Críticas de: RARRA - FilmAffinity

Ya puedes mandar mensajes a cualquier usuario de FilmAffinity

¿Hablamos de abusos de algunas empresas farmacéuticas? ¿O hablamos de la explotación que hacen las productoras y directores de su denuncia? Se está ante una película para “buenísmos”. Qué buenos somos unos y qué malos son los otros.

Se dice que es una buena historia de amor. Bien: entre la protagonista y el protagonista prácticamente sólo aparecen colchonazos. Ni una sola relación más allá de la cama. El no sabe nada de lo que hace o investiga ella, ni se interesa por ello: ella va a lo suyo y le deja a él jardinear; no le comunica nada, no confía en él. ¿Quién es Arnold Bluhm? La escena entrecortada en que ella le impone a él el casamiento es todo menos amor.

Más allá de esa ausencia de una relación amorosa real, la película pretende ser un thriller, pero lo intenta de una manera tosca. No hay espacio para la intriga, ni para el susto, ni para la espera, ni para el guiño, ni para el engaño.

Los malos –prácticamente todos- personajes irreales, y como de cartón-piedra como los protagonistas. Hay que recordar que en las malas películas, los malos son tontos. Y aquí lo son a conciencia. Dejan rastros, hablan, confiesan, denuncian. O son sea: son tontísimos.

La película aburre. Nada es sólido. Los movimientos de cámara no aportan nada sino un afán de parecer progre. "modelno". La inclusión de escenas introspectivas, como en el reencuentro de Chelsea, innecesaria e incoherente con el entorno de la película. Los flasbacks, hartantes, reiterativos e innecesarios.

Ralph Finnes, la misma cara siempre, representando a un diplomático estólido. La verdad: cuando el jardinero reconoce el cadáver pone la misma cara que ponen en otras películas los culpables. Solo faltaba que le nominaran para el Oscar.

Raquel Weisz, algo así como un Oscar ganado en una barraca de feria. O un premio al embarazo. Una interpretación digna pero magnificada.

O Meirelles demuestra que es un director de verdad que no se refugia en mensajes demagógicos o un tercer refrito le hundirá. O sabe dejar la cámara más quieta o desaparecerá. O limita el flashback a sus justos términos o cansará. Su paso del tren por la zona urbana ¿Habrá visto la escena similar de Shanghai Express? Del 32 e increíblemente mejor.

Lo más destacable: Kenya desde el aire. Pero no hay que alarmarse: eso lo pone Kenya. Pobre Kenya: habrá ganado bien poco, y sí perdido con esta película. Ya se sabe: malos, los keniatas, los políticos, los farmacéuticos, el Reino Unido, el capitalismo, Europa, las Naciones Unidas... Buenos: ustedes los espectadores. Aplaudan, por favor. Es el sistema y la regla.

El cine cuenta siempre una historia. Una película es siempre una narración. Cuando no es así deviene documental o ensayo. El Gran Flamarion cuenta una historia muy simple y muy lineal, con un argumento casi esquemático y escasos personajes.
Es una pelicula de la serie B que revela la dignidad que esta serie puede tener y que obliga a estar por encima de valoraciones basadas en presupuestos y reconocer la importancia que en la calidad de una pelicula puede tener la ambición de quienes la construyen.
Pero aunque sea serie B, El Gran Flamarion cuenta con excelentes actores encabezados por Eric von Stroheim y con una dirección de Anthony Mann. En muchos de sus momentos recuerda lo más clásico del expresionismo alemán, no siendo de extrañar teniendo en cuenta la participación de personas procedentes del área germánica.
Los espejos y las sombras, por ejemplo, tienen una presencia constante en esta película de por sí sombría.
Es de destacar tambien el cuidado de los planos y los enfoques, cada dìa más desatendido. Y el toque de suspense que en muchos momentos se ofrece. Y la música de Alexander Lazlo, nada despreciable. Y la idea original de Vicki Baum, autora hoy tan olvidada, que nos hace volver a la idea de la relacion entre el cine y la narración.
El Gran Flamarion es un drama. El drama, aunque pueda narrarse en la novela, tiene siempre su entorno original en el teatro. Y el cine no es sino teatro liberado de la servidumbre del espacio y el tiempo.
En definitiva, una clase de B con una dignidad que sería deseable encontrar en la clase A con más frecuencia. Recordando siempre que estamos ante una pelicula de 1945.

Woody Allen ha malacostumbrado al “personal” con eso de la película anual. La ventaja que tiene es que se ve de alguna forma obligado a cambiar en cada una de estilo, de enfoque, de tema e idea, de todo lo que puede cambiar sin dejar a mismo tiempo de ser.

Scoop ha tenido la mala suerte de suceder a Match Point, película que una persona que no aguante a Woody Allen podía verla sin problema e, incluso, ignorando quien es el director, disfrutarla. Scoop, en ese sentido, presenta un contrapunto abrupto: la dirige y la interpreta Woody Allen, y lo hace sin el menor disimulo y con su clásico sello.

