Escribir algo original a estas alturas, de la: probablemente mejor película del mayor talento que ha dado este negocio de contar historias resulta harto difícil. Aunque tildada por algunos de "sucio cuento de hadas"; disfrutar de esta obra, es de las experiencias más gratificantes y enriquecedoras que me ha proporcionado esto del cine. Es increíble la gran variedad de emociones que logra provocarte: te ríes pero no es una comedia, es triste pero no es un drama, hay historia de amor pero es mucho más que una película romántica, critica el moralismo pero no es una película intelectual, es comercial pero tiene una tremenda personalidad. Parece sencilla, pero es endiabladamente compleja. Me encanta este Wilder, es de esos tipos que no te falla jamas. Hay que tener mucho oficio y talento para ser capaz de divertirse con lo amargo y reflexionar amargamente con lo grotesco, y por muy grave que nos parezca el mundo que trata de reflejar, ni se nos pone solemne, ni abandona la sonrisa, ni olvida, por supuesto, las reglas maestras del espectáculo, aquello tan importante de: entretener, entretener, entretener, entretener.

Max

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Última entrega de la espléndida trilogía con que Leone dicen, reinventa el concepto del cine del oeste a mediados de los sesenta, y a la que debemos el nacimiento del soberbio trio de profesionales, (actor, director, compositor) que juntos primero y cada uno por su lado más tarde dejarían una imborrable huella en la historia de la cinematografía. Pese a las dos horas y media de duración al film no le sobra ni un solo fotograma. Todo el está salpicado de humor negro, (generalmente de la mano del magnífico Eli Wallach), miradas capaces de hablar por si solas, momentos de acción y comentarios ingeniosos; y aun así tiene tiempo suficiente para retratar el drama de una guerra de secesión, donde la miseria moral, se reparte a partes iguales entre yankees y sudistas. La cinta está llena de planos generales bellísimos, textura de época, estética detallista, y una fotografía de primer nivel; si a esto le sumamos la inmortal partitura de un Morricone en estado de gracia, vamos entendiendo el porqué un western tan distinto, aparece junto a los de monstruos como: Ford, Hawks, Mann, o el propio Eastwood. En contadas ocasiones se ha visto que una banda sonora haga crecer tanto a una película como en el caso que nos ocupa; el grado de complicidad y de conocimiento entre estos dos talentos (Leone , Morricone) desde que fueran compañeros de colegio, es la baza que más juega a favor de esa circunstancia. El tema principal ya es él solito sinónimo del Western por excelencia. La originalidad del arreglo final, mezclando el estribillo clásico con el graznido de los cuervos, (en clara alusión al carácter carroñero del trio de personajes principales), demuestra el nivel de matices al que es capaz de llegar el maestro romano. Aunque catalogado de western, el film trasciende sin embargo esa frontera; la proyección que Leone da a la historia, la convierten en uno de esos clásicos intemporales de notable influencia para nuevos creadores. Basta recordar la secuencia del duelo a la mexicana, obvio homenaje posterior de Tarantino a uno de los finales mejor filmados de la historia del celuloide.

Max

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Un hombre le cuenta a otro lo que pasó... Comienza un flash-back apoyado en imágenes por el polvo que desprende una vieja carroza al pasar una mano sobre sus letras. Es mi película favorita. Es una gran historia de amor. Es el testamento de John Ford. Es el mejor western de la historia. Poder hablar de ella es un privilegio. Verla por primera vez es una suerte. Disfrutarla por enésima vez es casi una obligación....Melancólica y amarga, supone una elegía hacia el viejo hombre del oeste, hacia los antiguos y románticos tiempos en que el bien y el mal se manifestaban en individuos concretos, que no conocían otra ley que la de la pistola. Asimismo, es una reflexión sobre la necesidad de las leyes como un medio para proteger al débil del fuerte (mientras exista esta separación entre las personas), pero no duda en señalar la mezquindad del mundo teóricamente civilizado, que ha perdido el valor de la lealtad y el sacrificio, y que en su edificación ha enterrado a miles de hombres, en tristes y olvidados cementerios, sin ningún revólver ceñido a su cinturón.
El hombre que mató a Liberty Valance es una obra de arte porque encarna y actualiza lo “eterno en el hombre”, y rememora el pasado como algo que no constriñe la libertad sino que la provoca a actuar.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Maravilloso final donde James Stewart/Ranse Stoddard, certifica lo que siempre se había negado a si mismo, que su mujer estaba enamorada del hombre que mató a Liberty Valance.

Max

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Latigazo a la sociedad española de la época, en donde la disparidad entre pobres y ricos no se podía, aunque se quisiera, ocultar con una caridad ficticia. La historia está plagada de personajes entrañables, auténticos, a los que Berlanga y Azcona llenan de sibilina hipocresía al hacerles caer en una caridad oficial, ridícula, vacía de verdadero sentido. Llama la atención la habilidad de los guionistas para camuflarla como un sainete costumbrista más, para hacerla aparecer como una obra inofensiva y amable y colar a la censura lo que la película estaba diciendo en realidad. El director sabe que no puede atacar con saña o excesiva dureza, y decide no potenciar, no subrayar, pero nunca olvida detalles, pequeños en apariencia, pero que son verdaderos aguijones y que tienen un efecto demoledor vista la obra en su conjunto. Humor negro, cine inteligente cargado de detalles, que no tiene nada que envidiar a maestros italianos como De Sica o Fellini y que en cintas como "Placido", está incluso por encima. Sin duda alguna, nuestra mejor película.

Max

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¿Cómo preservar la dignidad en un contexto tan denigrante? Es el conflicto que mueve el corazón de la película. Una cuestión universal que en el cuerpo de Umberto se convierte en una angustia desnuda, insoportable. De Sica tiene el don de transportar al espectador del regocijo a la aflicción en un simple cambio de plano. Pero no es su meta manipular desde lo emotivo, sino lograr que la realidad del mundo en toda su aspereza se filtre a través de la cámara. Fotografiar los extremos psicológicos, los balanceos del ánimo que padece el hombre en su afrenta cotidiana contra el sinsentido. Dejar que los tiempos interiores de los personajes determinen el ritmo, el tono, el devenir. Quien encarna al protagonista es Carlo Battisti, un profesor de filosofía de 70 años a quien De Sica conoció por azar al asistir a una conferencia en Roma. Aunque para Battisti no fue nada fácil recordar las líneas de diálogo durante el rodaje, lo cierto es que su Umberto es hoy una de las creaciones más entrañables del cine italiano. En definitiva, toda la congoja que provoca la película podría sintetizarse en la imagen su desamparo. Rescatar a Umberto D del olvido se impone hoy como mandato. Por su calidez, por su rigor dramático, por su coraje político. Por su perfección.

Max

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