Según mi humilde opinión, una de las GRANDES PELÍCULAS de estas dos últimas décadas. Sutil y prodigiosa, aún recuerdo el día en que la vi esperando un Miyazaki y me topé con un Charles Laughton, y desde entonces, claro está, todo han sido decepciones. Aquí el escenario vive de forma particular, y los personajes parecen ser los creadores artisticos de sus fueros, mediante técnicas mil veces vistas pero que, aquí muestran a la Memoria como nuestro medio primordial para hallar referencias a objetos y vidas-no-vividas. La trama transcurre fluida, nada forzada (hablo de memoria - la volveré a ver de nuevo con algún año más encima) y por supuesto sutil de una forma adulta, sin privar lecturas infantiles de la misma (si bien acaban irremediablemente en un segundo plano) y sin recurrir a la dramología reincidente y sin escrúpulos de la Tumba de las Luciérnagas (una de las pocas películas que detesto).
Luego cambiaría tanto fondo y forma con los Yamada (maravillosa también, pero en una liga distinta) y con la guerra Raccoon, lo cual se le agradece.

Omohide Poro Poro es irrepetible, pero requiere un espectador preparado, paciente y atento (como Yokohama Kaidaishi Kikou, una de las grandes obras de la literatura de estos últimos siglos, junto al Ulises de Joyce y las microficciones de Kafka), alguien humilde para con su vida y respecto al prójimo y su obra. Que la forma no engañe a nadie.

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Chang-dong narra durante más de dos horas el periplo de Shing-ae por su vida, alguien que cambia de un modo shakespeariano de expresión y espíritu, en una búsqueda aparentemente infructuosa pero que, gracias a un desarrollo formal inteligente y preciso, consigue revelar no sólo los recursos formales del director sino también los signos preconcebidos del espectador. Después de todo, no queda muy claro cual era el discurso básico de Chang-Dong, si bien, durante la primera mitad, la sobriedad del tratamiento de la historia de la pérdida y sus primeras reacciones parecía que exponía una distancia que muchos podiamos considerar meramente cultural pero que luego resultaría más bien personal.

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Al verlo, ¿porqué me aparté, si lo que quería era hacerlo pedazos?

Queda claro pues, porqué la mayoría de los espectadores se sentirán cómodos al asistir a esa mitad, en donde la forma va de la mano con el fondo, es decir, la cámara se mueve con el mismo ritmo y el mismo sentido que los movimientos externos e internos de la protagonista. Por contra, el resto de metraje transcurre de forma incómoda. La razón quizás sea porque no se reflejan las dudas espirituales de Shing-ae en el pulso fílmico de Chang-Dong: él sigue con lo suyo, intentándole dar rigor a las imágenes... pero, ¿qué rigor puede haber en el dramatismo gnostico-evangelista coreano? Personalmente, como critica religiosa, el discurso que así se desprende me parece de una falacia enorme (un mínimo de conocimiento bíblico explicaría porqué Dios permite el sufrimiento), pero reconozco que la oscuridad espiritual alentada por las religiones sensacionalistas (facilmente confundibles con grupos neocon) han hecho mucho daño a la humanidad... Tanto, que aún esta ficción me parece demasiado superflua y fueradetiesto. En fin, pese a todo, se puede decir que las dudas espirituales de Shing-ae se subrayan perfectamente con el contrapunto estilistico que le imprime Chang-Dong. (Compárese con Ordet)

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Podría parecer que esto que digo es muy cabalistico, pero no me parece que esta solución sea casual o un simple recurso formal. Al fin y al cabo, como se resuelve luego, Shing-ae escondía esa distancia aún en su interior, una condición que se prefiguraría en momentos anteriores con su comportamiento abyecto en presencia del acto de bullying en el colegio. Shing-ae decide sobre sí misma, sobre cómo ser, su vida, y de esta forma Chang-Dong le otorga una vida que a muchas personas que se mueven y que personalmente conozco se les ha negado, es esa libertad que pocos autores lograron transimitir en sus alter-egos después de Shakespeare, y que aquí Chang-Dong, pese a las pérdidas puntuales de ritmo durante el metraje, consigue con maestría.

A pesar de todo, el metraje en apariencia excesivo acaba plenamente justificado con la simbología onírica de las tres últimas escenas. Me quedo con la duda de si media hora más de símbolos herméticos no hubiese sido el colofón perfecto a esta muestra de meta-realidad... para mí una obra maestra: esos diez minutos son el triunfo del paciente (toma kafka), del que valora la vida tal como es, del que descubre lo que queda: alguien que te aguante el espejo, y que los pelos se los lleve el viento... eso, o lo que quien quiera ver, vea.

