Magistral "adaptación" del comic de Frank Miller a la gran pantalla. Rodriguez ha conseguido algo que va a revolucionar las adaptaciones de comics a la gran pantalla: no ha sido adaptar el comic al lenguaje cinematográfico, que es lo que siempre se ha hecho, sino que ha creado un comic en movimiento, con personajes de carne y hueso, y todos y cada uno de ellos clava su personaje. Todos realizan una labor espléndida.

En cuanto a los efectos especiales, no hay palabras para describirlos, y no porque parezcan extremadamente reales, sino más bien al contrario, porque tienen aire de comic, llegando a parecer incluso algo "forzados", en el buen sentido de la palabra.

La falta de color, los tonos blancos, negros y grises, contrapuestos con los rojos de las chicas, el amarillo de Junior, etc, le da a la película en todo momento un aire de comic que impregna cada fotograma de esta cinta. También destacar las voces en off, tan características de cualquier comic, y que, mientras visionaba el filme, me llevaron de vuelta a los años de infancia leyendo tebeos.

A destacar el entrelazamiento de las diferentes historias, los planos contrapicados (impresionante el de Bruce Willis), y el paso de un fotograma a otro, con rápidos movimientos, como si verdaderamente fuésemos saltando de una viñeta a otra.

En resumen, un pedazo de "comic" de carne y hueso.

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Una pequeña sala de estar de una casita en el campo es el escenario de la que para mí se acaba de convertir en una de las mejores cintas de ciencia ficción de todos los tiempos. Allí, un grupo de personas se reúne para despedir a un compañero que tras diez años abandona el lugar. El grupo está formado por biólogos, antropólogos, psicólogos, religiosos... todas las ramas de la ciencia más exacta tienen su representación en la película. Una ciencia que empezará a desmoronarse cuando el protagonista les revele que en realidad es un hombre de las cavernas que ha conseguido sobrevivir hasta nuestros días.

Este es el argumento del apasionante relato de Jerome Bixby que durante una hora y media se nos cuenta haciéndonos directamente partícipes de la historia. Una historia en la que brillan por su ausencia los efectos especiales, sustituidos por un guión inteligentísimo que da rienda suelta a nuestra imaginación. Si la película hubiese contado con mayor presupuesto seguramente se habría optado por mostrarnos al protagonista en las múltiples etapas de su longeva vida, potenciando el espectáculo, pero hay que dar gracias de que no sea así y de que lo único que se nos ofrezca sea una conversación entre un grupo de personas con muy diferentes personalidades e ideas, donde no faltan la controversía y la incredibilidad ante lo que se cuenta.

Los ocho (únicos) actores de la película realizan un trabajo encomiable, elaborando unas correctísimas y sinceras interpretaciones, destacando a David Lee Smith como eterno motor de la historia. Rodada en unas pocas semanas en un rancho de California, el poco presupuesto de la película se ve reflejado en un montaje y fotografía susceptibles de mejora, pero que dan al filme ese aire independiente del que proviene. De hecho, el director, sabiendo que su distribución no va a ser la que merece, anima a los espectadores a que la visionen utilizando otros métodos alternativos a la pantalla grande.

"The Man From Earth" ("El Hombre De La Tierra"), es un canto a la vida, una de las mejores películas del pasado año 2007, original, inteligente, sencilla pero efectiva, grande y pequeña a la vez, destinada sin duda a convertirse en una película de culto y quizás dentro de unos años en un clásico.

Puede que nosotros no lo veamos. Pero quizás alguien sí que lo haga. Alguien para quien el tiempo no sea un obstáculo ni una restricción de libertad. Alguien que haya vivido, contemplado, aprendido y vuelto a seguir viviendo. Alguien que haya convivido con Buda, visto pintar a Van Gogh, enseñado sus conocimientos a una comunidad entera, vivido el principio de los tiempos, admirado las pirámides, preguntado el porqué de su existencia, eternamente, para siempre.

El Hombre De La Tierra.

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Tras el éxito alcanzado con el primer capítulo de su saga, George Lucas vio abiertas las puertas para continuar con su incursión espacial. El director había escrito la historia al serles denegados los derechos para adaptar a uno de sus héroes, el futurista Flash Gordon. Habiendo triunfado de manera desorbitada llevándonos a un espacio exterior y pasado, Lucas decidió continuar la historia desde el sillón de producción y guión, dejando el trono a otro realizador, Irvin Kershner, que supo aportar un toque distinto y más oscuro que hizo de esta segunda parte no sólo una cinta a la altura de su predecesora, sino una de las pocas secuelas que pueden dase por satisfechas al superar a sus originales.