Por ello, simplemente por contraste, a Scoop se la ha encuadrado en el género menor de Woody Allen. Ello no impide, sino que determina, que deba ser considerada como una película dotada del encanto de sus películas menores que no por serlo, son inferiores a las mayores, calificadas como tales sólo por ser serias. Que tienen la ventaja de que no solamente el guionista y director suele interpretarlas sino que además deja en ellas sus frases, sus ironías, sus juicios, sus críticas.

El remedo de la barca de Caronte o el impertérrito Caronte encapuchado que la guía ya anuncian el desquiciamiento en que se va a mover la película. El mago sobrepasado por sus experimentos, la investigadora sobrepasada por sus sentimientos, el más allá irrumpiendo extemporánea e inesperadamente en el más acá, es decir, sobrepasándolo: no puede pedirse congruencia o consistencia a ciertos hechos, pero así es Woody Allen.

Da la sensación de que cada vez más, Woody Allen toma más y más de Hitchcock. Ya tenia referencias claras en Match Point, y en Scoop no las oculta. Y no solamente en ciertos aspectos del famoso suspense, sino sobre todo en el especial humor de que Alfred Hitchcock solía salpicar sus películas. Un ejemplo: la preocupación de mago por la conducción por la izquierda de la Gran Bretaña. Pero sin olvidar en ningun momento la recurrencia a cierto suspense.

Scoop, en suma, es un típico producto de la factoría Allen: perfección técnica, humor y entretenimiento.

Parto de un base de la que no parece coindicir con la mayor parte de las críticas: no había leído el libro, ni conocía su argumento, más allá de las polémicas originadas. De entrada, la película ni siquiera merece polémica alguna, ni defensores, ni ofendidos.
Y así, sin haber leído previamente el libro, la película es un bodrio. Aunque creo que el haber leido previamente el libro no conduciría a otra conclusión.
Los cinco personajes sobre los que se monta toda la obra no tienen sentido y ello se traduce en una pésima interpretación de la mayor parte de los actores. Jean Reno, especialmente, da pena en su intento de representar un personaje absurdo y sin sentido.
Ron Howard echa mano de unas sucesiones rápidas de tomas que carecen del efecto que lógicamente pretendía de agilización de un guión muy débil. Hay un abuso cansino de una iluminación efectista.
En suma, la película tiende a generar una sensación claustrofóbica al no salir de un grupito de personajes y de unos escenarios repetitivos. Aunque tambien hay momentos en que surge la risa, como cuando aparece por tercera vez la misma fila de coches de policía o cuando se menciona la serie de Fibonacci, pero se dice que está en desorden.

Normalmente un director hace peliculas buenas y peliculas malas. Woody Allen no se escapa de esa regla, pero la principal diferencia en sus películas es la que separa aquellas en que es actor –con un guión construido para él- y aquellas otras donde no lo es, donde únicamente deja caer de cuando en cuando huellas de su forma de actuar.
Match Point pertenece a la segunda clase, pero, adicionalmente Woody Allen no deja ningún rastro que recuerde ni su forma de actuar, ni siquiera su particular y ácida visión de la vida.

¿Qué queda de Woody Allen en Match Point más allá de la indicación de que es el guionista y director de la película?. Prácticamente nada, salvo su extraordinaria forma de concebir una película, su cuidado por los detalles, su preocupación por el entorno, su saber hacer. Así Match Point resulta ser una película de Woody Allen desde el punto de vista formal (que es lo más importante en el cine) pero realizada con un guión que, dirigida por otra persona, no sería identificable con el estilo de Woody Allen.

Formalmente tiene la maestría de Woody Allen: el ritmo sobre cualquier otro aspecto igualmente notable como la fotografía o los escenarios. Pero materialmente no deja de ser un thriller que, dirigido por otro, tendría también su gancho, aunque no su perfección formal.

Y como es un thriller, no puede escapar de ello. Trata (¿o no?) de acercarse al drama, pero no lo consigue porque lo impide el marco de personajes que se amontonan en el guión sin aportar nada más que una referencia a un nivel de vida y una forma de comportarse. Personajes demasiado planos que perjudican la película. En Poderosa Afrodita –perteneciente al orden menor de Woody Allen- unos rudimentarios coros sobreponían un tono de tragedia a una clara comedia. Aquí no hay nada de eso. Únicamente una cita de Sófocles que encaja penosamente en la película.

¿Entretenida? Totalmente. ¿Bien hecha? Desde luego. ¿Buen cine? Sin duda. Woody Allen suele garantizarlo normalmente. Pero el hecho de que se trate de un tema serio no justifica la sobrevaloración de la obra. Hay obras de su “género menor” que la superan con claridad.

Woody Allen sigue siendo bastante más que Match Point.