Julien Temple es un personaje clave en la fusión de la música y el cine. Sólo por ese magistral documental sobre los Sex Pistols, llamado La mugre y la furia . Siete años después de esa histórica película retoma las mismas constantes para hablarnos sobre la vida de otra leyenda surgida de esa misma epoca, el lider de The Clash , Joe Strummer .

Y Joe Strummer:vida y muerte de un cantante tiene el sello de un documental de Temple. Ritmo, rapidez y muy buena música. Todo eso se consigue mediante imágenes de archivo, declaraciones, dibujos animados o escenas de películas (por ejemplo, If...) Es difícil no dejarte llevar por esta historia y más si adoras la música, la época... el problema es que en un film tan pasional o lo disfrutas a tope o sientes que falta algo. Por eso, la última parte de la película de Temple no tiene el ritmo o la pasión que tiene el metraje anterior. Quizá sea porque esa época, la de The Clash, es tan irrepetible que sólo nos gustaría ver un documental sobre esa parte de la vida de Strummer. Al final Temple sustituye emotividad por pasión y rabia. Cosa que tampoco está nada mal, ya que deja un final emocionante para un personaje irrepetible.

Tirones de oreja:

A Julien Temple, por apenas dedicarle tiempo al album de The Clash, London Calling (no olvidemos, uno de los mejores discos de la historia de la música)

A los traductores (otra vez). El film se llama originalmente Joe Strummer: The Future Is Unwritten. Título bonito, épico y emotivo. La traducción española: Joe Strummer: vida y muerte de un cantante. ¿Había pocas ganas de trabajar?

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Es curioso que las razones por las que hay que recomendar Escondidos en Brujas, son las que hacen que el film de Martin McDonagh no sea completamente redondo.

Quizá sea algo imposible ya que la película es una completa extravagancia, para lo bueno y lo malo. La historia podía haber caído en un montón de escenas o chistes baratos sobre asesinos a suelo. Vamos, las versiones baratas y cutres de Pulp Fiction que hemos sufrido desde el estreno de la obra de Tarantino. Pero Escondidos en Brujas no es así. Principalmente porque es una película bien escrita, especialmente unos estupendos diálogos. Eso si dichos por unos actores excelentes que, quizá, sean lo mejor de la película. A destacar un Colin Farell con una estupenda vis cómica (aunque su personaje es realmente trágico) y, como no, el gran Brendan Gleeson . El actor irlandés (incomprensiblemente desaprovechado en la industria del cine) vuelve a llenar la pantalla con una gran interpretación. También destaca esa gran belleza que es Cleménce Poésy .

La película, por cierto menos cómica de lo que apuntaba su estupendo tráiler , es pura extravagancia, una rareza que evita lo obvio. Y eso se agradece, pero también es verdad que, en ciertos momentos, la película debería calmarse algo. Coger un camino, ya sea el cómico, el dramático o trágico. Esa indefinición hace que Escondidos en Brujas tenga un estilo algo irregular y no se disfrute plenamente.

Y al final la ciudad de Brujas no acaba tan mal. Nos quedamos con la sensación de ser una ciudad de cuento de hadas. Y su papel en la película es crucial, sus monumentos, sus calles, sus edificios... Aunque el personaje de Ralph Fiennes encuentra el único inconveniente de la ciudad belga cuando dice: “El único inconveniente de Brujas es que está en Bélgica”.

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The Devil and Daniel Johnston es un documental sobre el cantante del mismo nombre. Daniel Johnston es uno de los artistas más creativos y originales de Estados Unidos y también uno de los más torturados y problemáticos. Un hombre que unia su pasión por los comics, The Beatles o Casper con unos problemas mentales que le impedían tener una carrera equilibrada. A eso se le sumaba su particular estilo musical, porque una canción de Johnston es inconfundible.

Y el documental tiene el acierto de dejar que Johnston hable por si mismo...sin apenas hablar a la cámara. Generalmente las películas o documentales que hablan de personas con enfermedades mentales caen en demagogias o trampas baratas. El director Jeff Feuerzeig emite muchísimas grabaciones caseras dejando que sintamos la locura que era estar en la cabeza de Johnston. Geniales y clarificadoras son las cintas que a modo de diario grababa el artista. Espeluznantes y reales. Un documental único para un artista único.

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Dicen que Steven Soderbergh impuso en Hollywood la norma de “una película para vosotros y una para mí”. La película para vosotros es el film que el director rueda para las productoras, para Hollywood y cuyo destino es romper las taquillas. Para eso se plegan a los dictámenes de la industria. La película para mí es el film que el director rueda de manera artística y personal, y cuyo único objetivo es hacer “su película” sin mirar a la taquilla. Esta película sólo se rueda si tiene éxito y recauda lo suficiente la primera. Vamos, que hago Erin Brokovich y luego hago Traffic.

Bueno pues podriamos entender que Guillermo Del Toro hace una película para vosotros (ellos) con esta nueva historia del diablo rojo (acción, efectos especiales, una secuela...) Pero nos equivocaríamos. Hellboy II: El ejército dorado es otra cosa. Porque Del Toro es uno de los pocos directores del mundo que deja un trozo de su alma, de su ser en cada película que hace. En estos mundos de bichos y monstruos con más corazón y sentido del humor que los humanos transitan también los sentimientos e ideas del director mexicano.

Del Toro tiene otro gran mérito, logra hablaros de si mismo entreteniéndonos hasta límites insospechados. Porque las películas Hellboy son las películas que me hubiera gustado ver con catorce o quince años. Ritmo, sentido del humor (pero de verdad, nada forzado), seres de otro mundo, historias de leyenda...y encima la gran Selma Blair . Aunque la segunda parte no tiene una historia y un guión tan potente como la primera es igual de disfrutable. Del Toro y nosotros nos merecemos que cierre una trilogía. Aunque sólo sea para ver que sale de la unión entre la maravillosa belleza de Liz Sherman (te queremos Selma Blair) y el rudo físico de Hellboy (como siempre gran Ron Perlman )

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Vicky Cristina Barcelona es ligera, intrascendente, superficial y pija (imposible empatizar con tanto ricachon que pulua por ahi). Es una película que en realidad no pretende nada. Esa falta de intenciones en parte es positiva ya que la aleja de cualquier pedantería excesiva. Pero también es verdad que esa intrascendencia se transforma en sosería en más de una ocasión. La primera parte de la película transita sin hacer daño a nadie. La menos star de todas, Rebecca Hall (¡dios mío, que belleza!) se come a una despistada Johansson y a un correcto Bardem que hace lo que puede con su papel de bohemio ligón de turistas norteamericanas. Se nota que una comedia con aire mediterráneo necesita más. Ese plus lo aporta Penélope Cruz . La actriz madrileña demuestra a todo el mundo la gran actriz que es cuando tiene un papel que merece la pena y alguien que la dirija. Llega como un huracán y lo mueve todo de lugar. Sus discusiones con Bardem son lo mejor de la película. Lo que le da la vida.

Allen comete mil errores en este film. Una de las voces en off más inútiles de la historia del cine. El invisible papel de Patricia Clarkson. El papel de Johansson que no tiene ninguna garra. Lo desmotivada que parece la misma Scarlett... Y nos quedamos con la sensación de que en Vicky Cristina Barcelona había una gran película y no sólo un film “que no está mal”. Que pena que la cámara de Allen haya mirado más a Penélope, que intenta salvar la película (junto con Rebecca Hall) . Hubiera sido una comedia sexual, sensual, latina...y no sólo una comedia “a medias”

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