¿Hablamos de abusos de algunas empresas farmacéuticas? ¿O hablamos de la explotación que hacen las productoras y directores de su denuncia? Se está ante una película para “buenísmos”. Qué buenos somos unos y qué malos son los otros.

Se dice que es una buena historia de amor. Bien: entre la protagonista y el protagonista prácticamente sólo aparecen colchonazos. Ni una sola relación más allá de la cama. El no sabe nada de lo que hace o investiga ella, ni se interesa por ello: ella va a lo suyo y le deja a él jardinear; no le comunica nada, no confía en él. ¿Quién es Arnold Bluhm? La escena entrecortada en que ella le impone a él el casamiento es todo menos amor.

Más allá de esa ausencia de una relación amorosa real, la película pretende ser un thriller, pero lo intenta de una manera tosca. No hay espacio para la intriga, ni para el susto, ni para la espera, ni para el guiño, ni para el engaño.

Los malos –prácticamente todos- personajes irreales, y como de cartón-piedra como los protagonistas. Hay que recordar que en las malas películas, los malos son tontos. Y aquí lo son a conciencia. Dejan rastros, hablan, confiesan, denuncian. O son sea: son tontísimos.

La película aburre. Nada es sólido. Los movimientos de cámara no aportan nada sino un afán de parecer progre. "modelno". La inclusión de escenas introspectivas, como en el reencuentro de Chelsea, innecesaria e incoherente con el entorno de la película. Los flasbacks, hartantes, reiterativos e innecesarios.

Ralph Finnes, la misma cara siempre, representando a un diplomático estólido. La verdad: cuando el jardinero reconoce el cadáver pone la misma cara que ponen en otras películas los culpables. Solo faltaba que le nominaran para el Oscar.

Raquel Weisz, algo así como un Oscar ganado en una barraca de feria. O un premio al embarazo. Una interpretación digna pero magnificada.

O Meirelles demuestra que es un director de verdad que no se refugia en mensajes demagógicos o un tercer refrito le hundirá. O sabe dejar la cámara más quieta o desaparecerá. O limita el flashback a sus justos términos o cansará. Su paso del tren por la zona urbana ¿Habrá visto la escena similar de Shanghai Express? Del 32 e increíblemente mejor.

Lo más destacable: Kenya desde el aire. Pero no hay que alarmarse: eso lo pone Kenya. Pobre Kenya: habrá ganado bien poco, y sí perdido con esta película. Ya se sabe: malos, los keniatas, los políticos, los farmacéuticos, el Reino Unido, el capitalismo, Europa, las Naciones Unidas... Buenos: ustedes los espectadores. Aplaudan, por favor. Es el sistema y la regla.

RARRA

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Es clásica la contraposición que se establece habitualmente entre los libros y las películas. Películas basadas en un libro y libros basados en una película. Estos últimos suelen ser malos de solemnidad. Las primeras tienen a veces esa misma condición, pero en ocasiones suelen extraviarse y terminan siendo películas que podríamos llamar independientes.

De esas afirmaciones suelen librarse los libros y películas de pura acción, porque la acción se describe en imágenes o en palabras y ya está. Pero cuando media la menor interioridad de personajes, un mínimo rastro de su intimidad, sean dudas, pensamientos, intenciones o deseos, el libro y la película se ven obligados a recorrer formas absolutamente distintas de exposición que terminan generando obras imposibles de comparar.

Eso sucede a La joven de la perla, obra escandalosamente interiorista. Al mundo fundamentalmente interior de Vermeer lo acompaña el mundo interior de Griet. Junto a unos personajes accesorios y presentados como superficiales, Vermeer y Griet se nos muestran como pura interioridad que nos es vedada conocer y que simplemente podemos intuir.

La película refleja espléndidamente esos Países Bajos de siglo XVII y, más concretamente la vida urbana de una ciudad como Delft de la que apenas se muestra una calle. Y, más concéntricamente, una casa, la de Vermeer con su marco doméstico del que parece ser ajeno: mujer, suegra, servidumbre, mecenas. Y, por fin, el estudio. Y, al final, el cuadro.

Aunque no sea en todo momento, la película, con la autoría de fotografía de Eduardo Serra, refleja, sobre todo en las escenas de la segunda parte, el mundo pictórico de los interiores de Vermeer con su extraña luz que parece robada del exterior. También el color parece tener una importancia esencial: el azul, por ejemplo, que Griet elabora junto a Vermeer es un color que como pigmento utilizaba el carísimo lapislázuli machacado que el pintor nunca regateó y que empleó en el cuadro que da nombre a la película.

N es balde este cuadro pintado por Vermeer es definitorio: un rostro con una sonrisa y una mirada ambiguas sobre un fondo negro. Nuevamente la película nos hace un guiño refiriéndose a la cámara oscura utilizada por Vermeer.

Scarlett Johannson muestra no solamente un parecido suficiente a la joven del cuadro, sino un rostro que refleja todo un mundo que resume la sociedad de aquel momento histórico.

La música de Alexandre Desplat es espléndida. En escasas ocasiones uno se queda colgado de las interminables relaciones de nombres con que ahora se coronan la películas, En esta ocasión, la calidad de la música lo logra. El vestuario igualmente bueno.

En suma, un película con la que se disfruta.

