El viento suele proceder a limpiar la atmósfera de contaminación, mal tiempo, nieblas, polvos, que llevan a lodos y tempestades, plagas y otros detritus de la naturaleza.
El viento es aliado del tiempo, que produce el olvido y hace recobrar la descuidada confianza a aquellos que, después del horror, optaron por la guardia permanente.
Este film formaba parte de aquella movilización militante, fruto de las amargas y recientes experiencias, pues no en balde, cuando se realizó, sólo habían pasado diez años de los espeluznantes hechos y del final de la II Guerra Mundial.
Tan poco tiempo, y ya verdeaban los campos, las tumbas estaban cerradas y en las vías donde circularon los siniestros convoyes de la muerte, la herrumbre y la maleza empezaban a ocultar su siniestro fin, como el film nos describe.
Se realizó la película, con la colaboración de un buen número de organizaciones de antiguos deportados y combatientes y de las instituciones que habían sido testigos de la hecatombe y su objetivo sería hacerla como ejemplo y denuncia, para evitar su repetición.
No se si eran optimistas e ignoraban que cincuenta años más tarde de su estreno, habría habido gulags, matanzas en Extremo Oriente, repetición de internamientos y eliminación de oponentes en Chile y Argentina, étnicas matanzas en Los Balcanes y en África, y extraños conflictos de intereses con la excusa de fundamentalismos religiosos de un signo u otro, con todo lo cual, Resnais tendría tema documental y testimonial para veinte o treinta “Nuit et Brouillard” más, dicho lo cual no le quita mérito al noble intento de denunciar la barbarie en todas sus dimensiones, desde un canto al sentido común y a la sensatez y buen hacer, que transmite en su film.
Allá por los sesenta y setenta, se proyectaba clandestinamente en cine clubs y en las sesiones, otrora calificadas de pornográficas, que se daban en Perpignan, Ceret y otras poblaciones francesas cercanas a la frontera. Si en aquellos años servía para empezar a vislumbrar la barbarie de los totalitarismos, hoy, vista de nuevo en su formato DVD, sigue vigente en su frescura, en su ritmo y en su intención, como una de las joyas de la cinematografía de todos los tiempos, indispensable para la pervivencia de la memoria ante los envites del tiempo y el viento que hace que todo se olvide. Yo la tengo en sitial de honor, al lado de "El gran dictador" de Chaplin.

Ramsés

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Últimamente el cine alemán nos presenta unas propuestas de enorme interés humano y cinematográfico. Con pocos medios y una probada eficacia, desarrollan unos productos de profunda inteligencia y excelente factura y en la mayoría de los casos proponen la reflexión de su propia y reciente historia, en unas catarsis que en nuestras latitudes ya quisiéramos, a propósito de nuestros recientes despropósitos históricos.
En “La vida de los otros”, subsiste este psicoanálisis, esta introspección a las tripas de las miserias más recientes, para hacer una profunda meditación sobre los resortes del poder, la sumisión a su terror psicológico, en las formas más sutiles de la delación, la prostitución, para hacer un canto a los valores del ser humano, en las formas del sentimiento, la inteligencia y la empatía.
Lo hace con una puesta en escena soberbia, sencilla, con una excelente ambientación a base de tonos oscuros, que subrayan el sórdido ambiente de opresión política que retrata la película y unas impecables interpretaciones, en las que destaca la de Ulric Mühe.
El resultado puede ser una metáfora ( posiblemente algo optimista) sobre la propia auto emancipación de la RDA en los años inmediatos a la caída del muro y al derrumbe del totalitarismo, en la figura ( contradictoria y a veces poco creíble) del implacable capitán de la policía secreta (la Stasi) y su gradual y lenta caída del caballo, cual San Pablo camino de Damasco, a medida que asiste a la esperanzadora intimidad de unos seres mucho más puros que la sordidez que defiende cotidianamente.
Un film excelente, totalmente recomendable, que en la mezcolanza agridulce de sus mensajes, nos deja el buen sabor de la esperanza en la progresiva y posible bondad de los seres humanos en medio de la jungla de corrupciones que no cesan.

Ramsés

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Excelente interpretación, ambientación delirante, a tono con la película, que describe una sucesión de personajes que no tienen desperdicio. Un inteligente fondo musical acompaña la galería de los horrores de unos personaje, de un microcosmos, que van progresando en un "in crescendo" de delirantes psicosis, contrapuntadas con la realidad de algunos personajes - el marido, su amante, o simplemente un inspector de Hacienda- que pasean su "normalidad" como un anormal contrapunto entre tanto loco suelto.
Me ha parecido un film inteligente, llevado con soltura y buen ritmo e interpretado con sobrada eficacia por parte de TODOS, destacando Annete Bening.
Además, ironiza sobre la "locura" de mundo de la creación artística o literaria, con suma inteligencia. Es un trabajo totalmente recomendable, a sabiendas de que a algunos espectadores les puede provocar rechazos. A veces, mirarse al espejo puede resultar algo doloroso.

