nunca conocieron ya que su madre rompió relaciones con ellos en el pasado. Lo que parece unos días idílicos en principio, se tornarán en una pesadilla al ver que algo extraño sucede con el comportamiento de sus abuelos. Todo esto lo veremos desde dentro, en formato Found Footage, ya que Becca (interpretada con solvencia por Olivia DeJonge) la hermana mayor, pretende grabar un documental de su visita a los abuelos para poder mostrárselo a su madre.

Lo primero que hay que destacar es su reparto. Formado por caras no muy conocidas para el gran público, y destacando especialmente el pequeño Tyler (Ed Oxenbould). No las tenía todas conmigo al ver los primeros minutos de su actuación, pero poco a poco se va metiendo al espectador en su bolsillo, lleva la parte cómica del film, y lo que parecía un niño más horrible que tanto nos abundan en los últimos años, se tranforma en todo un acierto de casting. Luego tenemos a la ya mencionada Becca, la hermana mayor, y juntos forman una pareja de hermanos que se deja ver en pantalla sin problemas.

En los papeles de los abuelos nos encontramos con Peter McRobbie y Deanna Dunagan. Siendo ella la mejor parada, ya que tiene los momentos más terroríficos de la película, y consigue con simples gestos y miradas causar inquietud en el espectador. También tenemos interpretando a la madre de los chicos en un papel más secundario a la actriz Kathryn Hahn.

Todos salen bien parados con sus actuaciones, y que no sean muy conocidos le hace un gran favor a la película ya que le da un toque de frescura.

"La Visita" está bien rodada, tiene dos o tres momentos brillantes, una atmósfera conseguida y buenos actores, pero le falla algo. Shyamalan ha comentado que tenía tres versiones de la película. Una cómica, otra terrorífica y la mezcla de ambas, que es por la que se decidió al final, y creo que precisamente es el principal error del film. Se queda a medias de todo, el terror no existe quitando un par de momentos, y aunque la parte cómica le va bien, creo que es menos graciosa de lo que él se piensa. Si fuera otro director el encargado del film me parecería correcto, pero pienso que M. Night Shyamalan no es un cualquiera, hay que pedirle mucho más porque puede darlo. Lo ha demostrado con creces en el pasado. Al estar en formato documental, nos quedamos sin la habitual partitura de James Newton Howard, otro punto negativo, ya que su imágenes siempre han sido potenciadas gracias a la labor de tan tremendo compositor. Una película de Shyamalan es menos Shyamalan sin Howard.

También el guión es para hacérselo mirar, vale que como espectador entre en el juego y demás, pero si uno empieza a analizar, todo se cae.

Resumiendo, Shyamalan ha vuelto a las historias que mejor le van, pero carece de la magia que un día lo acompañó, un film que está lleno de indiferencia, con algunas marcas de la casa (la familia, el amor, las pérdidas, los traumas del pasado) con cosas buenas y otras malas, que se deja ver bien, pero que podría haber sido mucho más de lo que es.

Esperemos que en un futuro cercano, vuelva ese Shyamalan que tantas veces me hizo creer en la magia del cine.





Lo Mejor: Los actores, y los pocos momentos de terror.

Lo Peor: El guión. Que no tenga la música de James Newton Howard. Que nos la vendan como una película de terror cuando no lo es. La indiferencia que causa.r

