Todos nosotros sabemos que la Nouvelle Vague, la nueva ola francesa, es el movimiento cinematográfico mas aceptado mundialmente desde el neorrealismo en adelante. La Novelle Vague nació para romper con todo lo pactado de antemano en una reaccion contra la forma de cine industrial debilitada por las formulas y los patriarcas. El joven Truffauth abrió el fuego desde la crítica en 1954, y junto a otros colegas de los Cahiers du Cinéma, embistieron contra un cine que consideraban hipócrita y obsoleto. Pocos años mas tarde, Chabrol filmó lo que fue la presentación oficial de la Novelle Vague, "El Bello Sergio" (1958). Al año siguiente el boom ya era indiscutido con "Los 400 golpes" de Truffauth y "Al final de la escapada" de Godard. La aclamación de la crítica desbordó los límites locales, y pronto la Nouvelle Vague se convirtió en un fenómeno de mercado: la cuestión es que, en los cuatro años que duro su auge, casi cien nuevos directores presentaron su primer largometraje. Como podrá sospecharse, se trataba de un conjunto llamativamente desparejo. Es que la tendencia, apoyada en el uso de equipos de técnica austera y costos reducidos, aceptando la improvisación y haciendo elogio de la desprolijidad, permitió una explosión que en poco tiempo se autodepuró. Sus máximos exponentes se ocupaban especialmente en demoler a sus adversarios estéticos (sin temer al exceso), y reconocerse como herederos de una tradición inexplorada. Entre sus connacionales, el selecto grupo compuesto por Renoir, Becker, Tati, Bresson o Melville era reinvidicado, mientras que en el cine clásico norteamericano se ubicaban los ideales tan admirados como irrepetibles. Como fenómeno cultural, la Nouvelle Vague duró cuatro temporadas, desde 1958 a 1962. Para ese entonces ya no era tan nueva, y mucho de sus percusores ensayaban caminos divergentes. Cuando vio luz el oportunismo de un Claude Lelouch en "Un hombre y un mujer" (1968) más que parasitar un movimiento vigente, ya estaba aprovechando una onda temprana de edulcorada nostalgia.
En los últimos años y, especialmente desde Francia parece haber tomado cierto auge una corriente revisionista que trata de cuestionar los abusos de la Nouvelle Vague contra sus percusores, a la vez de denunciar las concesiones que jalonaron las carreras de algunos de sus representantes más conspicuos. Pero si se la aprecia como lo que fue, esto es, un fenómeno cultural de expansión tan portentosa como inmediata - incluso con componentes extraestéticos - dificilmente cabe imaginar un impacto semejante desde el neorrealismo italiano hasta el presente.

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Al final de la escapada, la ópera prima de Jean Luc Godard, es uno de los máximos exponentes de esto que acabamos de explicar. Se ve claramente en la escena inicial de Michel en el auto: todos los innecesarios cortes, el empalme rústico e, incluso, la rotura del eje de acción. Otro evidencia se ve en cada diálogo: la gran mayoría de ellos tratan de cosas intrascentes, rutinarias, que no hacen avanzar la historia. Algo que no pasaba en el cine clásico, donde cada palabra estaba en pos de un fin. Después nos preguntamos como logró Tarantino poner a dos tipos hablando de hamburguesas cuando van a matar a otro. ¿Como se llama la productora de Tarantino? Band Apart, el título de una película de Godard.

alex de large

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La vuelta del mejor Scorsese. En esta película el gran Martin vuelve a lo que mejor sabe. Para empezar vuelve a su lugar y a su década. La primera escena lo deja clarito: New York, años 70. Vuelve a sus historias de mafia, de negocios, de personajes que desde los barrios bajos llegan a lo más alto para luego caer otra vez. Y el genio de Scorsese te lo hace saber en la primera escena, una de las escenas más logradas en la historia del cine: La escena del auto, con la que Scorsese nos presenta la película, no dura más de dos minutos. Y en esos dos minutos ya nos contó toda la película, por lo menos en lo que a personajes se refiere. ¿Quién maneja el coche? Henry Hill, el que quiere ser un ganster. ¿Quién va sentado a su lado, flasheando y disfrutando de la vida? Jimmy Conway, el que ya lo tiene todo. ¿Quién va atras, con una pala en la mano? Tommy De Vito, el de caracter duro. Cuando notan que el hombre que llevan en el baul esta vivo... ¿Quién solo atina a mirar? Henry Hill, el que quiere ser un ganster ¿Quién le clava veinte atolondradas puñaladas? Tommy de Vito, el de caracter duro. ¿Quién le tira dos balazos? Jimmy Conway, el práctico, el que ya lo tiene todo. ¿Comprenden a que me refiero? En ese escena inicial, Scorsese ya nos contó la película. Solo él puede hacerlo.

