Esto no es una película. Es un roce, una caricia, una mirada, una mano acariciando un rostro, una sonrisa casual a un desconocido en un ascensor, una ventana en un solitario hotel de Tokio, un árbol con mensajes de esperanza, sueños y deseos. Un amor que nunca existió, un amor tedioso, una rutina calmada, un brillo en medio del solitario mar, una persona esperando permanentemente, una joven inmensamente perdida, un hombre enormemente solo en una vida tediosa y trivial. La obra maestra de Sofia Coppola va más allá de lo simple. Plasma en imágenes lo intangible, lo inexpresable, lo que todo el mundo siente pero pocos saben expresar. Una cabeza apoyada en un hombro una madrugada cualquiera en una ciudad lejos de todo. Una complicidad subterránea que se va forjando de manera invisible, un amor de los que no se olvidan. Unas frases de Karaoke que esconden un esplendoroso mensaje de amor, dos personas corriendo de noche por la ciudad, fuegos artificiales en una discoteca, pistolas lasers en medio de un callejón, recreativas que encierran un mundo noctámbulo. Y en su momento más hermoso, es un encuentro fortuito, una lágrima cayendo por una mejilla, un abrazo apasionado, unas palabras susurradas al oído, una sonrisa, una despedida, unas miradas desgarradoras, unas vidas encontradas. Difícil se me hace comentar fríamente algo que a nivel personal me marcó profundamente. Probablemente la película que más haya influenciado en mi persona, en mi manera de ser, en mis gustos e incluso en mi forma de pensar. Como a cualquier persona para la que el cine haya significado algo y con el que haya experimentado alguna sensación inolvidable, a mi esta obra maestra se me quedó grabada a fuego en la mente. Se convirtió de manera inevitable en “la película de mi vida”. Jamas me borraré de la mente ese final, esa bella Scarlett apoyada en una ventana en una solitaria habitación de hotel, o paseando por los enormes parques de Tokio, correteando por los callejones nocturnos de la ciudad, o cruzando una enorme acera con un paraguas transparente. Ese Bill Murray irónico, gracioso, confuso, cantando en el karaoke, o intentando elegir la mejor moqueta, con su wiskhy en la mano y su sonrisa madura. Jamás se borrará de mi memoria esa canción final, ese susurro, ese "adios" tembloroso, esa mirada desconsolada y esas imágenes: un coche alejándose, una carretera por delante, la vida y el “just like honey…” sonando… mientras las imágenes se funden en negro y aparece en pantalla la causante de toda esta maravilla: Sofia Coppola. Probablemente mi vida hubiera sido totalmente diferente sin esta película, le debo lo que soy, y todo lo que amo y esto es algo que no me avergüenzo en absoluto de proclamar, por más burlas que me lleguen. Amo esta película, y punto.

