Este magnífico debut del novato (aunque no lo parezca) Rodrigo Cortés bien podría haber nacido de la mente retorcida de un Larry Cohen tras quedar embragado y con ganas de descargar su ira y furia irracional contra todo el sistema económico mundial (si, han oído bien, mundial). Porque “Concursante” es un film agresivo y paranoico, un viaje impagable hacia la locura netamente primaria del autor de “Última Llamada”. Es cierto que su inusitada y compleja trama financiera no termina de aclararse bien del todo, pero eso importa un pimiento, lo que aquí prima es un espectáculo de primera, una lección magistral de cine potente y edulcorado. Cortés filma a un ritmo endemoniado una película viva y voraz, un recorrido a mil por hora en el que la histeria y la adrenalina se apoderan del espectador al igual que lo hacen con un inmenso, crepuscular Leonardo Sbaraglia (cualquier elogio se le queda corto), para componer, como por arte de magia, un cuento socio-económico tan demencial como enfermizo, pero nunca maniqueo.

Cortés bebe de muchas fuentes, no lo neguemos, pero ¿y que más da?, pocas veces nos encontramos ante un espectáculo tan bien planificado y ejecutado como éste, valiente e insoportablemente tenso, en el que cada golpe de humor funciona a la perfección. La desdicha de éste pobre concursante al que un supuesto golpe de suerte le arruina la vida se erige, de forma sorprendente, como la tragedia rutinaria del hombre humilde y sin expectativas, que cómo no, se narra desde la tumba. Es cierto que durante todo el relato el efectismo eclipsa el verdadero corazón y las intenciones de los personajes, pero es que pocas películas consiguen, a partir del sufrimiento y el agobio de su máximo protagonista, transformar una paranoia colectiva en un film de terror. “Concursante” es, sin mediar palabra, una película espléndida en su forma y ciertamente endeble en su fondo, pero de una portentosa fuerza cinética capaz de narrar este villancico de hadas desdichadas (el “navideño” final nos da esa pista) desde el histerismo y la exageración, para así, casi sin parpadear, anclar al espectador en la butaca durante sus 88 minutos de duración.

Lo mejor: Que es (en el mejor de los sentidos) una bomba de relojería.
Lo peor: Los momentos de calma.

Clark

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Toda gran serie televisiva que aspire a conquistar un terreno universal debe (tiene la obligación de) ser un reflejo socio-cultural del momento. Por eso las extravagancias y divagaciones de este magistral invento de Ryan Murphy hubiesen sido impensables a principios de los noventas, pero, objeción capicúa al tanto, resuena con poderío y fuerza gravitatoria en este nuevo y tecnológico siglo XXI. “Nip/Tuck” es la máxima expresión urbano-artística a la que un producto destinado a la pequeña pantalla podría aspirar. Porque es, a un mismo tiempo, un anestésico enfrentamiento contra los fantasmas que asolan la sociedad críptica actual, un monumento de cúspide contra las entrañas del sueño americano y, a la par, un terrible reflejo arbitrario sobre las falsas apariencias. Todo ello hinchado como si de un vodevil telenovelico colombiano se tratara.

Y es que las vidas de estos dos cirujanos plásticos es, con un Miami cosmopolita como telón de fondo, el perfecto reverso (o relevo) de un agnóstico “Sensación de vivir”. Porque imaginando malabarmente como hubiesen sido las progresivas aceleronas testosterónicas de los adolescentes protagonistas de la creación de Darren Star, estos Sean McNamara y Christian Troy son perfectas, sino similares, extrapolaciones de aquellos jóvenes ricachones que paseaban sus esculturales físicos y sus imponentes cochazos por un Beverly Hills de ensueño. Dando como resultado una fragilidad tan gélida como trágica, ya que Ryan Murphy, a diferencia de Star, se esmera porque toda esa podredumbre “pijolesca” termine por rendir cuentas a quienes no se esfuerzan por madurar (clave oculta de toda el conjunto).

Como si de una implantación de pechos siliconescos se tratara, “Nip/Tuck” deslumbra por su implacable veracidad, por su extensión filosófica, por acotar sobre un mismo plano el hermetismo redentor de sus criaturas, y en un plano paralelo, por saber reciclar viejas formulas, por ofrecer un espectáculo cuidado y elegante, contrapunto a favor de la degradación protagónica de sus máximos interpretes (soberbios e imponentes Walsh y McMahon).
Puede que sin quererlo Murphy haya creado no solo un entretenimiento mayúsculo, sino un espejo redimidor de pecados, un juguete en forma de teleserie que alecciona y juzga, un magnifico y colorista híbrido tan hortera como catalizador.
“Nip/Tuck” no solo es el espectáculo televisivo que jamás podríamos haber siquiera esperado, sino el que deseábamos en nuestro más profundos sueños; es uno de esos milagros que solo ocurren de vez en cuando.

Lo mejor: Su atrevimiento.
Lo peor: Quien no sepa entrar en su perverso y malicioso juego.

Clark

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Hay una secuencia magistral en esta película (hay más de una, por supuesto, pero esta se lleva la palma), es justo al principio del film, cuando vemos a Pilar (Laia Marull) huyendo de su casa y de su marido Antonio (Luis Tosar), junto con su hijo. Ambos van a casa de la hermana del personaje de Marull, y cuando ésta les abre la puerta, Pilar se echa a llorar. La hermana le pregunta que qué es lo que pasa, y Pilar le responde: “Que me he venido en zapatillas”.
Esta formal sencilla, lúbrica y magistral de abrir un film comprometido que aborda el tema de los malos tratos, de la violencia domestica, nos viene a decir que la desdicha de esta pobre mujer (voz cinematográfica de miles de victimas que son vergonzosamente vapuleadas y humilladas día a día, en un tema que toca fuerte a España), no es, ni por asomo, una demagogia acertada.