RARRA

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El cine cuenta siempre una historia. Una película es siempre una narración. Cuando no es así deviene documental o ensayo. El Gran Flamarion cuenta una historia muy simple y muy lineal, con un argumento casi esquemático y escasos personajes.
Es una pelicula de la serie B que revela la dignidad que esta serie puede tener y que obliga a estar por encima de valoraciones basadas en presupuestos y reconocer la importancia que en la calidad de una pelicula puede tener la ambición de quienes la construyen.
Pero aunque sea serie B, El Gran Flamarion cuenta con excelentes actores encabezados por Eric von Stroheim y con una dirección de Anthony Mann. En muchos de sus momentos recuerda lo más clásico del expresionismo alemán, no siendo de extrañar teniendo en cuenta la participación de personas procedentes del área germánica.
Los espejos y las sombras, por ejemplo, tienen una presencia constante en esta película de por sí sombría.
Es de destacar tambien el cuidado de los planos y los enfoques, cada dìa más desatendido. Y el toque de suspense que en muchos momentos se ofrece. Y la música de Alexander Lazlo, nada despreciable. Y la idea original de Vicki Baum, autora hoy tan olvidada, que nos hace volver a la idea de la relacion entre el cine y la narración.
El Gran Flamarion es un drama. El drama, aunque pueda narrarse en la novela, tiene siempre su entorno original en el teatro. Y el cine no es sino teatro liberado de la servidumbre del espacio y el tiempo.
En definitiva, una clase de B con una dignidad que sería deseable encontrar en la clase A con más frecuencia. Recordando siempre que estamos ante una pelicula de 1945.

RARRA

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No deja de ser curioso que la mayor parte del criticas a la película de Tykwer “El perfume” se centren en si refleja correcta o incorrectamente la novela de Süskind. O sea que lo que preocupa es la “fidelidad” de la película y ahí se dividen las críticas entre quienes opinan que es demasiado fiel y que es insuficientemente fiel.

De entrada, la adaptación de una obra literaria al cine ha sido siempre algo complicado. Dejando a un lado las obras que son puramente una sucesión de hechos –el clásico novelón de amores o de aventuras- esa trascripción ha sido siempre una cosa complicada y problemática. Podría afirmarse que si no se traiciona algo a la obra literaria, se traiciona a lo que es cine.

Esto es lo que sucede a la película de Tykwer. La obra de Süskind es a la vez sofisticada y abierta. Objetivamente contemplada parece que no es sino la narración de un proceso mental patológico de una persona. Un proceso bipolar en donde los olores constituyen el objeto de un curioso fetichismo.

Süskind no se recata en meterse en la mente de Grenouille y la novela acaba sumergida en el caos mental de éste. Irrealidad, mas que surrealismo. Todo ello conduce a un climax literario sumamente atrayente, pero difícilmente incorporable a lo que es una película. De ahí la necesidad de apuntalar con voz en off lo que las imágenes no pueden explicar por sí mismas.

Si se deja a un lado este aspecto inevitablemente polémico, la película se muestra como una obra muy correcta, con abundancia de medios, espléndidamente ambientada, con una fotografía y una iluminación encomiables. La música es especialmente merecedora de elogio. Las interpretaciones no merecen ninguna crítica.

La duración... ¡ay la duración!. Hace, por ejemplo, que los planos de Grenouille aspirando olores, aunque lógicos, sean excesivamente numerosos. Y, sin embargo, se advierte un deseo de contención, ya que se presta poca o nula atención a muchos pasajes de la novela ciertamente interesantes o importantes.

Por encima de todo, la película engancha, lo que demuestra que es cine. Y hubiera enganchado más si hubiera sigo un poco más cine y menos trascripción de novela.

RARRA

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Woody Allen ha malacostumbrado al “personal” con eso de la película anual. La ventaja que tiene es que se ve de alguna forma obligado a cambiar en cada una de estilo, de enfoque, de tema e idea, de todo lo que puede cambiar sin dejar a mismo tiempo de ser.

Scoop ha tenido la mala suerte de suceder a Match Point, película que una persona que no aguante a Woody Allen podía verla sin problema e, incluso, ignorando quien es el director, disfrutarla. Scoop, en ese sentido, presenta un contrapunto abrupto: la dirige y la interpreta Woody Allen, y lo hace sin el menor disimulo y con su clásico sello.

Por ello, simplemente por contraste, a Scoop se la ha encuadrado en el género menor de Woody Allen. Ello no impide, sino que determina, que deba ser considerada como una película dotada del encanto de sus películas menores que no por serlo, son inferiores a las mayores, calificadas como tales sólo por ser serias. Que tienen la ventaja de que no solamente el guionista y director suele interpretarlas sino que además deja en ellas sus frases, sus ironías, sus juicios, sus críticas.

El remedo de la barca de Caronte o el impertérrito Caronte encapuchado que la guía ya anuncian el desquiciamiento en que se va a mover la película. El mago sobrepasado por sus experimentos, la investigadora sobrepasada por sus sentimientos, el más allá irrumpiendo extemporánea e inesperadamente en el más acá, es decir, sobrepasándolo: no puede pedirse congruencia o consistencia a ciertos hechos, pero así es Woody Allen.

Da la sensación de que cada vez más, Woody Allen toma más y más de Hitchcock. Ya tenia referencias claras en Match Point, y en Scoop no las oculta. Y no solamente en ciertos aspectos del famoso suspense, sino sobre todo en el especial humor de que Alfred Hitchcock solía salpicar sus películas. Un ejemplo: la preocupación de mago por la conducción por la izquierda de la Gran Bretaña. Pero sin olvidar en ningun momento la recurrencia a cierto suspense.

Scoop, en suma, es un típico producto de la factoría Allen: perfección técnica, humor y entretenimiento.

RARRA

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