Sí, lo ha vuelto a hacer. Cada nuevo largometraje estrenado por Eastwood es un punto de superación mayor (si cabe) en su carrera. Fue una grata sorpresa que, tras haber visto "Banderas de nuestros padres", se confirmara dicha afirmación.

Decir que ayuda haber visualizado previamente esta última, porque dotará de mayor significado y fuerza a escenas que ya podrían tenerlas per se (ver spoiler).

Desde los primeros y poéticos planos, "Cartas" se salpica de la melodía compuesta por el hijo de Clint, Kyle, que gira en torno al piano y, cuyo ritmo pausado, le da un toque de nostalgia aún mayor al metraje. Eastwood mantiene el pulso durante todo el film. Aunque, todo sea dicho, el menor número de flashbacks respecto a "Banderas" ayuda a esto. La decisión (o imposición) de rodar "Cartas" integramente en japonés ayuda al espectador a sumergirse en la dramática historia y nos recuerda que no nos limitamos a una simple película bélica "donde los buenos son los de siempre", pues no hay buenos ni malos.

La versión japonesa de la batalla de Iwo Jima ofrece mucho más que el punto de vista norteamericano, principalmente, por los detalles. Los personajes son mucho más ricos. Desde el noble (barón Nishi), los típicos e implacables mandos o los humildes soldados hasta llegar a esa parte tan importante del film como es el general Tadamichi Kuribayashi (magistral interpretación de Ken Watanabe) y su historia personal.

Pese a que la película está enfocada en un tono personal sobre los integrantes del bando japonés, las escasas escenas bélicas (para un film de este tipo) son más que correctas. Semejan (lógicamente) a las de su hermana "Banderas..." y otras películas como "Salvar al Soldado Ryan".

Totalmente recomendable su visionado, tanto si eres aficionado al género bélico o a la Segunda Guerra Mundial como si no.

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Escenas como la del soldado americano arrastrado a las profundidades y pasado por bayonetas por varios de sus iguales en el bando nipón, que hacen que se entiendan con total claridad habiendo visto previamente la otra parte de este díptico.
Hay escenas sencillamente impresionantes como la muerte de Kuribayashi (con lo que representa para un nipón morir de esa manera) y la conclusión final de ese soldado, casi anónimo, que ni siquiera espera volver a casa con vida.

Snyper

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Cuando la guerra no tiene tintes hollywoodienses, ¿qué nos queda?
Más allá de explosiones y demás cabriolas visuales, escenas de tinte épico, mensajes patrióticobelicistas y/o sobreactuaciones, nos quedan las personas. Esas que, en el fervor del combate, son anuladas y cuyos sentimientos no deberían aparecer, dejando paso a los instintos. Nos queda el realismo.
Malick adapta una novela de James Jones (veterano de la II Guerra Mundial en Guadalcanal) de forma magistral. Veracidad histórica, realismo psicológico,... prácticamente redonda en todos los sentidos. Hace de los sentimientos personales, de las propias personas y no del propio acontecimiento bélico, el hilo conductor de la historia.
Es cierto que cuenta con un inicio demasiado pausado que, en ocasiones, pierde el pulso, que el metraje puede antojarse excesivo incluso, pero una vez terminado este, el conjunto es de gran calidad.
El sensacional reparto goza de nombres ya consagrados que rayan a un gran nivel. Sean Penn, Nick Nolte, George Clooney, John Cusack, Adrien Brody o Woody Harrelson y un gran Elias Koteas. De todos ellos (además de Koteas) destacan Nick Nolte, en un papel en el que sería fácil caer en el histrionismo y un pensativo Sean Penn.
La fotografía es excepcional. Nos presenta a la naturaleza casi como a un ser con vida propia (¿qué es sino?) con tomas y diversos travellings de gran belleza. Pausada y contemplativa. Pero, conforme avanzan los minutos nos encontramos con que, hasta a la más remota y hermosa isla, el hombre es capaz de llevar la destrucción. Así pues, las escenas bélicas (que las hay) no desentonan en absoluto pero no son protagonistas.
Destacar, también, la partitura de Hans Zimmer.

