Cinema paradiso narra la maravillosa historia de Salvatore , un joven cuyo amor por el cine, su tierra, su novia y su amigo del alma le inspiran a mejorar como persona. Un paseo bello y nostálgico por su vida, su infancia, su adolescencia y su adultez.

Giuseppe Tornatore conjugó los sueños de todo cinéfilo, vivir en una fábula donde cada caída signifique un levantamiento más fuerte, donde se puede jugar con el tiempo, con la tristeza y con la alegría, un mundo al cual tan solo podemos observar y añorar.

Magnificas interpretaciones de los tres Salvatore, el adulto, el joven y el niño; con especial mención de los dos últimos, quienes sencillamente se roban la película con el carisma que impregnaron a las andanzas del personaje central; también tenemos el privilegio de contar con Philippe Noiret , quien brinda una encarnación sencillamente magistral como el bondadoso operador del cinematógrafo.

La partitura de Ennio Morricone jamás defrauda, al igual que la hermosa fotografía de Blasco Giurato, y por sobre todas las cosas cabe admirar el magnifico trabajo de Tornatore tanto en el guión como en la dirección de esta bella cinta que ya forma parte del salón de honor del séptimo arte, un trabajo al cual no le falta nada, una obra maestra contemporánea.

Cinema paradiso cuenta además entre sus mejores logros con uno de los finales mas enternecedores de la historia del cine, un epílogo antológico para un cinéfilo empedernido como el que les escribe, un momento invaluable para cerrar esta hermosa y monumental película. Mi orgullo Italiano.

Pierluigi Puccini.

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En una ciudad industrializada, Henry se dirige al hogar de su novia, quien lo espera para cenar junto a sus padres. En dicho momento, Henry será advertido de que su novia ha dado a luz a un niño, el problema surge cuando Henry se da cuenta que el bebé no es, en ningún sentido, normal.

Críptica, terrorífica e hipnótica opera prima del excéntrico realizador norteamericano y su característico gusto por situaciones burdas e irreverentes, carentes de un sentido lógico, pero admirables en su crudeza e imaginería, pocas veces encontrada en el panorama cinematográfico.

Digna de alabanza la creación de una suburbana, atmosférica y bizarra puesta en escena, con una fotografía en blanco y negro de Frederick Elmes, que toca ciertas similitudes con el expresionismo alemán.

En esta cinta se hacen palpables las temáticas que David Lynch abordara en sus obras futuras, un inefable gusto por las deformidades físicas y las conductas extrañas; pero también un deleitable uso del onirismo, la poesía oscura y la pesadilla.

Es también digna de mención la perseverancia de Lynch por llevar su visión al celuloide, con un extenso rodaje de cinco años, en los que curiosamente Jack Nance tuvo que lucir su infame peinado.

Eraserhead es una vorágine de situaciones escabrosas, en especial por su personaje más incisivo, el hijo de la pareja protagonista, un recién nacido de aspecto grotesco que desencadenara un sinfín de irremediables problemas, inclusive a los espectadores, que como un servidor, aún no han logrado “borrar” de su sistema el espantoso, desasosegante y repulsivo pero por mucho brillante epílogo de la cinta.

Pierluigi Puccini

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Siglo XVI, Una banda de forajidos decide atacar un pequeño poblado rural en vísperas de cosecha. Para evitar la entrada violenta de los forajidos, un grupo de campesinos decide ir en busca de hombres valientes dispuestos a defender sus tierras a cambio únicamente de comida. Luego de una aparentemente infructuosa búsqueda, logran como mucho esmero reunir a siete samuráis.

Extenso y espectacular metraje del gran director Japonés Akira Kurosawa. Como es constante en su obra, juega con temas como el drama existencial y la épica aventurera.

Kurosawa fue pionero en esta cinta de dos técnicas cinematográficas, el uso de tres cámaras simultáneamente, con el fin de captar planos largos, medianos y cortos; así como el uso del slow-motion en un par de escenas de asesinato. Técnica que influyo en otros realizadores como Sergio Leone y Sam Peckinpah, en su tendencia por lograr un estilizado toque de violencia en sus filmes.

Grandes interpretaciones de todo el plantel, sobre todo Toshiro Mifune en una hilarante encarnación de la que ya había dado algunos matices en Rashomon, otra obra maestra del director nipón.

