Tuve la suerte de descubrir hace no muchos años la literatura de Cormac McCarthy, alguien a quien guardaré eterno agradecimiento me recomendó y prestó “La carretera”. Me fascinó esta novela de principio a fin. Recuerdo que comencé su lectura una tarde lluviosa, apagada e invernal de domingo, la inmejorable narración del autor me prohibía concebir descanso a los ojos. Mientras no se me acabara la narración podía estar tranquilo, lo único que me preocupaba era disfrutar de la literatura de este enigmático escritor. Todo lo bueno se acaba, y tras una semana de intensa (pero tranquila) lectura, la totalidad de las hojas del libro se desvanecieron en el profundo recuerdo. Siempre quedará hueco en mi memoria para la desasosegante y conmovedora aventura.
La trama transcurre en un terreno baldío, un páramo carbonizado que es lo único que queda de lo que alguna vez fue Norteamérica. Ya no existe más vida sobre la tierra que la humana y los hombres se comen los unos a los otros. Un padre y su hijo recorren este mundo apocalíptico sin saber cuál es su destino.
Ni que decir tiene que, tras esta espléndida novela conseguí hacerme con más títulos del mismo autor como “No es país para viejos” o “Meridiano de sangre”. Esta última novela, sirvió de inspiración para el primer film de John Hillcoat ("La propuesta"), un western ambientado en la Australia de finales de siglo XIX, en el que explora el lado más violento e inmoral del ser humano. Hillcoat un enamorado de la literatura de McCarthy, ha realizado una notable adaptación cinematográfica de “La carretera”, lo ha hecho desde el reverencial respeto al texto literario intentando captar en imágenes la atmósfera y sensaciones de la novela. Ha sabido desarrollar la historia con una estética lúgubre y angustiosa que trasmite el sufrimiento de sus personajes. Los protagonista interpretados por Viggo Mortensen y Kodi Smit-McPhee, hacen gala de una enorme complicidad y realizan una actuación sobresaliente, tanto por su credibilidad como por la emotiva historia que trasmiten. Personajes más secundarios, interpretados por Charlize Theron y Robert Duvall, cumplen con creces su papel dentro de la sombría ficción. La fotografía, a cargo de Javier Aguirresarobe, recrea un mundo apocalíptico a la perfección, muestra un entorno perpetuamente grisáceo que trasmite desesperación y muerte por igual.
Notable adaptación cinematográfica de “The road”, que destaca por la fidelidad al espíritu y lirismo de la obra de McCarthy.

“Cormac McCarthy, uno de los grandes de la literatura norteamericana contemporánea.”

AndyHug

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Martyrs es un film de terror cuyo guión ha sido escrito por el propio realizador, Pascal Laugier, y empieza durante una noche en Francia en los años 70 cuando Lucie, una niña desaparecida desde hace un año, es encontrada perdida en una carretera y prácticamente catatónica y sin recordar nada. Todo resulta muy misterioso pues Lucie no muestra rastro de abusos sexuales. La niña es hospitalizada y se recupera lentamente, allí entabla amistad con otra niña que ha sufrido abusos en su familia. Años más tarde buscará venganza. Es importante para entrar en el mórvido juego del film no saber ningún dato más del argumento, ya que sino, se puede incurrir en una falsa expectación.

Más allá de la polémica provocada, Martyrs es un soplo de aire fresco en el cine actual de terror. La película comienza con unos primeros minutos demoledores que mantiene durante la primera hora de metraje, a partir de ahí, llega la parte más discutible y pesada del film. Cuando este pequeño paréntesis de monotonía “hostelniana” como único estímulo llega a su punto cumbre, comienza un perturbado y fascinante final que justifica en parte la violencia explícita del film.
En lo que se refiere al apartado técnico destaca sobretodo el realismo de las escenas violentas, ayudadas por las buenas interpretaciones de las protagonistas y por su excelente maquillaje. La banda sonora es correcta a lo largo del film, con mayor importancia durante el final.