alex de large

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Lejos la mejor película jamás hecha sobre Batman. Es una verdadera lástima que despues de Batman Returns no hayan permitido que Burton continue haciendo las películas del enmascarado porque si eso hubiera sucedido la historia hubiera sido muy diferente.
Aqui vemos a un Batman frío, distante, algo lógico para un tipo que vio como asesinaban a sus padres de chico.
En cambio uno después ve Batman & Robin o Batman Forever y el tipo se la pasa tirando chistes. No Joel, asi no es Batman.

alex de large

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Sin haber visto mucho cine de mi país, me animo a decir que Nueve Reinas es la mejor película argentina de todos los tiempos, superando incluso a la subersiva La Historia Oficial (ganadora del Oscar 1984 a la mejor película extranjera) o cualquiera de las de Aristarain en los 80.
El guión es sencillamente extraordinario, con diálogos estupendos, y las actuaciones magistrales. En otras palabras, la película es genial.
Sin embargo voy a contar una serie de cosas que para algunos seran simples detalles pero, espero, a otros los hará reflexionar.
Fabián Bielinsky terminó de escribir el guión de Nueve Reinas en 1992, y estuvo siete años con la carpetita debajo del brazo yendo de acá para allá, de productora en productora, para conseguir la financiación de su proyecto. Finalmente lo envió a un concurso organizado por Patagonik Films que estaba muy por debajo de su altura. Obviamente el guión de Bielinky gano el premio ($20000) y la financiación. El concurso era una estafa, porque Patagonik Films quedaba como dueño del film habiendo pagando apenas 20 mil pesos al guionista-director de la obra. Luego Nueve Reinas metió 2 millones de espectadores, Patagonik se lleno de plata y, mas tarde, le vendió los derechos a la Warner para que hagan la remake. Bielinsky no vió un peso de todo ese movimiento, pero eso es otra historia.
Esto es lo que me hace reflexionar y darme cuenta de cuantos guiones fabulosos deben estar dando vueltas por la ciudad buscando una financiación que solo un milagro hará posible.

alex de large

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Lo primero que hay que hacer antes de analizar, incluso de ver, esta película es situarse en lo que fué aquel extraordinario e irrepetible movimiento cinematográfico denominado neorrealismo italiano. El neorrealismo parecía renovar los poderes de una ficción desgastada en el clisé del cine industrial. Optaba por actores amateurs, los escenarios naturales (generalmente derruidos por la guerra), la cotidianidad de sus tramas, el acento puesto por la dimensión social de sus temas y la intérpelación ética o sentimental al espectador.
El neorrealismo se tranformó en la corriente vanguardista mas halagada mundial e historicamente.
Y si hablamos de neorrealismo no podemos no hablar de Ladrón de bicicletas, ya que es esta la película simbolo de este movimiento (aunque De Sica diga que el neorrealismo no es un movimiento sino un sentimiento). En esté film, del que tanto se habla y tan poco se lo ve, se enmarca todo lo hablado anteriormente, el intento desenfrenado por recuperar la bicicleta y las peleas internas por mantener la dignidad en una sociedad indigna.
Y, por último, la otra genialidad del neorealismo: el trabajo con actores amateurs, por ejemplo en este caso: la dupla Lamberto Maggiorani - Enzo Staiola, capaces de emocionarnos hasta las lagrimas, pero de quienes de su vida no conocemos más que la hora y media que dura la película.

alex de large

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