Críticas De: Cinefilico

Nada más que en Europa se podría dirigir esta película y no parecer una superproducción fallida.

Los hombres que no amaban a las mujeres es una película fría y distante, igual que el libro de Larsson, cuyos personajes apenas muestran sus sentimientos e inquietudes, como si vivieran en alguna dimensión distinta a la nuestra dentro del mismo universo.

Oplev ha sabido captar bastante bien, la esencia del libro, que es una crítica a la sociedad sueca, y hacerla universal de forma que lo que ocurre en Estocolmo y Hedestad, bien podía ser Madrid y Arosa (Galicia) o Londres y Jersey.

El director y los guionistas han sido bastante inteligentes a la hora de quitar paja al libro siendo toda la película bastante fiel a la novela de Larsson, lo que es de agradecer. Además Oplev no cae en continuos flashback (la película se podría haber hecho a base de ellos), y los que utiliza son, su mayoría, de apenas unos segundos lo que le da vitalidad a la película.

Es de agradecer también el soberbio trabajo de Noomi Rapace creando una Lisbeth Salander oscura y fría pero muy humana, toda una heroína, cual Juana de Arco del siglo XXI. Michael Nyqvist, que hace de Blomkvist está tal vez un poco sobreactuado pero no deja de ser una buena actuación.

Mención aparte merece el danés Jacob Groth, que realiza una banda sonora terrorífica y que te mantiene en tensión en todo momento. También debo destacar la labor de la dirección artística.

Como ya dije al principio, creo que está película solo podría rodarse en Europa...

La pedantería más vomitiva y el más odioso macarrismo se unen en esta película imposible sobre el amor adolescente.

Con la mayor cantidad de clichés por minuto que puedan contarse, Fernando González Molina, aquel que ya demostró sus grandísimas dotes para la dirección (nótese la ironía) en Fuga de cerebros, nos cuenta una historia, que cae por su propio peso, que no tiene ni pies ni cabeza, y que, bajo ningún concepto es posible creerse un ápice de esa sarta de diálogos sin sentido que algunos se atreven a llamar guión.

Mario Casas, es, o mejor dicho, se hace (porque cuidado, era un chico de matriculas de honor) un macarrilla por diversos motivos familiares. Entonces, tras salir de un juicio en el que se le condena a pagar una multa por una agresión, coge su moto y sale a correr por las calles de Barcelona hasta que ve a una chica en un coche a la que llama fea. En ese momento, al muchacho se le va el cabreo y se encapricha de la riquita mimada (no me pueden decir que no es bonito). Empezando el tema así, no hace falta contar más de la película para imaginarse hasta que punto llega la chulería de él o lo irritante que puede resultar las tonterías de ella.

Pero lo realmente irritante, es que María Valverde tenga que esperar a este tipo de películas para hacer una actuación decente. Posiblemente su mejor trabajo desde La flaqueza del bolchevique, una inspiradísima Valverde consigue hasta hacerte creer que puede llegar a sentir algo por semejante patán, un Mario Casas, que parece pensar que por sonreír a la cámara mientras entrecierra los ojos puede convencernos de su pésima actuación.

De todas formas, 3 Metros Sobre el Cielo si que tiene algo muy bueno, más allá del tráiler de Primos, de Daniel Sánchez Areévalo que pusieron antes de la película. Y es que es una delicia ver Nerea Camacho desbordando soltura en cada plano. Esta niña prodigio tiene una productiva carrera por delante, tiempo al tiempo.

Por lo demás, ni siquiera en las escenas más adrenalíticas del film, el director es capaz de poner un mínimo de sentimiento a la historia por lo que uno se ve en la butaca, rodeado de carpeteras con las hormonas por los aires, suspirando cada vez que alguno enseña el torso (que son muchas veces) viendo los minutos pasar hasta que llega el final de la película donde un carpetera... a no, espera... una mujer de unos treinta años se levanta y empieza a aplaudir como una posesa. Y puedo jurar delante de quién sea que esto ha pasado de verdad.

En resumen, película consumible (el director sabe que arrasará en taquilla, así que para que esforzase) y una vez consumida, apta para enterrar a 3 kilómetros bajo tierra.

Un 3.

