Hoy le quiero hacer una declaración de amor al cine. Y qué mejor que decírselo a Cinema Paradiso, que es la máxima declaración de amor que se le ha hecho al séptimo arte. Cinema Paradiso es mucho más que una película. Es una historia llena de nostalgia por una personal manera de ver y entender al cine. Y de vivirlo.
Preñada de melancolía, humor y nostalgia, Cinema Paradiso cuenta la historia de un director que, al enterarse de la muerte del encargado de la sala de cine de su pueblo, recuerda toda su vida anterior. La historia de un cine de pueblo a lo largo de sus décadas (su auge, sus anécdotas, su declive, su desaparición definitiva) a través de Alfredo y su pequeño ayudante.
Es asombrosa la capacidad de Tornatore para captar lo cotidiano. Totó no se separa del lado de Alfredo, coleccionando en secreto aquellos descartes que el sacerdote -el censor definitivo- corta de las películas proyectadas. Así que Totó guarda, como si de un tesoro se tratara, todos los besos y caricias prohibidos y descartados en una vieja caja. Trocitos de vida.
La estructura en flashback, según los recuerdos de Salvatore de mayor, nos va preparando para un clímax final que es un homenaje sentido al séptimo arte como vehículo de entretenimiento y aprendizaje para la vida. Aparte de las excelencias del reparto, la cinta se beneficia de la música de Ennio Morricone, que compone una de sus partituras más bellas y emotivas, que nos vuelven a recordar la intensidad emocional que despiertan los recuerdos, esa melancolía que salta a chorros cuando la memoria rememora hechos que marcaron nuestra vida y que se han quedado atrás.
"Este pueblo está maldito. ¡Vete!, vete y no vuelvas nunca. Y si algún día te gana la nostalgia y regresas… No me busques. No toques a mi puerta porque no te abriré. Busca algo que te guste y hazlo, ámalo como amabas de niño la cabina del Cinema Paradiso. Desde hoy, ya no quiero oírte hablar; ahora, quiero oír hablar de ti…".
Como me dice una gran amiga, "Cinema Paradiso es la NOSTALGIA de unos tiempos que muchos recordarán con lágrimas en los ojos; es la nostalgia de la niñez, de la juventud, de todo lo que se fue y quedo atrás". Emocionante, muy emocionante. Aunque la tendencia al lagrimeo es inevitable, termina siendo entrañable. Esta película es el cine mismo, y todo el cine está dentro de ella. Es una historia de amistad entre el pequeño Totó y Alfredo, de puro amor entre Salvatore y Elena... Pero me quedo con el deseo de Totó: que el cine fuese en realidad magia.

helen

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Luis García Berlanga y Rafael Azcona eran los mejores cuando debían eludir la censura y en esta comedia negra, para mí la mejor película española de la historia, logran su cima, junto al guionista Ennio Flaiano y el operador Tonino Delli Colli, italianos como la coproducción. El embajador de España en Roma declaró, tras intentar prohibir su exhibición, "La película me parece uno de los más impresionantes libelos que jamás se hayan hecho contra España; un panfleto político increíble, no contra el régimen, sino contra toda una sociedad. Es una inacabable crítica caricaturesca de la vida española." Tenía toda la razón. Lo mejor es tratar esta tragedia desde una óptica cómica, que si no, la experiencia puede ser tremenda. Nunca olvidaré el último plano inhumano de "Pascual Duarte", pero ésta la recuerdo fotograma por fotograma. Porque sin ser tan explícita, es mucho más terrible.
Los personajes son un viejo verdugo del régimen, su hija casadera y la “víctima” de ambos, un empleado de pompas fúnebres destinado a heredar el puesto de su futuro suegro. Un hombre normal y corriente, que tiene un trabajo con el que gana poco dinero. Ya casado espera no tener que ejercer nunca su profesión. Pero ese momento llega.
Imprescindible alegato contra la pena de muerte, con un Nino Manfredi (tan buen actor que logra no parecer italiano) acobardado, y un Pepe Isbert (tan genial que vuelve querible a su nefasto personaje) que engrandecen una película que mejora con el tiempo, junto a un gran reparto en el que asoman grandes actores.

-"Amadeo: Me hacen reír los que dicen que el garrote es inhumano. ¿Qué es mejor, la guillotina? ¿Usted cree que se puede enterrar a un hombre hecho pedazos?
-José Luis: No. Yo no entiendo de eso.
-Amadeo: Y que me dice de los americanos. La silla eléctrica son miles de voltios. Los deja negros, abrasados. ¡A ver dónde está la humanidad de la silla!
-Jose Luis: Yo creo que la gente debe morir en su cama ¿no?
-Amadeo: Naturalmente, pero si existe la pena de muerte, alguien tiene que aplicarla."