Concluyendo, una verdadera lástima el daño que le hizo la cinta de Spielberg a la que aquí nos atañe. Verdadera (aunque previsible) injusticia la de la Academia.
Como muchos habéis dicho antes, "el tiempo la colocará en su justo lugar".

Snyper

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Más de 25 años después, ahí sigue. Aguantando el paso del tiempo y diversas remasterizaciones y versiones alternativas. Clásico y, a mi juicio, obra culmen de la ciencia ficción, aunque con evidentes reminiscencias al cine negro (he de reconocer que sin esa voz en off luce mejor).
La atrayente, recargada y oscura atmósfera del Los Ángeles del año 2019, te atrapa en ese halo de misterio y misticismo que envuelve toda la película hasta que, cuando te quieres dar cuenta, asistes a ese gran final. Hay que señalar que la esforzada fotografía y la partitura del griego Vangelis, que queda en la mente como grabada a fuego, son claves en este aspecto.
Las interpretaciones cumplen sobradamente, e incluso sobrepasan ampliamente la media. Destacar especialmente a un gran Rutger Hauer (y esa escena tan especial que no voy a detallar), protagonista en la sombra y capaz de transmitir tanto con una simple mirada. El amigo Harrison Ford solía renegar de esta película y no hablaba maravillas precisamente pero, pese a todo, no molesta en absoluto.
No es un film concebido con la mera idea de entretenernos con un sinfín de efectos especiales durante dos horas (quizá buena culpa de esto sea de su procedencia literaria), sino que busca y consigue algo más. Mediante un profundo uso de metáforas, simbología y recursos visuales, nos lleva a replantearnos todas nuestras dudas existenciales y se presta a la interpretación propia de cada uno. Por descontado, es lo mejor en la filmografía de Ridley Scott, aunque las ideas principales del guión quizá habrían podido desarrollarse algo más.
Sin duda, el tiempo seguirá alimentando su leyenda.
Conste que, como alguien apunta antes, no es fácil revisar una película para la que, a fecha de hoy, hay más de 150 críticas.

Snyper

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Pese a todo lo que se ha hablado del complicado argumento de esta película, no es más que una serie de ensoñaciones y divagaciones oníricas que acontecen a dos personajes. Beat Takeshi, un actor de reconocido prestigio, y el Señor Kitano, que pasa su vida presentándose a castings de segunda y apenas es capaz de conseguir un papel. Partiendo de esta base y del encuentro entre ambos, Takeshi Kitano (quien interpreta a los dos protagonistas además de dirigir) comienza a plantear los sueños de Beat Takeshi acerca del Sr. Kitano, del otro acerca del uno, del uno acerca de lo que el otro sueña sobre él y llega un momento en el que, si no se está con los cinco sentidos puestos en el visionado, es muy fácil perderse.
Como es típico en el director nipón, el guión y el montaje son de calidad, pero adolecen de falta de ritmo en diversos momentos y de ciertos pasajes, a mi gusto, un tanto ridículos. A esto tampoco ayudan los números musicales que se localizan alrededor de la mitad de la película.
En efecto, puede que parezca demasiado enrevesado, pero Kitano utiliza este guión para reírse de todo y de todos, especialmente de sí mismo. Parodia las películas yakuza tan presentes en su filmografía y, en general, a él como cineasta y persona.
Así que, sopesando los pros y los contras, es una de esas películas que te encantan u odias con todas tus ganas. Sólo recomendable para quien conozca bastante bien su filmografía o sea admirador del director japonés.

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Una de las primeras escenas de yakuzas (la de Beat apuntándose con un rival, que se salda con un tiroteo) y la de la playa, son simplemente magistrales. También es destacable el paseo en taxi, llevaba tiempo sin reírme así.

Snyper

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