Una cosa teníamos segura antes de ver este nuevo Batman. No podía ser peor que aquel "Batman & Robin" dirigido por Schumacher, hace 8 años ya. Una infame película, en la que no quedaba ni rastro del espíritu del hombre murciélago.

Aquella patochada provocó el definitivo enterramiento de la saga, y Schumacher tuvo que abandonar el proyecto de la quinta entrega. No quedaba otra opción que empezar de nuevo. Tras varias tentativas fue Christopher Nolan (que tiene en su haber esa joya llamada Memento) el encargado de explicar los orígenes de Batman.

Y, precisamente, es el proceso de conversión del hombre en el héroe lo más atractivo de este acercamiento al comic. Nolan dota a toda la película de un realismo inusitado en este tipo de producciones. Bruce Wayne no tiene ningún poder sobrehumano, solamente utiliza sus propias habilidades, combinadas con diversos artilugios tipo gadgets a lo James Bond. Un realismo que también se hace notar en el retrato de Gotham, frente al gótico diseño de las películas de Burton, en "Batman Begins" se opta por una ciudad sucia y decadente, en la que la miseria y la delincuencia afloran por cualquier esquina.

Magnífico trabajo de Crhistian Bale, que compone el mejor Batman hasta la fecha (secundado por el mejor Alfred, encarnado por Michale Caine). Bale refleja a la perfección la lucha interna de su personaje, que se debate entre la venganza y la justicia. Es de agradecer las múltiples dimensiones que nos ofrecen héroes y villanos (por cierto, unos villanos de muchísima altura, de lo mejorcito que hemos visto en mucho tiempo, sin ninguna clase de histrionismo y perfectamente lógicos en su comportamiento). El bien y el mal no son dos conceptos inmutables y contrapuestos, si no que están separados por una delgada línea, complicada de identificar en ocasiones.

La película, claro está, también tiene su secuencias de acción, peleas espectaculares, persecuciones increíbles, su historia de amor... todo lo que el gran público espera de un producto de este tipo. No es que estén mal rodados, pero todos estos momentos más convencionales interesan mucho menos que todo lo que se nos ha contado durante el primer tramo del filme. El entrenamiento de Batman, su lucha interior, sus traumas, todo eso es lo que hace que este trabajo pase de ser un simple producto de masas, a algo importante. Lo que viene después no está mal, pero lo verdaderamente interesante ya lo hemos visto al principio.

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Para su primera incursión en el cine, el debutante Ivan Vyrypaev (prestigioso dramaturgo ruso) ha elegido como escenario la impresionante estepa rusa. Pero el paisaje se convierte en mucho más que un simple marco donde desarrollar la acción. Los personajes actúan profundamente marcados por la vastedad que los rodea, y por el aislamiento al que se ven abocados. Entre ellos, Vera (arrebatadora Polina Agureyeva), una mujer atrapada en la inmensidad, y que notamos minúscula e insignificante. Casada, con una niña, y sin más compañía que su familia, y una pareja de ancianos vecinos. Alrededor sólo una enorme extensión de tierra. Pero surge la pequeña chispa que hará cambiar su vida. Una chispa encendida por Pavel, al que conoció en una boda (sólo mediante miradas), y que se aferra a Vera como su única oportunidad para escapar de su (intuimos) opresiva vida.

La historia de amor que se desencadena es apasionante y apasionada. Algo incontrolable, espontáneo, irracional... Dos personas que no han sentido en su vida nada remotamente parecido a lo que están viviendo. Por supuesto, no tienen ni idea de cómo enfrentarse a ello. La única opción es seguir sus instintos, moverse por impulsos, empujados hacia el abismo por la perentoria necesidad de escapar, de amar, de sentir, de estar vivos. Arrastrados a una huida hacia delante, mágica y trágica, a la vez.

