Violencia, venganza, abusos a mujeres, delincuencia y corrupción vuelven a ser los protagonistas de “Millennium II: La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina”.
Lisbeth Salander vuelve a los cines, esta vez con más fuerza. A pesar de sus silencios, y siendo razonablemente fiel a la novela, en esta película somos testigos de cómo empiezan a desvelarse secretos del pasado de esta nueva heroína, sirviendo de preludio a la tercera película de la saga: “Millennium III: La reina en el palacio de las corrientes de aire”.
Debido al tremendo -y merecido- éxito de la primera entrega de esta trilogía, “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina” ha creado muchas espectativas. Y debo decir que, aunque es una buena película, para los que hemos leído los libros y visionado el primer film, esta segunda entrega no llega al nivel de “Los hombres que no amaban a las mujeres”.
Uno de los aspectos principales es el ritmo, y la falta de tensión o misterio en la primera parte del film. Toda la trama inicial y el “atractivo” que hay en la novela pasan inadvertidos en prácticamente la primera media hora. No es hasta el momento en el que Lisbeth empieza a investigar el por qué su rostro aparece por todas partes como presunta responsable de unos asesinatos que la película se recupera.
Han pecado de simplificación en cuanto a la adaptación. Han omitido datos que eran necesarios para una mejor comprensión del filme, y que aportaban un grado de tensión de la que carece la primera parte de la cinta: por qué ella se ha marchado de Suecia y ha estado ausente a lo largo de un año y medio; cuáles son las razones por las que ha cortado todo contacto con Mikael Blomkvist (lo cual formaría parte del primer libro), cuál es el motivo por el que decide regresar a Suecia; y un largo etcétera.
Aun así, la historia te mantiene en la butaca sin mirar el reloj en ninguna ocasión durante dos horas. Es destacable la interpretación de sus actores –principales y secundarios-, así como la correcta y fiel caracterización de sus personajes. Sin artificios que escondan a los actores bajo una tonelada de maquillaje y filtros, el film sigue respirando y transmitiendo naturalidad y credibilidad, aun cuando nuestra Salander se convierte en una especie de Tomb Raider hacia el final de la película, que es lo menos creíble del film (y de la novela).
Millennium II es una confirmación sobre quién es en realidad el personaje protagonista de toda esta trama: Lisbeth Salander. Es ella quien da consistencia tanto a las películas como a los libros, sin su historia no habría nada. Su vida, como se muestra en esta entrega, contiene todo aquello que Larsson denuncia de su país: extrema violencia, corrupción en la propia policía secreta sueca, obviar a sectores de la sociedad esclavizados a una vida de violaciones continuas porque son de un sustrato social tan bajo que no importan a los gobiernos, manipulación de los medios de comunciación.

Jess_bcn1983

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¿Cuántos de nosotros somos capaces de desnudarnos en todos los sentidos, sin esconder nada por miedo al rechazo, ante un desconocido? Éste es un filme en el que la gordura, ese gran tabú social, o quizá antisocial, dentro del cual muchas personas se ven marginadas como si formaran parte de una raza inferior, es simplemente la excusa o hilo conductor: “Gordos”.

A lo largo de sus casi dos horas de duración, Daniel Sánchez Arévalo nos presenta con valor a un grupo de personas que se somete a una terapia contra la obesidad. Todos ellos comparten un mundo lleno de contradicciones, que son sus verdaderos problemas: una inteligente ingeniera que busca en la gordura su vía de escape de una relación de la que es “adicta”; un gay cínico que se ve a sí mismo como un fraude (no es cualquier cosa un homosexual con efecto yo-yo que mata a su socio y acaba enfrascado en una relación heterosexual con una mujer); una pareja prometida, perteneciente a una comunidad religiosa, formada por “la monja virgen” y “el beato confuso”, con dilemas sobre el sexo y el pecado; el terapeuta experto, que resulta necesitar una terapia para sí mismo, que incapaz de asumir su problema y afrontarlo, destruye su relación porque es incapaz de asumir la situación transitoria de su mujer...