Amelie... Amelie... Amelie... ¿Cuantos adjetivos podríamos utilizar para describir a Amelie? Los inventados por el hombre no serían suficientes.
Una de las personas más bellas que jamas haya conocido, y sin embargo... ficticia. ¿No debería todo el mundo ser como Amelie? ¿No sería lo lógico que la sinceridad, la honestidad y la inocencia fueran la moneda de cambio del mundo? ¿y que la mezquindad, la hipocresía y el cinismo, no fueran más que meras leyendas lejanas?... Ojalá pudieramos decir semejantes maravillas. Ojalá pudieramos todos ser como Amelie... Sería bonito ¿no?...
a pesar de todo tanta ensoñación me perturba, y es que no es facil no soñar despierto cuando uno rememora esas tiernas y hermosas sensaciones que nos otorga la película más sincera y humana que un servidor en estado catatónico haya presenciado. Audrey Poulain, Amelie Tautou, difícil diferenciarlas, difícil separar el personaje de la actriz cuando el primero posee tanta fuerza y se fusiona tan perfectamente con la segunda que pareciera que estamos ante una simbiosis milagrosa de realidad y ficción imposible de separar.
Jean Pierre Jeunet, ese ser que fue tocado por la gracia divina para crear una de las maravillas del siglo XXI, llegó, vió y venció, creó a un ser humano inocente y puro y sin embargo irreal para recordarnos a todos lo escasos que estamos en semejantes materias; dejando su película como una especie de testamento eterno que deja claro al ser humano que hasta que no cambiemos un poco, tales bondades solo podrán existir en la milagrosa magia del celuloide.
Ni Yan Tiersenn con su magnífica y evocadora música, ni la propia Audrey con su increíble simbiosis para con su personaje, ni el propio y magnífico creador de cuentos Jean Pierre podían imaginar el enorme impacto que su película iba a causar en muchos corazones humanos. Poco se podían imaginar ellos que "El fabuloso destino de Amelie Poulain" acabaría siendo el destino que mucha gente desearía en su vida, el destino de la gran mayoría de seres. Su destino debería ser el de todos nosotros... porque quien no adore a la Srta Poulain, quien no añore permanecer a su lado de por vida, quien no sienta su corazón palpitar rapidamente al observarla vivir, sencillamente no es humano, su frío corazón le habrá helado los sentimientos. Mientras él se amargará con las penurias del mundo, nosotros disfrutaremos con las ensoñaciones de Amelie... Una mujer que te cambiará la vida... y muy en serio.
Qué más se puede decir... nunca he sido muy proclive a escribir críticas cortas pero hay veces que la belleza del cine es tan abrumadora que las palabras no pueden más que inclinarse ante las maravillas. Enhorabuena Amelie, por tu bondad, por tu inocencia, por tu mirada y tu sonrisa... En resumen, por existir para nosotros.... aunque sólo sea en un sueño ficticio.

Con una brutal interpretación, Ellen Page se ha situado con esta gran ópera prima del director nóvel David Slade en una de las actrices jóvenes más prometedoras que se hayan podido ver en mucho tiempo y en una más que digna competidora hacía las también enormes Scarlett Johansson y Natalie Portman, a las cuales Ellen no tiene absolutamente nada que envidiar en lo que a talento interpretativo se refiere.
Secundada por un gran actor, visto recientemente en "El Fantasma de la Ópera" , Patrick Wilson, también enorme en un papel física y emocionalmente difícil, Hard Candy se convierte en un "tour de force" interpretativo como pocos se han visto últimamente. Pero no son sólo las interpretaciones de estos dos interesantes actores las que consiguen hacernos temblar sino además un guión muy, pero que muy cuidado (pulido multiplicidad de veces) junto con unos dialogos mordaces y tensos, la sobriedad de un único escenario como desarrollo del film y la fantástica química existente por los dos únicos actores protagonistas de toda la película. Todo ello dan lugar a una obra maestra "extraña" pero, al fin y al cabo obra maestra que no deja indiferente a nadie y que debería ser vista por cualquier persona que se precie de ser cinéfila. Por último queda claro que Hard Candy ya se ha erigido como un film no apto para el gusto unánime del publico y que será tan vapuelada por unos como amada por otros; Pero es precisamente esa gran variedad de opiniones lo que la convierte en un interesantísimo largometraje (desencadenante de numerosos debates) que pasará a englosar la lista de las llamadas "películas de culto".
Dejando a un lado todo lo dicho Ellen Page ya constituye una única razón por sí misma para visionar esta polémica película que desagradará a más de uno (y con razónes). Finalmente, con unas situaciones increíblemente tensas y terroríficas, Hard Candy consigue lo que se propone sin enseñar ni una sola gota de sangre y dejando todo el protagonismo a la mente humana, a la imaginación de cada uno de nosotros que nos jugará más de una mala pasada.