(sigue abajo, sin spoiler)

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Toda la película posee una inusual belleza. Obviamente, las localizaciones escogidas tienen mucho que ver en esta deslumbrante hermosura. Pero el mérito del autor radica en su forma de filmar esta historia. Todo el filme está impregnado de un ligero tono poético, pero nada petulante. Acostumbrados a la pretenciosidad que se instala en determinados autores a la hora de introducir la poesía visual en sus obras, se agradece la agradable y sencilla poesía de Vyrpariev. Tampoco me quiero olvidar de la maravillosa música. Una banda sonora conscientemente omnipresente y a la que le gusta el subrayado. Aun estando en el límite de lo permisible, el efecto termina siendo hipnótico y embriagador. A lo que también ayuda un excelente uso del montaje, con el que, a veces, corta de forma brusca el exceso musical, dando así el necesario respiro para evitar la saturación. Otra veces, sin embargo, el montaje sirve para encadenar varios fundidos con exquisita suavidad. Una constante en este trabajo, el contraste y la convivencia entre lo brusco y lo delicado, entre lo desgarrador y lo armonioso.

Esta hermosa tragedia, llena de fuerza, supone un notable debut de este director, al que habrá que seguir en el futuro. Podríamos situarlo dentro de esa especie de constante en el cine ruso, en la que se explora todas las posibilidades de las relaciones hombre-naturaleza. Y aunque, de alguna u otra forma, está emparentado con los Tarkovsky, Soukurov o Zvyagintsev, también es cierto que hay un alejamiento en su forma de hacer cine (mucho más vitalista y explosivo) con respecto a los demás. Es innegable que posee una mirada propia, en la que destacaría su desbordante energía. La cual, si aprende a canalizar bien, puliendo algún que otro defecto propio del primerizo, puede reservarnos grandes momentos en el futuro.

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La única baza posible que podía tener esta versión era hacer algo que se diferenciara de forma notable de su predecesora. Y el lavado de cara es evidente. Empezando por el decorado en el que se desarrolla la acción, culmen de la modernidad. Una sofisticación en la dirección artística que se extiende a la puesta en escena. Branagh se preocupa en exceso por hacer una detallada y minuciosa composición de planos, pero se olvida de dar una firme consistencia a sus personajes. Con especial incidencia, en el joven que interpreta Jude Law. Cuando le toca jugar el papel de víctima, muestra una ingenuidad y una inocencia digna de un párvulo. Pero es que tampoco Law ayuda a otorgar algo de credibilidad a su personaje, con una desaforada actuación a la hora de ponerse en el papel de verdugo. Excesivo hasta el límite de lo soportable, su creación se encuentra a años luz de la que nos regaló, precisamente Caine, hace 35 años.

Un Michael Caine que, ahora, se pone en la piel del novelista millonario y despechado. Sin duda, era uno de los grandes alicientes de este proyecto: la curiosidad de verlo en el rol opuesto. Tirando de oficio, consigue que el papel no se le vaya de las manos (como se le va a su compañero), aunque tampoco la evolución psicológica de su personaje queda bien dibujada. No olvidemos que esta adaptación cuenta con 50 minutos menos de metraje, lo que puede explicar la excesiva simplificación y la falta de cohesión de todo el trabajo.

Un aspecto interesante que marca también la diferencia entre ambas versiones, es el hecho de que la actual haga especial hincapié en el componente homosexual. Los tiempos han cambiado, y la tensión sexual se hace explícita, lo que no quiere decir que resulte más interesante; ya que el resultado es un tanto deslavazado, entre el histrionismo de Jude Law y la escasa solidez del guión. La lucha de clases, el duelo de ingenios o la disputa psicológica fueron ya tratados de forma magistral por Mankiewicz. Una maestría de la que carece Kenneth Branagh.

A pesar de su elegante dirección, la propuesta termina siendo fallida. El resultado es una película que, por momentos; resulta fría, distante y carente de alma. El material es potente, y las posibilidades son muy estimulantes. Pero las reseñadas frialdad y brevedad, provocan que el espectador no consiga entrar del todo en el macabro juego, ni identificar de forma razonable los motivos o las reacciones de sus participantes.

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Esta es una de esas películas que te dejan un agradable sabor de boca después de haberla visto. Entraría dentro de esa especie de subgénero que es el de amistad entre persona mayor y niño-adolescente. En este caso, el adulto es un turco (al que da vida un excelente, y recuperado para el cine, Omar Sharif), propietario de una pequeña tienda de alimentación en un barrio de París. El adolescente, es un joven judío que vive en ese mismo barrio.