Toda historia cuenta con una presentación, un nudo y un desenlace. Es bien sabido que el nudo es la parte que más problemas presenta, pues es la que debe contar lo más importante de ésta y no tiene ni principio ni final, por lo que es la que más desligada puede quedar. En "El Imperio contraataca" volvemos a encontrarnos con todos los personajes de la anterior, a los que se une el carismático Lando Calrissian (interpretado por Billy Dee Williams) y el maestro Jedi Yoda, una marioneta manejada por Frank Oz que transmite más que muchos actores, y uno de los grandísimos aciertos de esta secuela.

La historia comienza con una impresionante batalla tanto aérea como terrestre en el helado planeta Hoth contra el Imperio. Haciendo uso de maquetas detallistas y efectos especiales (que no digitales), Lucas y Kershner crean un enfrentamiento frenético, ágil y épico. A partir de aquí la trama se divide en dos líneas paralelas: la primera, el viaje del joven Luke al planeta Dagobah para continuar su instrucción en los caminos de la Fuerza de la mano de Yoda, que a día de hoy sigue siendo un icono popular; la segunda, Han Solo y Leia, acompañados del wookie y los androides tratan de escapar del Imperio, para, en un último momento, caer presos de él.

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Pero si hay algo por lo que todo el mundo recuerda "El Imperio contraataca" es por contener en su guión una de las frases más impactantes de toda la historia del cine, sino la que más, que incluso no se rodó como tal para evitar filtraciones. En el combate a sables de luz entre Luke y el malvado Vader (que adquiere mucho más protagonismo llegando a obtener su propio tema musical, de nuevo de la mano de John Williams), después de haberle rebanado la mano al joven aprendiz de Jedi, el enmascarado de negro suelta a Luke una verdad que hará tambalearse no sólo los cimientos de su vida, sino los del cine: "Yo soy tu padre".

Un final abierto con Han Solo siendo congelado en carbonita y los restantes miembros del grupo separándose para emprender nuevos retos dejaba en suspenso una segunda parte más seria, más adulta, y, sobre todo, mucho más oscura que su antecesora. Una cinta que logró la tarea imposible de elevarse por encima de su original, y que, para un humilde servidor, sigue siendo la mejor entrega de esta saga galáctica.

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Era una de las propuestas (a mi parecer) más interesantes de este recién inaugurado XI Festival de Cine Español de Málaga. Por varios motivos: primero, porque cuenta con un argumento que raras veces se trata con seriedad en el denominado cine español (el fin del mundo); segundo, porque lejos de centrarse en los típicos esfuerzos americanos para eliminar o desviar al meteorito que va a estrellarse contra la tierra, hay un acercamiento a los personajes; y, tercero, porque es el primero de los muchos (esperemos) proyectos andaluces que la productora de Banderas (Green Moon) pretende apadrinar.

Una vez visionada la cinta, sin embargo, no puedo decir que mis expectativas se hayan visto saciadas. El filme funciona a ratos, siendo muy irregular en otros, y se pierde demasiado en aspectos de la historia que quizás no habría sido conveniente desarrollar. Aún así, en el apartado técnico, el director hace gala de un magnífico pulso en cuanto a montaje, planos e iluminación. La fotografía, de hecho, es de lo mejor de la película, trasmitiendo ese inevitable aire pesimista que conlleva el que el mundo vaya a acabarse.

Desde el mismo comienzo en que vemos en la televisión a un alto cargo extranjero contando que el meteorito va a estrellarse contra la Tierra y que no se puede hacer nada para impedirlo, se nos ofrece una corta visión de las diferentes reacciones de los aldeanos, para enseguida pasar a centrarse en la trama que conduce la cinta, y que es una de venganza, de odio. Un misterioso personaje (Eduard Fernández) llega a la casa donde se refugian los protagonistas (Mariana Cordero, Víctor Clavijo y los tres desconocidos niños), arrastrando un oscuro pasado.