La escena de clausura expresa de manera sutil la impotencia y el pesimismo de estos hombres, quienes, por tan solo un momento, fueron héroes.

En conjunto, un clásico imprescindible de todos los tiempos.

Pierluigi Puccini

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Estambul, Turquía, 1970. William Hayes es un ciudadano estadounidense declarado culpable por tráfico y posesión de hachís, y sentenciado a una corroída prisión en la que sus problemas aumentaran desmesuradamente, llevándolo a sufrir enormes trastornos físicos y psíquicos de los que no podrá escapar, a menos que aborde el expreso de medianoche.

Amargo drama penitenciario narrado con gran maestría por el Británico Alan Parker, con un muy logrado guión por el que Oliver Stone recibió el Oscar, basado en las experiencias del verdadero Billy Hayes, un antiguo recluso norteamericano que paso varios años en una infernal prisión turca.

Desde el primer cuadro, la cinta despliega de manera verídica la sensación de crudeza, derrota y desasosiego que cualquier ser humano en su sano juicio experimentaría al encontrarse en semejante embrollo, gracias también a la excelente, valiente y desgarradora actuación de Brad Davis, el film adquiere el poderío suficiente para funcionar como documento de denuncia de situaciones similares, es mas, fue tanto su impacto que luego de su estreno serviría para ablandarle el corazón al gobierno turco y lograr así el inicio de un acuerdo formal con los Estados Unidos con el fin de llegar a un intercambio de prisioneros.

El film destila una atmósfera apesadumbrada y desagradable que se equipara a sus memorables personajes, entre ellos están el drogadicto encarnado con la habitual clase y naturalidad histriónica de John Hurt; o el obeso y odioso director de la penitenciaria, un más que correcto Paul Smith.

A las geniales interpretaciones de todo el reparto (Davis, Hurt, Bonacelli, Smith, Randy Quaid, Irene Miracle, entre otros) y al monumental trabajo narrativo de Alan Parker y Oliver Stone, se le suma la gran partitura del disco-king Giorgio Moroder, en una perfecta sincronía con cada fotograma, triste y devastadora, en especial en la escena final de la cinta, en la que logra alcanzar un nuevo significado de la palabra euforia.

Pierluigi Puccini

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Un grupo de amigos de un poblado en Pensylvannia pasan sus últimos momentos antes de partir como voluntarios a Vietnam. Sus vidas se verán truncadas y jamás recobraran la visión de las cosas que antes compartían.

Apoteósica, apabullante, intensa, brutal, y conmovedora; son solo algunos de los adjetivos que podrían resumir la obra cumbre de Michael Cimino, el director ítaloamericano que alcanzó la cima con este, su segundo largometraje, para luego ser repudiado debido a que provocó la bancarrota del estudio fundado por Charles Chaplin y Douglas Fairbanks entre otros, la United Artists. Cimino se encuentra actualmente en un retiro virtual, y lo que es aun más triste, jamás alcanzó de nuevo el potencial conseguido en esta mítica cinta, una historia épica sobre los horrores de la guerra y el valor de la amistad.

En su extenso metraje, algunos de los momentos más memorables y emblemáticos de la historia del cine se dan cita aquí, entre ellos el juego de pool en el bar, mientras el inseparable grupo entona la hermosa melodía de Frankie Valli “can’t take my eyes off you”; al igual que las jornadas de cacería en los hermosos paisajes norteamericanos, contrastadas con la estancia en Vietnam, en la que se alcanza un clímax tanto de suspenso como de crueldad y barbarie, lugar donde un insensible bando se divierte apostando al infame y monstruoso “juego” conocido como “ruleta rusa”.

Por si fuera poco, el film cuenta con un plantel de excelentes interpretes, entre ellos unos soberbios Robert De Niro y Christopher Walken, secundados por otros grandes como John Savage, una joven Meryl Streep y el encantador John Cazale, quien fallecería poco antes del estreno de la cinta.

La briosa y nada pretenciosa fotografía de Vilmos Zsigmond, la enternecedora partitura de Stanley Myers, y la habilidad de Cimino tras las cámaras, erigen a “The Deer Hunter” como uno de los documentos antibelicistas más verosímiles, un drama donde se exploran sentimientos y emociones viscerales e intimistas, de enorme magnitud y relevancia para cualquier ser humano. Una de las cintas más grandes de todos los tiempos.

Pierluigi Puccini

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