Dos soledades que se unen; y que encuentran, el uno en el otro, lo que faltaba en sus vidas. Para el viejo Ibrahim, el joven se convierte en el hijo que nunca tuvo; mientras que éste ve en el anciano la figura paterna que no tiene (que sí existe, pero que no ejerce como tal). Asistimos, pues, a un fructífero intercambio entres dos generaciones y dos culturas totalmente distintas. Un bonito encuentro, en el que la sabiduría y tranquilidad del uno se complementan con las ganas de vivir y de aprender del otro; y que se acaba convirtiendo en una profunda relación de cariño y respeto.

Pero hay más. Que el protagonista sea un adolescente, da pie para que el director también se centre en el descubrimiento de la vida, ese viaje iniciático que tantas veces hemos visto en la gran pantalla. El sexo, el amor, la amistad o las dificultades de convertirse en adulto van apareciendo ante el joven protagonista de manera casi simultánea.

Con todos estos ingredientes, muy bien llevados por director y actores, resulta muy sencillo que los minutos transcurran mientras el espectador disfruta de momentos muy emotivos y entrañables; en una película que, además, nos muestra la relación paterno-filial entre un musulmán y un judío.

Lo que ocurre es que tanta amabilidad y azúcar puede llegar a resultar empalagoso. Aunque también es cierto que es a lo que juega la película (y lo hace muy bien, por cierto). Si a esto le unimos lo poco novedoso de la propuesta y una última media hora un tanto desconcertante y, que no funciona tan bien como el resto; hacen que el film se quede en una buena película, sin más.

Eso sí, a pesar de sus defectos; la primera hora es tan deliciosa, está tan bien contada y tan bien interpretada; que merece la pena verla.

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El guión está basado en la novela autobiográfica de Henri Cueco. Aunque para la adaptación a la gran pantalla, Becker ha desarrollado mucho más el personaje del pintor, que en el libro actúa como mero comparsa. Auteuil logra darle cierta dimensión a este personaje, al que es difícil sacar del cliché de artista que vuelve a sus raíces para recuperar la sencillez que perdió en el camino. Sus aventuras amorosas, su rol de padre que demuestra escasa empatía con su hija, la relación con su separada esposa...son aspectos que sirven para poco más que para dar los necesarios respiros a lo verdaderamente importante: las conversaciones con su jardinero. Ahí es donde notamos crecer al personaje del pintor, y donde el intérprete consigue hacerlo auténtico y cercano. Si bien es el jardinero el que provoca los cambios en él, desde el principio de la película podemos observar como el pintor se muestra completamente abierto y dispuesto a escuchar y aprender. Un detalle del guión que me gustaría destacar es el hecho de que no se fuerce ningún conflicto entre los dos amigos. Es uso habitual, en el cine que habla de relaciones humanas; meter alguna crisis que haga más, supuestamente, interesante la historia. En este caso, se podría haber caído fácilmente en utilizar este recurso, pero el guionista tiene el buen gusto de optar por la naturalidad y la sencillez, sin sobresaltar gratuitamente la relación.

Sin duda, es la arrolladora, a la vez que sencilla, personalidad del jardinero interpretado por Darroussin la baza fundamental que juega la película. Inspirado en un personaje real, resulta deslumbrante escucharlo hablar, verlo actuar. Un hombre que reúne ingenuidad y sabiduría en grandes (y equivalentes) dosis. Una filosofía vital extremadamente simple, pero llena de verdad. Alguien que sabe lo que quiere, quien es y como ser feliz. Aunque al pintor (y a nosotros) le pueda parecer aburrido y monótono su estilo de vida, tampoco puede evitar sentirse fascinado (al igual que nosotros) por alguien que lo tiene toda tan claro, y que no se complica la vida de forma innecesaria.

Pero aparte del trabajo actoral, poco más podemos destacar en una película muy convencional, previsible, y que no asume ningún riesgo. El director lo deja todo en manos de sus dos intérpretes, para que saquen adelante esta bonita historia de amistad. Y sí, el propósito está logrado. El filme es agradable de ver, gustará, y llevará a las pantallas una cantidad respetable de público, deseoso siempre de ver este tipo de cine sensible. Pero se echa de menos la mano de un director que vaya un poco más allá, alguien que apriete un poco las tuercas, y que se arriesgue de alguna forma para que no acabemos con la peligrosa sensación de déjà vu fílmico. Si a eso, le unimos algún momento mediocre de guión (incluidos un par de gags bastante torpes), tenemos el resultado de un producto correcto y amable; pero que no dejará satisfechos a aquellos que busquen ese algo más.

kikujiro

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