Si hay algo que caracteriza (temáticamente hablando) la ya amplia y excelente filmografía de Francis Ford Coppola es su extremado interés, casi obsesión por los temas de familia. Desde su debut con “Dementia 13” donde por primera vez aparece la relación entre hermanos en un escenario hitchcockiano, las referencias a la problemática familiar han sido constantes y numerosas: "El valle del arco iris", "Llueve sobre mi corazón", "Rebeldes", "La ley de la calle", "Jardines de piedra", "Tucker, un hombre y su sueño", "Vida sin Zoe", "Jack", y como no, "Los padrinos".

Todas ellas son películas que tienen algo del Coppola que ansía conocer su mundo interior. Descifrar sus conflictos más escondidos. Todas mantienen en mayor medida una relación muy personal con su vida y con sus miedos interiores, y que le ha llevado hasta “Tetro”, continuando una identificable línea marcada con la anterior “Youth without youth”, manteniéndole inmerso en un mundo particular, casi secreto y con extensas connotaciones singulares.

“Tetro” comienza siendo una más que interesante historia que promete trasladarnos al cine con mayúsculas y que se evapora tan rápido que apenas deja rastro cuando finaliza. Unos poderosos primeros diez minutos dan paso lentamente a una narración carente de fuerza, con pocos argumentos dramáticos y con la sensación de que lo que se cuenta no interesa demasiado, llegando incluso en ocasiones a una suerte de folletín que puede llegar a resultar somnoliento. Ni la historia consigue sostenerse en ningún momento, ni los personajes tienen la fuerza necesaria para ser por ellos mismos un torrente sentimental, a pesar de estar ante un excelente papel de Maribel Verdú y un correcto Vicent Gallo. El papel reservado para Carmen Maura como crítica de teatro puede explicar muy bien hasta qué punto lo que comienza como un serio proyecto personal se va transformando en una sucesión de historias huecas y ciertos pasajes que rozan el esperpento.

Aún así, e intentando borrar de nuestras cabezas, escenas finales que se acercan a la ridiculez, y que no son dignas del extraordinario Coppola, la película nos deja dos o tres magistrales escenas que nos recuperan al cineasta con recursos. Hay miradas que disparan directamente al alma del espectador, y un toque independiente que en ocasiones resulta creíble aunque a veces vaya perdiendo fuelle. La relación entre hermanos está presentada con torpeza, pero en cambio ciertas metáforas, así como pasajes donde se combina música, danza y recuerdos imborrables hacen que haya merecido la pena sentarse a descubrir esta nueva obra de uno de los cineastas más importantes.

Una historia que aborda los sentimientos humanos sin miramientos y suplicando frases como la que aparece nada más comenzar la película en un muro de una calle cualquiera en un humilde barrio argentino: “No sueltes la soga que me ata a tu alma”.

Muy lejos del mejor Coppola, pero lejos también de un cine mediocre donde pretenderán colocarle algunos.

Sergio Roma

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Teniendo en cuenta lo que en nuestros tiempos representa, el misterio que gira en torno a ella, y el aura de fascinación y mito que la rodea, resulta difícil de creer que ningún cineasta se haya acercado a este personaje con anterioridad. Amenábar quedó prendado desde un primer momento, a pesar de su encuentro casual con ella, y a su vez la observó como un pretexto perfecto para abordar otra serie de temas asociados tanto a la cultura de la época como a ciertos valores que permanecen inmutables aún en nuestra sociedad actual. De esta manera y junto a Mateo Gil (co-guionista), consiguen elaborar un acertado paralelismo entre la irracionalidad de aquella época y la imperante aún en la nuestra en algunos países en general e incluso en algunos sectores de la sociedad de manera más particular.

Hipatia representa el prototipo perfecto de mujer libre e independiente, y sólo esto, desde un punto de vista social, hace que el acercamiento a su persona, vida y también obra resulte tremendamente atractivo a la vez que estimulante. Si para representarla se cuenta con una actriz del talento Rachel Weisz, entonces el personaje termina por ser tan cautivador que será complicado olvidarlo facilmente. Weisz aporta la belleza, el misterio y el magnetismo necesario para hacer de Hipatia una auténtica personalidad de la época, pero además consigue alejarla de ese aura mitológico que hubiese resultado incómodo para el devenir de su historia y busca en todo momento el lado más humano y sincero. Todo un compendio de valores escenificados a través de sus palabras, sus actos y su manera de entender el mundo siempre desde un prisma de respeto general. La ambición puesta al servicio de la armoniosa sensibilidad femenina.

