Se trata de una película que podíamos calificar de preciosa, una delicia de animación, con unos dibujos que sin llegar a parecerse completamente a los de Disney, si guardan cierto parecido pero conservando a la vez ciertas peculiaridades y características de los diseños antiguos de Disney. Pero por supuesto con un toque particular. Sin ser excesivamente realistas son muy bellos y tanto los escenarios de la Bretaña como de París están muy conseguidos. Están llenos de luz y color, algo que parece muy adecuado para el público infantil.

En cuanto a la historia y los personajes, no es que brillen por su originalidad, pero en este tipo de películas dirigidas a los más pequeños, no es eso quizá lo más importante, si no como se presenta. La idea de inculcar a los pequeños que deben seguir sus sueños como ser no es nada nueva. Pero en este caso se presenta además otro lado de la historia, el lado difícil y a la vez oscuro. El sacrificio, el duro trabajo, la competencia, la envidia, y las consecuencias de la no dedicación a lo que realmente queremos conseguir. Así como la parte moral, de pese a todo, lo bueno y lo malo, no dejar de ser uno mismo.

Respecto a la música, no se trata de una película musical al estilo Disney, pero por supuesto y más tratando el tema del Ballet, está muy presente y con estilo variado. Así escucharemos desde piezas clásicas como "El lago de los cisnes" o el "Cascanueces" de Tchaikovsky, también escucharemos música folclórica celto-bretona, o canciones más modernas.

Una vez que ves esta película el hecho de que merezca una nominación a los Oscar queda bastante claro, así como que fuera nominada a los Globos de Oro. En primer lugar es una película realizada en stop motion, con lo que eso significa, todo sabemos de lo meritorio de esta técnica en una época, como la actual, donde mandan las herramientas digitales. Y además es de una gran calidad, parece asombroso poder apreciar incluso la textura de la ropa de los personajes, alucinante.

Por otro lado, aunque los personajes no siguen una imagen de realismo, no dejan de ser encantadores, con una estética divertida y colorida a la vez que resulta muy agradable de ver.

Además de la gran calidad artística, su fuerte es la temática. Atreverse con un tema así de duro, delicado, y comprometido; y presentarlo de una forma tan tierna, y divertida a la vez. Porque si, la película también tiene sus chistes, los protagonistas son niños claro. El caso es que lo han hecho maravillosamente y han obtenido un resultado maravilloso, sin tener que acudir a clichés, ni lágrimas fáciles, etc. Bravo

Es cierto que el filme está basado en una serie frívola y superficial donde el gancho era exhibir lo esculturales cuerpos de sus protagonistas, pero detrás de eso había algo más. Como mínimo hay que concederle que la serie sabía lo que ofrecía y no ofendía a nadie, era muy blanca para la manera en que estaba sexualizada, tenía las típicas tramas de amor y había espíritu de equipo y lealtad entre los personajes, por supuesto además de tramas rocambolescas sacadas de algún descarte de El Equipo A y unos rescates espectaculares que te hacían mirar al socorrista de la piscina de tu barrio con admiración esperando secretamente que alguien se ahogara para presenciar un gran salvamiento. Pero no chistes de pedos, tetas y culos y unos protagonistas que apenas saben vocalizar.

En la cinta de Seth Gordon se recurre al humor más burdo para idiotizar a sus protagonistas y con ellos al espectador. Lo que podría haberse mejorado o simplemente rescatado se ha perdido. El director de "Como acabar con tu jefe" y "Por la cara" ha decidido recuperar el humor burdo de aquéllas pero sin su mala leche ni originalidad.

El remake además intenta recuperar a los protagonistas originales de la cinta, un Mitch Buchannon que ahora es The Rock (atentos al escalofriante cameo de David Hasselhoff), un Matt Brody que ahora es Zac Efron (bueno más bien emula a Ryan Lochte, el nadador olímpico envuelto en un escándalo de robos y fiestas en Río ) y una Stephanie Holden (¿os acordáis?, la chica un poco más normalita y con cerebro que estaba enamorada de Mitch) ahora cubre la cuota racial y es la espectacular Ilfenesh Hadera, de la que al menos han respetado la profesionalidad e inteligencia, lástima que su papel sea el que menos relevancia tiene. Y por supuesto CJ Parker, el papel que lanzó a la fama a la mítica Pamela Anderson ahora es Kelly Rohrbach, en la que destaco como mejor adaptación del personaje original a la película, una chica que es consciente de su aspecto pero que resulta simpática.