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Breath funciona en las elipsis. Kiduk entiende los mecanismos narrativos, de modo que no se ve en la necesidad de explicar todos y cada uno de los detalles o razones, pero aún así juega con la aparición de dichos sujetos, confiriéndoles una importancia en el binomio ficción-verosimilitud. No voy a entrar a juzgar si me parece posible algo así, por dos razones obvias, primero porque las discusiones sobre ficción-realidad son más ajadas que el morir y por lo tanto me aburre solemnente entrar al trapo, y segundo y más importante, es porque de un modo wildeano, Corea es un país que no conozco personalmente o, mejor dicho es, para mí, simplemente, el país donde transcurren la mayoría de películas coreanas, incluída esta. De modo que el si es creíble o no, es una cuestión que me tiene sin cuidado.
Breath no funciona en lo demás. Kiduk sufre el síndrome Amenábar, que consiste en hacer la misma película una y otra vez, sea cual sea la temática. Kiduk si cabe, es aún menos rico en géneros, o argumentos de partida, lo cual manifiesta o una limitación de recursos estilísticos o un espíritu mercantilista. Prefiero no elegir. Pero es relevante que en sus ficciones, Kiduk se esté alejando paulativamente quizás no de realidades sociales (aunque desde luego no desearía otro Ken Loach), pero sí de la sociedad en general. Explicaré porqué para que se me entienda: siendo que Ki-Duk juega en la ambivalencia de lo posible-imposible, si voy a ver una peli mal resuelta (pero que al menos huya de recursos literarios -o, lo que es lo mismo, que entienda el cine como un transporte en sí mismo y no se apoya simplemente en palabras) preferiría que la realidad fuese cuanto menos, probable. Pero son tonterías al fin y al cabo, porque en Corea últimamente no se trabaja, y si se hace es haciendo figuritas o (¿qué era lo que hacian los de Time?).
En fin, que a quién le guste Ki-duk, este Ki-duk, que no se espante, que la próxima le gustará y la otra y la otra y la otra, y seguirá así sin preguntarse porqué narices es tan sencillo hacer una película de su gusto. Quizás para entonces, el bueno de Kim Ki-Duk ya haya sacado un libro a lo Chrichton explicando todos sus clichés bajo el intítulo de "Trucos para hacer un melodrama Potito y a la vez Arty"... Pero supongo que su vena mercantilista no le dejará.

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En fin, es cierto que rebosa pretenciosidad estilística, lo cual para mí no es necesariamente malo, pero narrativamente, se basa en premisas que no explica ni de soslayo, carece de un guión más robusto sobre el que construir las piruetas visuales, las cuales ya justifican la visión, es cierto, pero no hasta el extremo de considerarla una obra maestra (a no ser que todo el mundo se haya convertido a la secta de Walter Pater y yo siga así, sin enterarme).
Si hubiese querido hacer Satoshi Kon algo tan ligero que cupiese en 1h30 y te dejase tan vacío y perplejo, unas elipsis a lo bruto (que aprenda de Serpientes en el Avión) hubieren resuelto este espectáculo de una forma más honesta. Pero todas esas piruetas argumentales, acaban siendo truquitos para que parezca que hay algo donde sólo se esconden los complejos y la carencia de recursos de Satoshi frente a sus antepasados (Sandman, Ghost In The Shell, ¿Matrix?...). En fin, después del gran acierto que fue su Tokyo Godfathers... una pena.

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La pelicula es una completa estupidez, y está increíblemente mal hecha. Entiendo que a alguien invadido por la cultura kitsch podrá ver cierta calidad durante la trama, o posiblemente alguien intente defenderla para aparentar ser un groupie fiel, pero me parece evidente que Kitano pretendía hacer lo que parece. Vamos, que conociendo a Takeshi imagino que estará en su casa rajandose al ver la recaudación (la que sea) de la peli.
Recapitulemos, Takeshis iba sobre lo malas que le parecían sus películas anteriores (en la que la ruptura con Hisaishi -estata mercantil- es relevante) o lo absurdo en lo que se habían convertido estas (vendidas por él o por otros como lo que no eran). Su visionado consiguió que rebajara del altar a peliculas tales como Kids Return, Brother, Hana Bi, etc. Supuse que era eso lo que quería cuando se cargó a todos aquellos ejércitos sobre la arena.
Glory to the Filmmaker va sobre el bache -ya incapacidad- de Kitano para realizar obras de calidad, artísticamente poderosas, con éxito, y que pueda llamarlas suyas (que tengan su sello). Vamos, que hace un truño enorme y para que a nadie le quepa duda, remite en la coda el comentario del doctor:
"Desastroso".
Pues eso. Bravo Takeshi: Peliculón.
Nota: 0. Ver.
Parece incoherente pero no lo es.

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