Y es que la excelente tercera película de Iciar Bollain juega constantemente con dos palabras claves dentro de la historia que narra: “Amor” y “Miedo”. Géneros tan dispares, pero a la par sinónimos entre si. Es Pilar una madre joven, con toda la vida por delante, pero a la que se le arrebata la inocencia y cierta sensibilidad; y eso es llevado a acabo por un monstruo de carne y hueso (inmenso y soberbio Tosar)), a quien nosotros, como “espectadores/jueces” debemos condenar, pero a la vez lamentar y sentir cierta pena, tratar de comprender lo incomprensible (las escenas de las terapias con los maltratadotes).

Película, pues, de visión obligada, por dos razones: 1) Es un tema de actualidad que nos concierne a todos (no debemos cerrar los ojos ante semejantes barbaries). Y 2) es una obra primorosamente construida y ejecutada, matemáticamente escrita y dirigida, y soberbiamente interpretada.
Un film duro, sincero, por momento tremendamente desagradable, pero nunca falso.

Lo mejor: Luis Tosar.
Lo peor: La lectura de labios.

Clark

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Después de la estupenda “Alien 3”, fue la grandiosa “Seven” la que confirmó el talento de un joven cineasta que por aquellos labres respondía al nombre de David Fincher. Tras la que hoy en día sigue siendo, y lo será siempre, su obra más recordada, Fincher nos ha sometido a divergentes hordas de ilícito material decorativo, nos a mostrado como funciona su cabeza, nos ha abierto puertas de dimensiones inimaginables, nos a regalado perlas de la visualidad actual, y es que hoy en día pocos son los cineastas que alcancen tales cotas de futurismo fílmico como el director de “The Game”, tal vez, el autor más post-modernista, a día de hoy, en el mundo entero.

Esta su última gran incursión en la gran pantalla, es, sin lugar a dudas, la más beneplácita de sus obras, un ejercicio de claustrofobia anclada entre las paredes de una agónica, desinhibida y ardientemente viva mansión en pleno Nueva York.
La catarsis fílmica que aquí respalda la siempre contundente cámara de Fincher, es la de saciar de angustia del espectador, de hacerle sentir como un personaje de excepción dentro de este maléfico juego, bastante más perverso que el que asolaba la carroñera vida del personaje de Michael Douglas en la ya citada película de Fincher.

Subiendo escaleras, bajando ascensores, los tenebres ladrones que acecharan y malsanarán la tranquila existencia de una mujer y su hija, no son, ni más ni menos, que el resultado de unas partículas, de un miedo exterior que perfectamente podría ser tan etéreo como físico. De lo que se trata aquí, al igual que en el cine del genial John Carpenter, es de hacer caso omiso a los opresores, de temer el ataque del exterior, de defenderse, de unirse a la guerra cuando está claro que de otro modo nunca lograrás una victoria.

Fincher se apunta otro tanto en su ya brillante carrera, la de un tipo más obsesionado con lo efímero del ambiente, con la atmósfera del mundo que nos rodea, que con el peligro en si, y es que así es la única forma de conocer a unos personajes asustados, aterrados, frenéticos. Y con “La habitación del pánico” Fincher no solo logra la equiparación con el maestro Hitchcock, sino que realiza su mejor película en mucho, mucho tiempo; desde que John Dante terminara su gran obra maestra de pecados capitales.

Lo mejor: Reencontrarnos con un Fincher libre, en estado de gracia.
Lo peor: Esa escena en Central Park post-clímax final.

Clark

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Acostumbrados ya a las andanzas de George “Ocean” Clooney y su banda de ladronzuelos picarescos y simpáticos, y a grandes robos en lujosos casinos, puede resultar ciertamente mínimo estrenar una película sobre carteristas recién salidos de la adolescencia. Y la verdad, después de ver los resultados de ambos bandos, un servidor es incapaz de no sentirse irresistiblemente más atraído y fascinado por ese minimalista, seudo-mudo romance entre dos cómplices, ladrones entregados a una causa mitificadota. Este flamante y siempre obsesivo primer largo de Jaime Marqués esculpe con apabullante certeza un relato sobrio y tenebroso, a medio camino entre la tragedia “Shakesperiana” y el romance con tintes épicos. Todo ello narrado con tremenda vigorosidad y un sofocante, casi pesadillesco empleo del ralentizado, que no hace más que sumar capas de sentido a una película medida hasta la extenuación, con diálogos pulidos hasta la hipérbole y planos que poco tienen de improvisación.

“Ladrones”, que junto con la enorme “Bosque de Sombras”, de Koldo Serra, y “Concursante”, de Rodrigo Cortés, supone el mejor debut patrio en lo que va de año, puede jactarse de poseer un halo onírico que envuelve todo el conjunto en una espiral de incertidumbre y desasosiego para narrar, en el fondo, una preciosista y especifica historia de amor que, sin embargo, ya desde sus primeros minutos (con esa implacable secuencia inicial en el metro de Bilbao) parece destinada al abismo. La química entre sus dos impecables protagonistas es absoluta, con una mención especial, pese a los matices del personaje de Ballesta, para una sensacional, tremendamente veraz Maria Valverde, posiblemente en su primera creación de verdadera altura. La interprete de “Melissa P.” llena de frescura y buen hacer un personaje que se le antoja visceral.

Lo mejor: La incuestionable seguridad con la que Marqués aborda una puesta en escena barroca y extrema.
Lo peor: Un final (el de Ballesta en el metro) que huele a “Collateral”.

Clark

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