Es evidente que el director francés, Pascal Laugier, quería ganar algo de protagonismo con “Martyrs”, sobretodo después de su desapercibida ópera prima “El internado”. La polémica surgida con la película es su única base publicitaria, y quizás, más efectiva que la habitual. Aún con toda esta parafernalia, el director sabía que iba a tener numerosos detractores que la tachan de demasiado violenta o de incoherencia en el guión.
Esta arriesgada producción europea es un caso claro de remake no realizable, por el mero hecho de que en Hollywood no se atreverían con algo de este calibre, tan poco comercial y tan poco, dada su conservadora ideología, moral. Se puede clasificar como una cinta de terror transgresora, hecha para provocar y polemizar, una auténtica experiencia demoledora.
Hacía tiempo que una película no me hacía sentir esa sensación de constantes escalofríos en el cuerpo, de escepticismo y repulsión hacia lo que estaba viendo. Al final del film, la impresión retenida es que por fin termina “el suplicio”, y que acabas de ver algo enfermizo, inmundo, reflexivo y cuanto menos diferente, aunque en realidad no termine de serlo…

Una valiente propuesta realizada por un director del que no esperaba nada (después de ver su mediocre primera obra), y del que espero, no defraude con el remake de “Hellraiser” que tiene entre manos, con la inestimable ayuda de su creador Clive Barker.

AndyHug

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Como en apenas seis minutos y de manera irreprochable se puede transmitir una sátira tan oscura como acogedora de una sociedad, no tan dispar, a la actual. Nunca dejará de sorprenderme la magia del cine como medio de expresión del individuo. Gracias a historias como esta, contada de esta manera tan básica (en cuanto a medios se refiere) y a la vez tan compleja en reflexión, el séptimo arte esta abierto a toda persona ávida de conocimiento y/o complacencia.

Con un fugaz sueño metafórico de felicidad comienza esta magistral obra de Mark Osborne. “More” nos transmite la historia de un personaje encarcelado en una vida monótona sin ambiciones, sin color. Día tras día trabajando en su deshumanizada cadena de montaje. Su única vía de escape son sus fantasías oníricas de felicidad, unos niños jugando en un parque, que podrían ser recuerdos de su propia infancia. Vemos una sociedad en la que lo verificable ha sido substituido por lo imaginado y el mundo por su reflejo operacional. Durante las noches, nuestro humilde protagonista, desarrolla sus propios inventos en contraposición a los cánones de su comunidad, creándose así una manera de dar significado a su mundo interior y evadirse del infierno conformista en el que subsiste.

El poder de una banda sonora queda representado en la melodía de “More”. La compenetración de acción y sonido es inmejorable, su tonalidad ascendente produce una sensación de atracción hacia la historia que te absorbe por completo. Es un hermoso leitmotiv que se repite a lo largo de todo el cortometraje. Los acordes pertenecen a el clásico: "Elegia" de New Order. Lo dicho, me rindo ante tanta concordancia imagen-sonido-acción.
Estamos ante una obra maestra del Stop Motion (con plastilina, Claymation) se mire por donde se mire. Con cada visionado se gana en admiración por “More”, por el mundo del cortometraje y por el séptimo arte como expresión universal.

"Entre los seres humanos existe un tipo de intercambio que no proviene del conocimiento, y ni siquiera de la carencia de conocimiento, sino de la nula aspiración al saber.”
J.K. Galbraith (The Great Crash, 1929).

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“Cuando nada se hace realidad, la realidad se convierte en nada.” De esta premisa se podría calificar el desenlace del cortometraje.