Víctor Clavijo interpreta correctamente su papel, al igual que el inquietante Eduard, ambos partícipes de un pasado que se nos va desvelando a medida progresiva, y que copa todo el metraje, no dejando tiempo para explorar las reacciones de más personajes ante la catástrofe, que sin duda hubiese sido más interesante. No obstante, el enmarcar una historia como ésta en la víspera del fin del mundo es destacable. No hacer de ello espectáculo, sino testigo de la trama, que es bien distinta. De hecho, el meteorito se ve en contadas ocasiones.

Seguro que al leer la sinopsis mucha gente verá con reticencias y prejuicios el ver la película, que aunque no exprima todas sus posibilidades, si nos tiende un producto interesante, con unas cotas de calidad mínimas en casi todos los apartados, y que abre el camino para futuras producciones sobre temas "no typical Spanish". En definitiva, una algo insípida película, a la que hay que reconocer la valentía que supone adentrarse en un género así en un país como España, más acostumbrado a fútbol y tías que a meteoritos gigantescos que amenazan con destruirnos.

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Bravo por el final. Un final, vuelvo a incidir, nada típico y alejado de todos los tópicos. Si el mundo se acaba, tiene que acabarse. Esto es España, no América. Aquí no valen sacrificios de última hora para salvar el mundo, ni cohetes enviados en el último minuto para parar a la gigantesca roca. Una vez en paz con su pasado, el personaje de Clavijo regresa a la casa, y, tras conceder un último halo de esperanza a los niños, y reencontrarse con un viejo amor, el director coloca la cámara a ras de suelo, entre unos arbustos, y sabemos que lo inevitable está a punto de ocurrir, cuando, de repente, una explosión nos ciega y ensordece, fruto de ese meteorito, que, por una vez, ha conseguido acabar con toda vida humana.

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Unos sangrientos títulos de créditos dan comienzo a "Sweeney Todd". En ellos vemos como la sangre emana a borbotones de un lugar que no vemos y se cuela por las hendiduras del suelo de la barbería de la calle Fleet. Un viejo y magullado sillón de color rojo se sitúa en medio de la oscura sala, iluminada tan sólo por la luz entrante de las ventanas de la alcoba. Un único cuadro al fondo de la estancia de una mujer y un bebé le sirve de decoración. Este es el escenario cumbre de la nueva película de Tim Burton, su sexta colaboración con Depp, la tercera con Bonham Carter, y, lo más importante, su primer musical.

Depp (Todd) sustituye las tijeras de la primera película que realizó junto a Burton por unas elegantísimas navajas plateadas. No sólo cambia el instrumento sino también la motivación: mientras que Eduardo era un chico aislado del mundo que solo buscaba ser querido por los humanos, Sweeney Todd es un hombre adulto que busca venganza contra el juez que le arrebató su vida tiempo atrás, personificado en Alan Rickman. Para ello se alía con la propietaria de la pastelería de debajo de su negocio (Helena Bonham Carter), antro preferido por cucarachas y bichos varios, y se enfrenta en un mano a mano con un barbero oponente, papel interpretado correctamente por el conocido Sacha Baron Cohen.

La adaptación al cine del aclamado musical de Broadway nos deleita visual y sonoramente: el director hace gala de sus ya características formas curvas y rocambolescas y se atreve con unas canciones que no sólo sirven de adorno sino que actúan de motor de la historia. Una historia tenebrosa, sombría, tétrica y sangrienta, muy sangrienta. Como corresponde a todo musical, cada personaje cuenta con un tema determinado y tiene su momento de gloria en cuanto a uso de la voz se refiere. Las actuaciones se saldan con resultados muy favorables.

Y así, nota a nota, navajazo a navajazo, Burton y Depp arman una historia de amor encubierta por una aún mayor de venganza. La fotografía de la cinta es artísticamente exquisita, y ofrece al espectador escenas de un tremendo poder visual. El Londres gótico en el que Burton nos adentra es un ejemplo de esto, así como todas las sesiones de afeitados apurados que Depp ejecuta. El ritmo de la historia no decae en ningún momento, y alcanza sus mejores momentos en el compás final.

Así pues, "Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet", suena (y muy bien) como una de las cintas con serias posibilidades de cara a los próximos Oscar, habiéndose ya alzado con el Globo de Oro a Mejor Película Musical y Mejor Actor. Un musical diferente, que no busca la canción como espectáculo sino como eje de la historia, y cuyo final cierra de forma majestuosa el circulo que se abre al empezar la película.

Nunca olvides. Nunca perdones.

Franky_23

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