En cuanto al reparto, a pesar de que en su totalidad hace un trabajo creíble e increíble, personalmente creo que es especialmente destacable el papel de una Verónica Sánchez que demuestra su madurez interpretativa, y encaja perfectamente en el papel. Sin embargo, me quedo con un cautivador Antonio de la Torre, que junto a su cinismo y sus cuatro fases de “adelgazamiento con éxito”, se presenta como conductor de la historia y todas las situaciones. Resulta impresionante la transformación a la que gran parte de los actores se sometieron, ya que tuvieron que engordar varios kilos, aportando una mayor credibilidad a sus personajes. Y cabe decir que lo han conseguido con creces.

De entre todas las opiniones que haya podido escuchar en relación a “Gordos”, coincido en que la película puede pecar de un ritmo inconstante, y la sensación de que es un film formado por diferentes cortos es cierta. Pero el resultado sigue siendo impresionante. Puede que sea el modo en el que el director nos muestra, en su justa medida, humor y drama; o cómo cada personaje refleja algo de cualquier de nosotros con una interpretación que te toca la fibra, pero sinceramente, a la salida del cine tienes una mezcla de sensación agridulce que te lleva a la siguiente conclusión: todos llevamos un gordo dentro. Y es que la obesidad no es más que una metáfora de la inconformidad que tiene el ser humano por naturaleza: el que tiene poco, quiere más; el que tiene mucho, quiere mucho más; el que lo tiene todo, le gustaría ser feliz con menos, pero no puede renunciar a lo que ya tiene. Para estos personajes, su obesidad no es más que una máscara tras la cual se esconden por no querer afrontarlos.

Jess_bcn1983

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Prefiero reír por no llorar como reacción ante la adaptación del cuento 'Caperucita Roja' , y es que esta vez Hardwike ha dirigido un verdadero fiasco de film.

Tal y como reza su título ¿A quién tienes miedo?, pues yo le tengo miedo a que las próximas adaptaciones sean de 'Los tres cerditos'.

Sin emoción, carente de ritmo y acción, no atrapa, no engancha, inverosímil... Básicamente no hay por dónde cogerla. Escenas sin sentido, diálogos insulsos, pobres, que ni Gary Oldman es capaz de salvar, bailes demasiado modernos en un tipo de fiestas un tanto paganas para tener a sacerdotes entre los presentes.

Y qué decir de la banda sonora, que pega tan poco como la gomina que lleva uno de los protagonistas masculinos. Sin duda no era consciente de que en esa época existiera ese tipo de look engominado tan de moda hoy en día.

La interpretación de los actores deja bastante que desear. Y hablo de TODOS los actores.

La guinda a este pastelón la pone una escena que hizo reír a todos los asistentes, con esas famosas frases de: Abuela, qué ojos más grandes tienes... Abuela, qué orejas más grandes tienes... Abuela, qué boca más grande tienes... Y sus correspondientes respuestas, claro está.

Esperaba bastante más, y albergo dudas en si será incluso del agrado del público adolescente. Puede que lo salven los jóvenes y nada mal parecidos protagonistas (femenino y masculinos).

Jess_bcn1983

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Siguiendo con esta cada vez más habitual fiebre de la adaptación, o más bien readaptación, nos encontramos con el joven personaje Vicky, que ya saltó del papel al mundo animado en una serie de animación germano-japonesa basada en los libros de Runer Johnson.
El film describe la vida de un poblado vikingo, Flake, desde el punto de vista del pequeño Vicky, el hijo del jefe de Flake, Halvar. El joven vikingo difiere de lo que debe ser un vikingo, ya que su potencial es más intelectual que físico. Sin duda, esto representa más un problema que una virtud para Halvar. Todo se complica cuando, tras un ataque sorpresa al poblado, todos los niños excepto Vicky son secuestrados. En la misión de rescate, Vicky demostrará su valía para rescatarlos a todos de las garras de Sven “el Terrible”, el eterno enemigo de Halvar.
Si hubiera que resaltar algo de este film sería la asombrosa caracterización de todos los personajes, rozando la perfección. Par a los que hemos tenido la oportunidad de haber visto la serie de animación, los reconoces en cuestión de segundos. Desde el aspecto físico y sus típicas expresiones (Gorm y su “estoy entusiasmado”, o el famoso toque de nariz en momentos de ingenio de Vicky), hasta la misma aldea, todo está reproducido al detalle. Destacable también la adecuada duración del film, ya que en ningún momento se hace pesada.
Dotada como ya lo estaba la serie de animación de una gran dosis de imaginación, ofrece al público una hora y veinte minutos de distracción acompañada de sonrisas, en los que sin soñar ves barcos y niños volar, barcos fantasmas tripulados por demonios, y muestra el valor de la amistad, la verdad y la familia. Muy respetuosa con la serie, el filme se construye como un episodio de la misma, en la que hay un principio, un desarrollo y un final feliz, cómo no, que aunque cerrado deja la puerta abierta a posibles secuelas.
La película, dirigida a un público infantil, puede llegar a atraer a todos aquellos que como yo, disfrutaron con las aventuras del pequeño vikingo pelirrojo. Sin embargo, precisamente por este motivo se debería de haber contemplado e incorporado a la película algún guiño para el público adulto que acude a la sala con cierta nostalgia. Otro aspecto criticable serían los efectos especiales. Mientras que la caracterización y la ambientación se han reproducido a la perfección, los efectos especiales dejan mucho que desear. Quizá es debido a que cada vez la calidad de estos efectos son más reales, y que el objetivo de la película era mantener el espíritu de la serie incluso en los momentos de lucidez de Vicky, por ejemplo, representados con un fondo de estrellas.
En definitiva, una buena opción de entretenimiento para los más pequeños, y un momento para los más mayores de recordar a “un viejo amigo” de la infancia.