Ramsés

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He procurado asistir a la sala sin ninguno de los prejuicios que preceden a este film y debo afirmar que me ha gustado.
Claro que he visto una versión original subtitulada (que manía con doblar los film... con los matices que nos perdemos por ello) y en ésta no se concibe la forma en que el doblaje puede resolver el juego verbal entre el inglés y el castellano, uno de los recursos de humor e ironía que utiliza el neoyorquino.
El cine es algo muy sencillo: Situar una cámara y filmar unas situaciones, unos paisajes y unos personajes. Si todo ello se hace con un plus añadido de inteligencia, ironía, gusto artístico y con la excelente colaboración de los intérpretes y una muy buena y cuidada banda sonora, se obtiene un buen resultado; y “Vicky Cristina Barcelona” es una muy buena película. Como nos tiene acostumbrados, Woody nos traslada a un mundo de fantasía (su mundo onírico y quizás neurótico) en que los personajes de peculiares galaxias que flotan en su mente, establecen complejas relaciones, que el autor resuelve con sutileza, ironía y buenas dosis de un humor agridulce, larvado en los subconscientes, y que pueden producir la carcajada y la desazón al espectador en breves espacios de tiempo.
Ello se desenvuelve en una cuidada selección de decorados (tanto interiores como exteriores), que, junto con los detalles musicales, son una constante en la filmografía de Allen.
No busquen los tres pies al gato: Barcelona y Oviedo son un magnífico decorado (como lo podría ser Londres o París) para el desarrollo de una historia sencilla, con el cadencioso tono habitual de Woody Allen, en el que los personajes no tiene mucho que ver con realidades conocidas. Pero el Cine es el Cine y tampoco la caballería de John Ford tenía mucho que ver con la auténtica Caballería USA del siglo XIX, John Wayne con un auténtico colono del Oeste, ni Tarzán con un antropoide criado por un auténtico mono, y ahí están, como mitos y en la Historia del Cine… Háganme caso y vean “Vicky Cristina Barcelona” sin complejos, como una amable fantasía de un inteligente director, que no ha pretendido hacer un estudio sociológico, o el retrato de un país, o un análisis antropológico, ni el mejor film de su carrera…Simplemente un magnífico ejercicio de fantasía e imaginación . Esto si, véanla en versión original (subtitulada o no) y olvídense del pequeño hándicap de una voz en off (completamente innecesaria) que va desgranando el hilo del guión.

Ramsés

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Es inevitable que la gente se posicione ante este film, según sus particulares puntos de vista. Esto siempre pasa ante cualquier manifestación humana, y una película en la que los planteamientos se hagan a partir de las actitudes religiosas de una familia del Opus Dei, está condenada, de entrada, a ser polémica, y en buena medida, tanto el guión como el título, (“Camino”) alimentan este contexto.
De todas maneras, creo que debe hacerse abstracción de todo ello, y no entrar en el meollo partidista. De este modo nos queda el estudio psicológico de unos seres enfrentados a tres planos de la realidad: La cruda y tangible de los quirófanos, los hospitales, la enfermedad y la muerte, descrita con una crudeza y un realismo del todo implacables, y la de unos adultos que se aferran al hecho religioso como alternativa y esperanza de futuro. Finalmente queda el de los sueños infantiles y preadolescentes de una niña en trance de morir, que, en su agonía, vive sus fantasías oníricas. Ambas posturas, presentadas como quiméricas huidas de la realidad, se confunden y entrelazan como particulares caleidoscopios, en los que los partidarios del trascendentalismo, llegan a interpretar la ingenua ensoñación de la niña, como muestra inequívoca de misticismo y santidad. De cruel fondo: La muerte, la tangible y cruda asepsia de los hospitales y la frialdad de los quirófanos y sus instrumentos.
Los mencionados tres planos están descritos con cuidadosa eficacia, entrelazando el crudo realismo de la práctica de la medicina con la sordidez del pensamiento religioso cuando es llevado a los extremos de la radicalidad y el colorista y fantasioso mundo de los cuentos infantiles de la mente de la niña, logrando que el espectador viva estos contrastes, al modo que los pintores del renacimiento aplicaron la técnica del claroscuro. Ayuda a la eficacia de la acción, la soberbia e impactante actuación de los actores; todos en general, pero destacando una sobria Carme Elías y una sorprendente y dulce Nerea Camacho

Ramsés

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