Excelente comedia llena de un personal humor negro y un duro alegato contra la pena de muerte. La historia de cómo obligan a Jose Luis a hacer lo que no quiere, casarse, tener un hijo y convertirse en verdugo, con el acicate de que mejorará su vida por lo bien que guisa Carmen y disfrutará del piso que ha conseguido don Amadeo. Es una mirada entre divertida y asqueada, certificando cómo los convencionalismos absurdos nos obligan a actuar de modo "normal".
El verdugo no es sólo una de las películas más importantes de la historia del cine español. Es también una de las más duras y siniestras, porque Berlanga y Azcona reducen la pena de muerte a un triste oficio. La sencillez con que está planificada y la versatilidad de matices que ofrece el gran Pepe Isbert otorga credibilidad al drama: en definitiva, matar a alguien en nombre del Estado es también un trabajo como otro cualquiera. Obra de dos genios.

helen

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Estimados directores:

Como buena aficionada al cine de terror, y habiendo disfrutado con [•REC], me dispuse a ver la segunda parte de la saga con una de mis almas gemelas. Nuestras expectativas eran las adecuadas: entretenimiento palomitero y una horita y media de evasión sin pretensiones, incluso con los problemas que suelen traer este tipo de estrenos (léase los espectadores-niñatos más maleducados del panorama, como así fue), pero creímos que merecía la pena.

Pero la decepción ha sido grande. Que una película de terror no dé miedo es un fallo importante, pero no el único. ¿Cómo es posible que la película resulte tan sumamente aburrida? Sustos que se ven venir, fragmentación (¿dónde quedó la tramposa pero efectiva linealidad de la primera parte, que hizo que una señora que no sabía dónde se metía nos preguntara constantemente si la película era de verdad y si se trataba de un documental-?), relleno puro y duro, cámara en mano forzada e injustificada, sólo para hacer la imagen más... ¿"molona"?

¿Por qué los actores son patéticos? Que quieran contratar a actores poco conocidos para dar verosimilitud a la cosa no es lo mismo que elegir a los primeros que se presentan, que dicen sus diálogos a voces y ponen cara de estreñimiento para simular el terror que sufren. ¿Los niñatos del segundo tramo de la película son sus sobrinos? ¿Por qué los chistes son sumamente penosos? Si querían imitar a Álex de la Iglesia, me temo que tienen mucho que aprender...

Y lo que más me ha dolido: ¿por qué transformar una buena historia -aunque no original- de zombies en una chorrada mayúscula de posesiones demoníacas? Lo que en la primera parte no era más que un esbozo de la posible explicación de los zombies (que ya podía ser una rayada más del Vaticano), aquí se convierte en un sinfín de estúpidas situaciones, diálogos y giros de la historia que ya han mencionado otros usuarios.

¿Todo ello a que lleva? A que mi compañera Dala sentenciara tras la conclusión de la peli: "qué esperas, son los directores de OT, la película".

Atentamente

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Si tanta admiración sienten por Friedkin y su Exorcista, deberían sentir cierto respeto, y no copiar/ridiculizar/arruinar la escenita de marras. Sólo faltaba la vomitona, ¿sintieron cierta vergüenza?. Y la zombie batiendo huevos a ritmo de "Suspiros de España"... sin comentarios. Qué zombis más listos, joer. Ah, no, que son poseídos del diablo.

Deducimos que tanta parafernalia chorra era el relleno hasta el final sorpresa que todos esperábamos. Manuelita está viva, ha sido poseída por el gusano-diablo, y es la mala malosa que se va a comer a todos cuando la liberen. ¿Será [•REC]3 una parodia de Callejeros? ¡Próximamente en sus pantallas!