La causa y manera en que la Biblioteca se destruye le servirá a Amenábar para afrontar otro controvertido tema histórico: la lucha de religiones como enfoque general, y la intolerancia que subyace de ellas. Las religiones mostradas como fuerte barrera cultural a lo largo de los siglos, y causa directa de conflictos, y luchas sin cuartel. En este caso es el cristianismo el que sale peor parado. Una religión que ya era la oficial del Imperio y que aspiraba a terminar con el paganismo por la fuerza y a base de mentiras, manipulaciones y dardos venenosos. Amenábar se decanta por mostrar el lado más oscuro del cristianismo de la época: intolerante con las demás religiones, hasta el punto de escenificarlos como auténticas cucarachas que se mueven al son de la supervivencia religiosa más desaforada. Un particular (y probablemente real) punto de vista que sin duda resulta controvertido, y que conforma el toque provocador que el joven director aporta de manera muy personal como ya hiciera en “Mar adentro” y su posicionamiento en torno a la eutanasia. Sedicioso, valiente, pero sobre todo sincero como ha caracterizado siempre a su filmografía.

(Sigue sin spoiler)

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La historia tiene tantos matices, y están tan bien elaborados que es inevitable que mantenga el interés más o menos regular en toda la película. La música, (de Dario Marianelli) aunque extensa y excelsa en ocasiones, acompaña perfectamente cada uno de los momentos y planos trascendentes y aporta el aura épico necesario para intentar crear el marco incomparable que no siempre consigue. Es también destacable y de manera notable la escenificación majestuosa de la ciudad de Alejandría, sus calles, sus gentes, su mítico Faro, y en especial la mencionada Biblioteca como símbolo de la cultura y el saber que con tanto celo custodiaban. Un fascinante viaje al pasado desde una distancia adecuada, a través de bellas e impactantes imágenes, y como si de la observancia de un documental se tratara, donde los personajes de la época cobran vida para mostrarnos sus inquietudes, pensamientos y manera de ver un mundo donde abundaban cuestiones trascendentes y controversias culturales. Amenábar abre una pequeña ventana para que el espectador se asome a contemplar la apasionante vida de por entonces la ciudad más cosmopolita del planeta.

Se queda a las puertas en cambio de la gran película de época que muchos esperábamos, al no conseguir ese tinte épico y esplendoroso que la superproducción obligaba. Hay ligeros altibajos que impiden que aquella intensidad inicial se mantenga a lo largo de las dos horas de cinta histórica. Pero sobre todo, en esta ocasión, Amenábar no logra tocar la fibra sensible (como sí hiciera de manera magistral en “Mar adentro”) del espectador con rotundidad, a pesar de que navega con viento a favor. El grado de conmoción nunca supera al de la impotencia inicial que se siente ante la pérdida de la famosa Biblioteca, y la excitación por el triste final de Hipatia nunca sobresale de lo meramente puntual y ordinariamente esperable.

No obstante, estamos ante una gran película, con sello de autor, que nos devuelve a Hipatia, Alejandría y la época romana con elegancia, brillantez y un alto grado de madurez narrativa y visual.


sergio_roma00@yahoo.es

Sergio Roma

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Difícil y ambicioso proyecto el que decidió emprender el director Steve Jacobs, tratándose de una de las mejores novelas del siglo XX, premio Booker 1999, del escritor sudafricano J.M. Coetzee, con unas connotaciones políticas, sociales y también literarias muy particulares.

Toda la historia transcurre con el telón de fondo de una Sudáfrica post Apartheid pero con unas secuelas muy significativas en la moral y el estilo de vida de sus habitantes.
La vida del profesor David Lune cambiará para siempre cuando se vea inmerso en un asunto de abuso sexual en su Universidad y con diversos problemas de convivencia cuando decida apartarse a vivir con su hija en una granja apartada.

Personaje complejo donde los haya, muy al estilo de algunos papeles que ya emprendiese con anterioridad John Malkovich, por lo que se intuye su fácil adaptación al mismo, lo cual se ve reflejado en el resultado final. Conecta aunque en ocasiones parezca distante; expresa suficientemente aunque resulte ciertamente desequilibrante.

Steve Jacobs se ha decidido por una adaptación lo más fiel posible a la novela. Lo que en otros casos podría ser algo destacable e incluso plausible, en esta ocasión se encuentra con una importante barrera. El hecho de ser fiel a dicha novela configura demasiados enigmas, momentos de alguna confusión y principalmente un tiempo narrativo que en otras historias se antoja aconsejable, pero en esta termina por exprimir demasiados momentos monótonos y sin profundidad.

“Desgracia” es una novela magnífica, que revela un submundo moral y social que permanece aún desconocido en buena parte de Occidente. Steve Jacobs absorbe toda esa esencia y lo adapta a una sutil manera de rodar, donde son los personajes los que conformarán los matices, y donde la cámara se limitará a observar en la distancia, creándose momentos de reflexión y preguntas sin respuestas.