AndyHug

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Tras sus dos películas juntos, “El mito de Bourne” y “El ultimátum de Bourne”. El director Paul Greengrass regresa al cine de acción junto con el actor Matt Damon en una película que parece tener el mismo patrón, un soldado va en contra del sistema buscando descubrir una verdad. Pero a pesar de la evidente intención comercial de vender “Green Zone” a través del recuerdo de la gran trilogía de Bourne (y de la facilidad que ello supone), los dos proyectos presentan enormes diferencias temáticas, de estilo y de propósito. Bourne era puro cine de entretenimiento, estilizado y notablemente bien hecho. “Green Zone” es una película que es movida por secuencias de acción rodadas con la intención de resultar verosímiles, con personajes realistas y con un guión que contiene un gran elemento político y de crítica a las motivaciones de la guerra de Irak. Si bien es cierto que las implicaciones del gobierno estadounidense nunca son desarrolladas todo lo que se podría y quedan demasiado abarcadas en un único personaje interpretado por Greg Kinnear. Esta película tiene una intención de denuncia y para ello, emplea aspectos formales del cine de entretenimiento, pero no al revés. Pero si en algo peca el buen guión de Brian Helgeland es de obviedad en varios aspectos. Hoy en día es fácil intuir la verdad sobre las armas de destrucción masiva con lo que resulta evidente hacia dónde se dirige la trama, de hecho ésta es en varios puntos demasiado previsible, llegando hasta un final de redención puramente americanizado.
Se podría considerar a “Green Zone” como una película políticamente incorrecta, en contraposición con la vencedora de los Oscar 2010. No digo con esto que “The Hurt Locker” sea peor film. Pero una gran pregunta se esboza en mi mente: ¿Qué hubiese pasado si “The Hurt Locker” tratara el tema de las (desaparecidas) armas de destrucción masiva, y la burocracia falseada siempre por los Estados Unidos mediante sus medios informativos? Pues lo más seguro es que, el oscar a mejor película se lo hubiese llevado "Avatar".

El estadounidense medio de hoy en día es crítico con las guerras en concreto, no con la trayectoria imperialista de su país. Como cualquier imperio a lo largo de la Historia, este llegará a su fin. Ya se han curtido en todo tipo batallas desde final de la Primera Guerra Mundial, cuando Estados Unidos se convirtió en el primer banquero y productor industrial del mundo. Más tarde vendrían la Segunda Guerra Mundial con el absoluto consentimiento de su población, seguida de la impopular incursión en Vietnam.

(Sigue en spolier sin desvelar detalles del argumento)

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Con la Guerra Fría terminada, a la primera guerra de Irak y la intervención en los Balcanes les siguieron Afganistán y de nuevo Irak. La siguiente podría ser Irán, una renaciente Rusia y una obstinada China (por no mencionar a los ya familiares comunistas cubanos y a los nuevos antagonistas como Chávez). Por si acaso, la patria estadounidense se sigue armando como la que más (gracias en parte a los altos impuestos militares tolerados por su heterogénea población) y los republicanos ya se están preparando para recuperar el poder político en 2012 con un programa plenamente belicoso…

La Historia lo ha demostrado: por invencible que parezca una fortificación o por letal que resulte un arma, siempre se hallará el modo de neutralizar sus efectos. El sueño humano de la seguridad total es técnica y filosóficamente imposible.
Es inútil negarlo. La guerra es nuestro pasado. Y hay serias dudas de no forme parte de nuestro futuro.


Con 14 orificios de metralla en el cuerpo, el alemán Ernst Jünger escribe en 1920: “El horizonte de las trincheras es estrecho. Su alcance no es mayor que el de una granada de mano; lo que uno ve allí se le queda bien grabado. Contra ese fondo horrible se yergue el soldado, el hombre sencillo y mínimo sobre el cual gravitan el peso y el destino del mundo.”
“Del barro y la sangre; del dolor, de la desesperación, los gritos y la muerte. Del tedio. Jamás la gloria.”

AndyHug

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Gastos en maquillaje y vestuario: 1.000$.

Gastos en efectos especiales: 500$.

Gastos en sueldos de guionistas: 30$.

Gastos en clases de técnicas dramáticas para Arnold: 0$.

Gastos en esteroides para Arnold: 1.000.000$.

No saber que existen películas tan malas como esta: NO TIENE PRECIO.

AndyHug

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