helen

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Una arenilla en un ojo, un cruce de miradas y el Piano Concerto nº2 de Rachmaninoff. Así empieza una de las historias de amor más bellas del cine: Breve encuentro. Un hombre y una mujer, ambos de edad madura, casados y con hijos, se conocen fortuitamente en una estación de tren. La relación entre ambos empieza como una amistad; pero muy pronto desemboca en una romántica historia de amor, intensa pero prohibida, que les saca de su rutinaria existencia. El dilema está claro, aunque la decisión no es fácil: seguir juntos y romper sus respectivos matrimonios... o dejar de verse para siempre.
Breve encuentro está basada en una pieza teatral de un solo acto, Still Life. Verdaderamente revelador. El guión, escrito por el dramaturgo inglés Noel Coward, cuya maestría a la hora de retratar con sutileza la vida cotidiana de la sociedad británica dio maravillas como La vida manda o este encuentro, breve como la vida misma. Un pequeño clásico, de esos pocos conocidos pero que emocionan hasta los corazones más duros. Una historia de amor no sólo sobre historias imposibles, la infidelidad, sino también sobre la importancia de pensar en los demás antes que en uno mismo.
Celia Johnson y Trevor Howard no son actores. Son los desconocidos en el andén, que mientras hablan sobre medicina o carbonilla se lo dicen todo sin palabras. Mención especial para los secundarios de la cafetería de la estación, tan anónimos, y tan reales. La historia de amor se desenvuelve de forma tan natural que la infidelidad se presenta como algo casi razonable, inevitable; y a pesar de todo los protagonistas nos hacen ver que el hombre se rige por los principios morales que él mismo se ha impuesto, y que en el amor todo vale, pero en la vida real no. Diálogos para la eternidad y ese final, tan melancólico, tan despiadado, tan real y a la vez, tan poco convencional.
Una estación de ferrocarril, dos adultos que ya no esperan ningún tipo de aventura existencial y la posibilidad de coger, por última vez, un tren que les dé un nuevo rumbo a sus vidas. Pero el miedo, la fragilidad y el desamparo son obstáculos imposibles de sortear. En esta obra de arte, intimista y triste, tan imitada como inimitable, David Lean supo dar lo mejor de sí mismo antes de lanzarse a aventuras más ambiciosas, aunque nunca de una intensidad semejante, quizás porque allá donde en sus grandes producciones los rostros de los actores se perdían entre multitudes y escenarios de ensueño, en Breve encuentro a la cámara le bastaron los pequeños detalles para que lo real fuese más real.
"Perdóname por haberte conocido, por amarte...". Qué más decir de una de las películas más bellas, románticas y tristes jamás realizadas. Amarga. Intensa. Hermosísima. De la sencillez de un breve momento... Los años pasan, pero todavía seguimos conteniendo la respiración ante tal torrente de emociones. Nunca hemos disfrutando tanto gastando pañuelo tras pañuelo. Personajes, fondo, vivencias, porqués, explicaciones... Vida en estado puro.

helen

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Tom es un un joven romántico de la 'vieja escuela', que se enamora de una compañera de trabajo que es todo lo contrario que él, ya que no cree en el amor. Aunque comparten una gran afición por The Smiths, la relación que empiezan los dos y que seguimos durante quinientos días no parece nunca que pueda llegar más allá de una simple aventura... Es la historia de un chico que se enamora de una chica que pasa de romanticismos. ¿Qué aburrido, no? Parece típica, llena de lugares comunes. Pero no, 500 días juntos es ya una marca generacional, incluso para los que somos de otras generaciones. Porque todos hemos sido alguna vez Tom o Summer. No es una más.

Nada de comedia romántica facilona. Recalcando el sabor indi-pop, Marc Webb, con mucha imaginación pero sin perder de vista el toque comercial, nos ofrece una historia de (des)amor (o no) desde el punto de vista del hombre. Aunque Summer esté en el título, casi está relegada a ser mera comparsa. Un paso más en el camino de la historia de Tom, el beta man (Travis dixit) que a muchas nos gustaría encontrarnos por el camino.

¿Cual es la mayor baza de 500 días juntos, más allá de algunos defectillos que se perdonan fácilmente? Su honestidad. La sinceridad que desprende por los cuatro costados. La nostalgia que te produce. La sonrisa extraña que te deja porque... ¿acaba bien? ¿Acaba mal? Eso es algo que cada uno descubre, y decide.

El momento en que Tom canta Here Comes Your Man es el mejor desnudo psicológico que he visto en los últimos años, algo tremendamente difícil teniendo en cuenta lo maltratado del género romántico. O la escena entre las expectativas y la realidad (¿cómo es posible tanto cariño en la mirada de Joseph Gordon-Levitt cuando están los dos en la terraza, con las luces de la ciudad de fondo?). Y hay mucho más...

La historia es muy simple. Chico conoce a chica. Se enamora de ella. Y... *

Me he enamorado de Tom, aunque esta vez no me hace falta que salga de la pantalla. Tom existe.

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* 500 días después, ella decide que quiere dejar de verle. No quiere relaciones serias... y al final recoge velas, y se casa. ¡Hay que joderse! Y Tom se pregunta... ¿qué hice mal?. Es que es jodido enamorarse, darlo todo y a cambio... recibir muy poco, o nada. O una patada en las entrañas. Pero c'est la vie.

Hubiera preferido un final más agridulce, Tom solo en el banco, caminando. ¿Por qué tanto azúcar glas al final? ¿Por qué Autumn es una taaan convencional, el pibonazo de toda la vida que jamás le dirigiría la palabra a un pringado como Tom, y en la que Tom no se interesaría más allá de una mirada apreciativa? Me resta realidad.

helen

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