No es esta obra de Iquino una mala película, al menos no en un sentido estricto, pero su calidad final se resiente notablemente por culpa de esos vicios inherentes a tantas y tantas producciones de época del periodo franquista: el amor incondicional a la patria, las rancias manifestaciones sentimentales, un afán discursivo terriblemente molesto, la moral cristiana imponiéndose sibilinamente, etc.

Si no llega a ser por ese tercio final tan desafortunado, donde afloran diálogos panfletarios y una sonrojante exaltación patriótica (me imagino al generalísimo masturbándose con ella), El tambor del Bruch se llevaría por mi parte un aprobado más que holgado. No es sólo que demuestre solidez y fluidez como relato de aventuras bélicas, con su héroe individualista manejándose entre facciones rebeldes opuestas, sino que también revela cierto talento en el manejo de múltiples recursos cinematográficos, caso de los elegantes movimientos de cámara o de esa iluminación opresiva y hasta expresionista, especialmente en escenas de interiores (la atmósfera que se respira durante el juicio popular recuerda tímidamente a la de "M", del maestro Lang).

Lo dicho, una pena tirar todo esto por la borda de tan mala manera... Aún así, es una cinta curiosa que bien podría complementar a la proteica y más conseguida (aunque también algo maniquea) Bruc, de Daniel Benmayor.

Lo mejor: su atmósfera renegrida, fuerte.
Lo peor: el tramo final, alarmantemente obvio.

Es "Los pájaros" para pobres. Lo que en Hitchcock era ambigüedad y portentoso dominio de la forma, en Cardona es explicitud y churrusquero empleo de sus (escasos) recursos. Lo cierto es que tampoco debemos pasarnos con los reproches: meterse en un embrollo de pájaros asesinos con un presupuesto tan nimio es una temeridad considerable, y su director la salva sin caer de lleno en las simas de la vergüenza ajena (aunque en algún momento puntual la roce). Que las palomas actúen mejor que los humanos tampoco debería sorprendernos.

Estamos ante una historia delirante sustentada en varias tramas paralelas (algunas semiabandonadas de mala manera) que se quiere denuncia del deterioro medioambiental mientras entretiene (en general, bastante) con secuencias de ataques aviares donde se mezcla el gore con un empleo pintón de la cámara lenta. Sorprendentemente, las carencias no están tan a la vista como esperamos, aunque a veces se dilatan excesivamente ciertas escenas, cayendo en el tedio.

En fin, para ir resumiendo: una tontada ecológica que retrata la venganza de la Naturaleza con simplismo discursivo inaudito y despliega una trama embarullada que, no obstante, se las apaña para no aburrir en exceso (al menos no tanto como uno esperaba al principio).

Lo mejor: cae simpática, francamente.
Lo peor: lo ridículo que resulta todo.

Basada en una novela del especialista en ocultismo Dennis Wheatley, La monja poseída es otra reivindicable pieza tardía de la productora Hammer que hunde sus raíces en una temática satánica clásica, con sacerdotas excomulgados, sectas ocultas, aquelarres y la búsqueda final de la instauración del Maligno en la tierra, encarnado, como es ley, en una criatura inocente (aquí una dulce y jovencísima Nastassja Kinski).

Más cerca del Terence Fisher de La novia del diablo que del Polanski de Rosemary's baby, el film conquista al fan de lo demoníaco con su combinación de grandes actores (aunque Richard Widmark esté algo despistado), estética y ejecución típicamente british y setentera, y ocasionales ráfagas de delirio cinéfago (la magia negra bizarre, el clímax de psicodelia pop dentro del círculo) y erotismo insando y malicioso que siempre ha vivido, más o menos soterrado, en todas las obras de la productora.

Pese a desfallecimientos narrativos y algún detalle que rompe el rigor (cultural) con que parece haber sido abordada la propuesta (la subversión bufa de símbolos cristianos que configura la iconografía satánica del film puede caer en lo risible), lo cierto es que es una cinta que se ve con agrado e interés, que incluye alguna idea tan delirante como satisfactoria (el parto en dolor) y que, sobre todo, permite al espectador disfrutar de la belleza angelical -o diabólica- de la hija de Klaus, que es la que aguanta, con más magnetismo natural que otra cosa, el peso de la función.

Lo mejor: el delicioso desnudo integral de Nastassja Kinski.
Lo peor: algún lugar común y un guión pelín deshilachado.

Esta película se adentra en los pasillos subterráneos de una abadía maldita con la noble intención de ponérnoslos de corbata, pero aquí lo único que da miedo es la mano pocha de un Lenzi al que le pone más la palabrería idiota que atajar por el camino del gore desmadrado y la violencia sin coartadas, que también están presentes, pero en dosis menores y de baja calidad. La peli, no obstante, empieza de forma prometedora: rápida presentación de personajes, rápida inmersión en el meollo de la cuestión, rápido hachazo a la cerebrito del grupo. Esto que pinta por lo menos entretenido, se acaba hundiendo, de forma harto pesada, en el tedio y la reiteración.

No es sólo que la película gire en círculos sin llegar a ninguna parte, es que los propios personajes se van contagiando lentamente de lo ridículo de la situación, volviéndose, en consecuencia, un poco más imbéciles a cada minuto que pasa. No se entienden sus reacciones, no se entiende la incredulidad de algunos (Rossi Stuart), no se entiende que se separen cada dos por tres y sin venir demasiado a cuento. Los diálogos, sobra decir, rezuman estulticia del primero al último. En otras situaciones no me habría importado, pero ya que durante la mayor parte del metraje no pasa NADA, hubiera agradecido que alguien borrara alguna que otra frase que produce verdadera vergüenza ajena.

Lo único que me ha gustado mínimamente -al menos logró despertarme de la modorra que se había apoderado de mí mediada la película- es la estelar aparición (cantadísima, por otra parte) de los picapedreros... ¡en sandalias!. Inenarrable. A partir de ahí, paranoia total pero vista mil veces. Lenzi, esperaba más de ti.

Lo mejor: los puntuales momentos de violencia.
Lo peor: demasiados minutos de relleno.

Aunque subvalorada y olvidada, esta pequeña gema terrorífica merece ocupar su hueco en el subgénero de muñecos siniestros que cobran vida. Siendo una serie B limitadísima en lo ecónomico, consigue, sin embargo, sacar considerable partido de sus limitaciones. Primeros planos, contrapicados y un meritorio uso de la profundidad de campo se postulan como los principales alicientes de una película que, valíendose del silencio y la sugerencia, logra crear un clima decididamente inquietante, a ratos de enorme fascinación: el momento en el que el muñeca Hugo se dirige por primer vez al público posee una fuerza visual que incomoda.

Desgraciadamente, el talento como narrador de Shonteff es muy inferior a su pericia como director: la narración está plagada de tiempos muertos, se pliega al tópico con facilidad y finaliza de forma algo precipitada, aunque dejando buen sabor de boca. Lastrada por el peso que en la memoria del cinéfilo tiene aquel exquisito episodio de Cavalcanti incluido en la coral Al morir la noche, El muñeco diábolico al menos se las apaña para hacer virtud de sus defectos y ofrecer otro caso de ventrilocuismo insano dispuesto a hacernos pasar un (buen) mal rato. Una peli menor, con algunos apuntes amateur casi dignos de H. G. Lewis, que se puede disfrutar si uno profesa cierta fascinación por estos muñecos que dan tan mal rollo.

Lo mejor: Shonteff, tras las cámaras, se lo curra más de lo esperado.
Lo peor: el guión es flojo y está repleto de arritmias.