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Agallas nos presenta a Sebas, un pobre desgraciado sin moral alguna, que acaba de salir de la cárcel, y cuyo único objetivo en la vida es llegar a rico sin dar un palo al agua, y tener un deportivo. En su viaje obligado por unos “buenos” amigos de su tio a El Ferrol, busca, que es muy diferente de encontrar, la ocasión de entrar en un negocio del que cree que puede sacar probecho. Y es que Dios los cría y ellos se juntan, ya que Sebas dará con una red de narcotráfico controlada por el dueño de una empresa de conservas. Muy destacable el trabajo de Hugo Silva, que sabe encarnar a este caradura con mucha credibilidad, consiguiendo que olvidemos su papel más conocido (y ciertamente encasillado) de policía guapetón en la serie “Los hombres de Paco”. Transmite ese instinto de supervivencia, miedo, al macarra barriobajero, igual de bien que al simpático rufián caradura que te arranca más de una sonrisa.
En la otra cara de la moneda, aquello a lo que aspira Sebas, se encuentra el sr.Regueira, interpretado por un impecable Carmelo Gómez. Éste es el propietario de un negocio que utiliza como tapadera para el tráfico de drogas. Éste ve en Sebas a un personaje que tiene agallas para matar a una persona que lo ha ayudado, y es tan incosnciente que le planta cara a un narco, por lo que acepta a Sebas en su círculo, aunque el objetivo sea distinto al que Sebastián piensa.
En el film encontramos la parte “social”, ya que pretende mostrar el panorama del narcotráfico en las Rías Baixas y la corrupción que lo rodea (Guardia Civil, empresarios...). Sin embargo, podría haber ido más lejos y profundizar más en el tema y las tramas, en las redes que conforman ya que aparece todo demasiado simplificado. Aun así, sí nos enseña el valor de la vida en estos círculos, las relaciones establecidas, y el camino autodestructivo de quienes se adentran en estos lares.
Se podría criticar el decaimiento en intensidad del guión. Hay partes en las que se hace algo pesada, y algunos detalles o guiños son superfluos.
El giro final es curioso y sorprendente. Aunque es evidente que es un camino hacia la destrucción, nunca te imaginas que Sebas acabe de ese modo. Como espectadora, sientes lástima aun cuando éste es el más lógico. “Que me llames por mi nombre no significa que seamos amigos”, una frase del sr.Regueira (Carmelo Gómez) es lo que recuerdas en ese instante. Pero sin duda, el viaje del sr.Regueira y su botín es lo mejor del film.
En resumen, da gusto ver que cuando se ponen, nuestros directores saben hacer un cine realmente interesante, entretenido y con el que no te duele el alma (ni el bolsillo) gastar el dinero en una entrada. De hecho, el cine negro está resultando un buen género para el cine español, como ya se vio en “La caja 507” (Enrique Urbizu, 2002), o “El Crack” (José Luís Garci, 1981), entre otros títulos.

Jess_bcn1983

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