La convivencia en una Sudáfrica post Apartheid servirá de excusa para conformar toda una estupenda metáfora sobre la moral humana en momentos límites, y especialmente la barbaridad asomando a la puerta de un hogar cargado de desidia y sueños arruinados. Es un verdadero toque de atención sobre lo que existe y no se quiere observar, sobre lo que todavía permanece y cuesta ver desaparecer.

Aunque la historia es realmente buena, debido al talento del escritor Coetzee, la adaptación se quedan en un vano intento por mostrar el mismo resultado literario. La primera historia se sostiene con pinzas, donde no está bien explicado el abuso de poder, y no se obtiene la garantía de credibilidad necesaria para comprender las connotaciones en toda su profundidad. La segunda y más compleja historia deja demasiadas cuestiones sin resolver.
Luces y sombras en un cruel cuento que se va perdiendo en la distancia.


sergio_roma00@yahoo.es

Sergio Roma

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Encontrarse con una nueva película del genio neoyorkino y confirmar que se trata de lo mejor de su cine en un extraordinario momento de forma, es una auténtica gozada tanto para sus incondicionales como para los que no le siguen habitualmente. Porque el cine de Allen en este elevado tono, es cine en estado puro.

No podía haber elegido el mejor Festival de Cine del Planeta (Cannes) mejor pistoletazo de salida para un certamen cargado de nombres importantes. Y es que Allen, con “Midnight in Paris” supone todo un aperitivo de lujo cargado de matices, momentos extraordinarios y sublimes, y por supuesto divertidos.

Bajo la apariencia de comedia romántica, Woody Allen nos envuelve por completo en su particular mundo, y con la premisa de una excitante carta de amor a una de las ciudades más bellas del mundo, se encarga de transformar dicha comedia en todo un compendio de cine de alto contenido intelectual, lo que nos permite viajar por mundos de ensueño sin apenas parpadear y nos permite reir sin complejos sin apenas perder la compostura.

En “Midnight in Paris” hay de todo. Desde la nostalgia como punto de reflexión argumentativa, pasando por una estupenda sesión fotográfica y sensorial del París más conocido y también el más bohemio, sin descuidar por supuesto unos diálogos sensacionales y unas situaciones magistrales, para conformar un maravilloso lienzo impresionista que nos permite disfrutar de una sesión de cine al más puro estilo, y de unos más que agradables minutos cinematográficos en una comedia que atrapa desde un primer momento y no deja de sorprender y enganchar en cada tramo, a cuál más interesante.

Todo ello arropado por un acertado reparto, protagonizado por un nostálgico Owen Wilson y una deliciosa Marion Cotillard en sendos papeles hechos a medida, y toda una serie de secundarios en papeles sencillos pero importantes pero ejecutados con bastante acierto, incluida la popular Carla Bruni, que junto a una música cargada de matices consiguen que la obra se mantenga en un elevado y singular tono.

La magia se cierne sobre el París más bello y embriagador de la mano del cineasta que probablemente mejor y con más acierto es capaz de homenajear una ciudad. En este caso además, el homenaje se extiende al París de los años 20 (Picasso, Dalí, Hemingway., Scott Fitzgerald, Buñuel, etc conforman un particular y sorprendente marco de época) e incluso al de la “Belle Epoque” de finales de siglo XIX con Tolousse Lautrec y Gauguin como ejes principales.
Una comedia de amplio disfrute para mentes despreocupadas, pero de una particular motivación para quién además disfrute de fastuosas pinceladas literarias, artísticas e intelectuales, de la mano de un director que deslumbra en pleno siglo XXI.


sergio_roma00@yahoo.es

Sergio Roma

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Los que disfrutaran con aquella vistosa "Noche en el museo" a buen seguro que también lo harán con esta secuela, que mantiene una buena gama de efectos especiales, y un mismo sistema de comedia amable y efectiva.

Pierde el factor sorpresa, y no hay excesiva preocupación en giros de guión considerables, pero se vuelve a disfrutar de personajes importantes y singulares que van desde los jurásicos dinosaurios y monos, pasando por enfáticos faraones, la mítica Amelia Earhart (popular piloto de aviones femenina), hasta los clásicos Napoleón, Al Capone o Atila.

Lo importante es la aventura y la manera de presentarla, o así lo ha vuelto a entender Shawn Levy que vuelve a contar con un poco afortunado Ben Stiller en un dicreto papel donde brilla con mayor frescura su guapa compañera Amy Adams.

A destacar la interesante formar de ver cómo cobran vida cuadros de Hopper, Pollock o Degas, y especialmente la célebre fotografía tomada por Alfred Eisenstaedt de aquel ardiente beso durante el desfile de la victoria de los marinos en Times Square a finales de la Segunda Guerra Mundial, a ojos de espectador y sentidos de los protagonistas, en lo que es probablemente el momento más interesante de la película.

Segunda parte en la misma línea de la primera. Para bien o para mal.

Sergio Roma

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