En esta película por supuesto todos son más guapos, más racialmente equilibrados, hay algún atisbo de intentar acercarse al feminismo, como cuando esa villana interpretada por Pryanka Chopra dice algo como “Si fuera un hombre, creerías que soy un genio” o algún intento de reivindicar que los personajes femeninos además de hacer botar sus pechos también tienen algo de cerebro, aunque con flojos resultados.

Aunque cosa es peor para ellos. Los personajes masculinos de la película dan auténtica pena dividiendo a los hombres entre los que tienen buen físico y estupidez congénita, y los que son feos pero les dejamos que sean de nuestra pandilla porque entienden de ordenadores y podemos reírnos un poquito de ellos, de paso. Qué lástima que el prometedor actor Jon Bass, que brilló en pequeños papeles en "Girls" o "The Newsroom", y más recientemente en esa maravilla que es “Loving”, haya terminado haciendo esto.

Lo que más molesta de esta producción es que se permita mirar al original por encima del hombro y se haya cargado el espíritu de aquello que está intentando imitar.

En fin, hace calor. Si os apetece refrescaros en estos días de verano y alegraros la vista con el atractivo reparto de la película, es toda vuestra. Eso sí, apagad el cerebro y dejaros en casa cualquier tipo de exigencia.

Álex de la Iglesia nos presenta un thriller que saca a la luz la verdadera alma del ser humano en situaciones límite. Este es el eje principal de la película, la cual comienza con bastantes toques cómicos a través de los diálogos de los personajes, pero que conforme avanza la cinta terminan perdiéndose y dejando una trama llena de oscuridad y seriedad que nos hace plantearnos cuales son nuestros propios límites.

La gran variedad de personajes y personalidades que estos tienen, hace que el público pueda conectar con cualquiera de ellos, dependiendo de las situaciones personales. Todos tenemos una forma de actuar ante el miedo, y cuando nuestra vida está en juego el ser humano es egoísta e intenta mirar únicamente por su propio bien. Sin embargo, hay veces que para sobrevivir hay que echarlo a suertes, y es ahí donde aparecen las desigualdades y los prejuicios hacia las otras personas que creíamos no tener. El bar casi parece unos Juegos del Hambre, una búsqueda de la supervivencia propia frente a gente desconocida que tiene el mismo objetivo que tú.

Está claro que el pánico que cundió el año pasado con el virus del ébola ha influido en la película. Además, no se pasa por alto criticar el papel de los medios de comunicación en casos como este.

Jaime Ordóñez destaca por encima de todos con el papel de Israel. Jaime personifica la locura de la situación, la desesperación, el desprecio e incluso la marginación de su propio personaje. Es el personaje que termina eclipsando a todos los demás y si bien termina desagradando al público por su forma de actuar ante la situación, no deja de ser el personaje mejor creado de todos.

Gran parte de la película transcurre en ese único escenario que es el bar, pero conforme los hechos pasan a peor, el escenario cambia a uno más oscuro y lúgubre que parece que va acorde a la trama. La dirección de Álex destaca con un manejo de la cámara que transmite mucho más de lo que parece. En este caso no es solo un seguimiento de los personajes, sino que los planos también añaden tensión a la escena. Por supuesto, todo esto no podría funcionar si no fuese por el trabajo de sonido y música, el cual también se nota.

Álex de la Iglesia ha destapado la realidad del ser humano y ha mostrado su lado más cruel en una situación de supervivencia. Miedo, temor, desesperación y prejuicios son los encargados de llevar al límite a todos los clientes del bar, quienes solo velarán por sus propios futuros.

Los Pitufos: La aldea escondida da una lección de animación a todos los estudios. Se asemeja a El viaje de Arlo con la magia que transmite las paletas de colores utilizadas, pero el efecto se eleva a la enésima potencia. El resultado: un festín de sensaciones desde que cruzan el gran muro que los separa del Bosque prohibido.

Si hay algo destacable y necesario en los tiempos que corren es el mensaje que envía el personaje de Pitufina. Tendemos a estar tan condicionados por lo que otra gente piensa y dice de nosotros, que a veces nos cuestionamos a nosotros mismos para qué valemos o por qué no acabamos de encajar. Todo el viaje que realizan los cuatro pitufos para buscar un lugar en que Pitufina se sienta comprendida nos enseña a aceptarnos tal y como somos.

Los Pitufos: la aldea escondida es una película para niños y así ha de ser valorada. Si bien es cierto que muchos gags cómicos no provocan ni una sonrisa a los mayores de doce años, las aventuras por las que pasan los cuatro seres entretienen y hacen que la hora y media que dura parezca apenas media hora.