Tristísima y durísima película acerca de las injusticias humanas que pueblan el mundo de hoy retratado por el siempre sorprendente y magnífico director europeo Lars Von Trier, que para los que ya le conozcan, sabran de antemano el tipo de bofetadas que este genio del cine es capaz de dar a la conciencia dormida (en algunos casos inexistente) de cada uno de los espectadores. Esta película representa la cruda realidad del mundo de hoy desde un prisma ciertamente extremo pero al fin y al cabo (y por desgracia) realista a más no poder. Todos nosotros sabemos y conocemos perfectamente el egoismo que puebla la sociedad, ese que se mete en las venas y con el que los niños ya practicamente nacen, como una caracteristica genética más. El doble sentido o la doble moral es de sobra por todos conocida, es algo normal hoy día pero aún así, a pesar de semejante situación tan deplorable y patética es dolorosamente bello observar quer siguen habiendo personas a las que semejante "Peste" (como la llamaré a partir de ahora) no la ha afectado. Personas como Selma son como angeles en el infierno, es imposible que sobrevivan con toda su pureza en un mundo en el que tal cosa no existe, un mundo dominado por la falsedad y de esa misma forma falsamente cubierto de mentiras, de cosas "bonitas" dice la gente. Se engañan a ellos mismos si piensan que aún hay algo "bonito".
Selma fue una victima no de su propio egoismo sino del egoismo y el cinismo de los que la rodeaban, de la cobardia de un hombre, para colmo policía, que no era capaz de afrontar la precaria situación en la que se encontraba; de las ansias de poder del dueño de una fabrica, de la injusta venganza de una mujer hacía tiempo ciega y perdida en sí misma, de la envidia de los demás al fin y al cabo por la feliz ignorancia en la que Selma se encontraba sumergida, un mundo fantástico sin el que es imposible sobrevivir en semejante despojo en el que nos ha tocado vivir.
Faltan palabras para describir la sobrenatural interpretación de Bjork acompañada por el unico personaje que verdaderamente se preocupó de ella, Cvalda, Catherine Deneuve que resulta magnifica interpretando en su personaje el realismo al que Selma no quiere bajar.
Lo dicho: Obra Maestra del cine de todos tiempos que perdurará en la memoria mucho tiempo despues de su visionado, probablemente toda la vida.

Lo que más recuerdo de esta película cuando la dejo reposar con el tiempo son siempre las mismas escenas. David Hemmings fotografiando a Vanessa Redgrave con otro hombre mayor que ella en una zona aislada de un parque de la zona, y por otro lado, la posterior investigación que lleva a cabo el protagonista en su casa, cuando decide intentar desvelar las motivaciones ocultas que rigen ese momento que ha captado con su cámara, revelando las fotografías, ampliándolas y sacando conclusiones cuando cree haber descubierto la preparación de un asesinato y su posterior ejecución. Son siempre esos momentos los que se me graban en la memoria cuando veo “Blow up” y los primeros en los que pienso cuando rememoro la película tiempo después de su visionado.

Es precisamente el discurso que late de fondo en esos momentos lo que más me atrae de toda la obra. El que Antonioni trabaja en esas secuencias, el de la multiplicidad de matices y de puntos de vista que puede generar una misma imagen, dependiendo de si es vista por una u otra persona, cada una con su propia experiencia vital. No es el caso literal de la película que aquí tratamos, pero sí es lo que se transmite. ¿Realmente ha sido Hemmings testigo de un asesinato?, ¿O sencillamente ha visto lo que deseaba ver en ese momento de su vida, en el que necesita de una motivación poderosa que le haga seguir adelante? Las preguntas que surgen no poseen una respuesta clara. Cualquier opción es valida, aunque el director ya nos deja alguna pista sobre su posición en la escena final del filme.

Las ilusiones forman parte del ser humano. Cada persona verá las cosas atendiendo a su propia vida, a su propia educación, a todo lo que la ha hecho ser tal como es hasta ese momento. Y la interpretación que extraiga de unas imágenes con un fondo muy abierto de posibilidades, seguramente difiera bastante de los de otra persona con un mundo diferente. Es una visión que me parece totalmente extrapolable a la propia disciplina del cine, y es precisamente ese el punto que más me atrae del discurso de Antonioni en “Blow up”. Una línea discursiva que comparte con Jose Luis Guerín y su “Tren de Sombras”, puede que con la salvedad de que ésta última tal vez incida más en dicha cuestión, tratándo la misma con más profundidad al girar todo su núcleo argumental alrededor de la interpretación de esas imágenes y el significado oculto que encierran, y que descubrimos en el último tramo de la obra.

(continúo en spoiler)