“Blue Valentine” es una película del año 2010, dirigida por Derek Cianfrance y protagonizada por Ryan Gosling y Michelle Williams.
En ella veremos la historia entre Dean y Cindy, un matrimonio con una preciosa hija pero que no pasa precisamente por su mejor momento. La escapada a un hotel servirá de excusa para intentar recuperar la magia perdida en la relación, pero poco a poco nos daremos cuenta de que no hay nada que hacer. Mediante flashbacks, conoceremos el inicio de esta historia de amor, y podremos sentir que lo que ahora es rutina, en su día fue totalmente diferente. Seremos espectadores de la magia de su relación, hasta llegar a la mediocridad absoluta y con ella la pérdida del amor.
Si algo hace especial a “Blue Valentine” es la veracidad que desprende. Tanto que duele; es un puñetazo al corazón desde la sinceridad y mostrando sin efectismos las diferentes fases que vive una relación. Te emociona, te hace saltar una lágrima y al mismo tiempo te hace reír. Pocas películas pueden conseguir eso, a diferencia de otros films llenos de ñoñería, aquí todo lo que ves te lo crees. Sin duda el mayor acierto es su pareja protagonista, una pareja con la que te sientes identificado y empatizas desde el primer momento, tremendos Gosling y Williams (nominada al Oscar a mejor actriz en 2010 por este papel) y para muestra de ello destacar algunas escenas: como en la que ella baila y él canta o la del hospital casi al final del film que pone los pelos de punta.
Sobresale también algunos temas musicales, en especial la canción de la pareja (Penny & The Quarters – You and Me) y la versión que Gosling hace de “You always hurt the one you love”. Maravillosas.
Lo dicho, una película muy recomendable, de las mejores en lo que a esta temática se refiere, con un estilo elegante, con una historia para adultos, sin tonterías y reflejando la realidad. Puro cine.

Lo mejor: La química entre la pareja protagonista, las escenas de Gosling con su hija, los diálogos, la naturalidad que desprende el film. Las escenas musicales. Su banda sonora.
Lo peor: Verla en pareja puede ser peligroso.

“Mi vecino Totoro” es una película de animación dirigida en el año 1988 por Hayao Miyazaki. La acción nos lleva al Japón de los años 50, concretamente en el seno de una familia que se acaba de mudar al campo para estar cerca del sanatorio rural en el que se encuentra la madre de las niñas protagonistas. Las pequeñas tienen una mente estimulada por las historias que les cuenta su padre, un profesor universitario con una gran imaginación, y no tardarán en darse cuenta de la presencia de los espíritus del bosque, que sólo pueden ser vistos por seres humanos con el corazón puro.

Como en todas las películas del gran Miyazaki, nos encontramos con protagonistas femeninas inocentes, de mente pura, en armonía con la naturaleza y los paisajes llenos de vida; aquí el agua tiene vitalidad, el viento se mueve y puedes sentirlo, y los maravillosos bosques siempre nos están hablando de un modo u otro. Tienen sentimientos.

Los primeros 45 minutos son una clase maestra de cómo introducir a dos personajes, tanto a Mei, la pequeña de 5 años, como a Satsuki, de 11 años y muy madura a su edad debido a la enfermedad de su madre, pero no por eso menos curiosa. A pesar de encontrarnos con animación clásica, reconocible en toda la obra de Miyazaki, no es impedimento para creernos absolutamente a esas dos niñas y su mundo; su expresividad; su lenguaje corporal; las alegrías y penas que viven durante el film son un mensaje directo al corazón. Empatizas y sientes como ellas.

Nos encontramos con claras referencias a la obra de Lewis Carroll (Alicia en el país de las maravillas), palpables en las escenas por ejemplo de la caída dentro del árbol y primer encuentro con el Totoro mayor, o en el “Gatobus” que aparece y desaparece.

Comentar que la película fue estrenada junto a otra gran obra de la animación Japonesa como es “La tumba de las luciérnagas”, un film durísimo, pero que complementaba las dos caras de la moneda. Todo un éxito que sirvió para seguir financiando al estudio.

Destacar como siempre la música obra de Joe Hisaishi, pieza básica en las películas de Miyazaki, y unos de los mejores compositores de la historia del cine.

Como últimos datos, destacar la repercusión que obtuvo el muñeco “Totoro”, convirtiéndose en una auténtica fiebre de masas en Japón. Tal fue el éxito, que se convirtió en el logo de los estudios “Ghibli”. El guiño que John Lasseter hizo a Miyazaki al incluir a Totoro como uno de los muñecos que aparecián en “Toy Story 3”. Y por ultimo, reseñar que la película no llego en cines a España hasta el año 2009.

Una película para sentirse vivo, inocente, y sentir todos los elementos de ese gran maestro del cine y la vida como es Hayao Miyazaki.