"Kokuhaku" es una película muy estimulante visualmente, incluso hipnotizante y extrañamente hermosa. El problema es que no vale con eso y un buen final (aunque destrozado en su última frase) para considerar a una película como buena.

El mayor problema del film es que resulta tan completamente excesivo en su forma como vacío en su fondo. Lejos de indagar en las preocupaciones y actos de sus protagonistas, los personajes carecen de cualquier tipo de evolución psicológica y todo queda en una larga sucesión de imágenes de gran carga visual pero que no transmite nada más allá.

Bien es cierto, que uno se ve obligado a no despegar los ojos de la pantalla en ningún momento debido a sus imágenes, pero más allá de esto, no interesa nada de lo que ocurre, porque carece de todo sentido. Los diálogos no muestran interés por los acontecimientos y los estrambóticos personajes se pasean de aquí para allá sin ningún motivo concreto salvo el de ocupar minutos en pantalla.

Y no estoy hablando de que la historia sea o no creíble (que no lo es) sino de que la crítica social que intenta meter Tetsuya Nakahima con calzador en la película, se queda un vano intento desesperado que se hace patente cada vez que esa crítica aparece explícitamente en el film para que el espectador no olvide que intenta de todas las formas posibles ser un film serio que busca la reflexión. Aunque esa sensación de película sería que envuelve los primeros minutos, desaparece demasiado rápido.

Un 5.

Es muy de agradecer que de vez en cuando se pueda ver una película que sea sincera y que no busque artificios. Derek Cianfrance lo ha conseguido. Nos cuenta en esta Blue Valentine una historia de amor real, alejado de todas esas comedietas románticas cortadas con un mismo patrón. Lo que les ocurre a los protagonistas de Blue Valentine es la historia de un cualquiera en cualquier lugar, cuenta una historia creíble, que bien le ha podido pasar al vecino de quinto.

Cianfrance junto a Joey Curtis, Cami Delavigne ha elaborado un guión complejo, muy rico en los detalles y muy matizado en su fondo. Nos hacen saber que para ellos, estar enamorado no es una vida de color de rosa, ni que todo lo que puede ocurrir con tu pareja va a ser bonito, y que incluso, a esas parejas que desde la distancia parecen estar hechos el uno para el otro, aquellos a los que no se les puede tener nada más que envidia porque están completamente coordinados y todo lo que les rodea es perfecto... a ellos también se les puede acabar el amor, también tienen discusiones, y reconciliaciones, y luchan contra la monotonía del verse a diario, y buscan su espacio y tienen la necesidad de abandonar de vez en cuando.

La historia va dando bandazos en el tiempo, contándonos los buenos y los malos momentos de esta pareja. Cómo se conocieron, qué problemas tuvieron al principio de la relación y cómo lucharon por ella, se entremezclan con sus inquietudes actuales, cómo disfrutan de su hija o cómo luchan contra lo anodino de sus circunstancias. En este tour de force se encuentran dos jóvenes talentos, ya con grandes trabajos a sus espaldas y que se aprovechan de la fuerza de sus personajes para crear unas actuaciones memorables. La química entre Ryan Gosling y Michelle Wiliams es palpable durante toda la película. El trabajo de estos dos portentos se observa principalmente en las miradas de complicidad que se lanzan el uno al otro durante todo el film. Se nota que hay mucho trabajo en los dos actores detrás de cada escena.

Ante tanto trabajo, tan bien hecho, da pena que el esfuerzo por crear unos personajes principales muy ricos en detalles, se vea empañado por unos secundarios bastante planos y que aportan poco a la historia y un clímax que no logra despegar y se queda a medio gas.

Un 7.5

Prólogo:

Ya no recuerdo cuándo fue la primera vez que oí hablar sobre Black Swan, pero sí me quedó una cosa clara ese día; no se me podía escapar. Así que allí estaba yo, con la sala a reventar, pensando en qué es lo que creerían que iban a ver, pues indudablemente, Aronofsky no es para todos los públicos. Absorto yo en pensamientos sin importancia, resuena la música de Tchaikovsky y comienza la película, un primer minutos, que nos resume qué es lo que vamos a vivir durante las dos horas. Una cosa es prometedora, será una experiencia única.

Acto 1º: La forma

La perfección no existe, y en el hipotético caso de que por alguna extraña razón esa perfección se pudiese dar en algún momento, es única e irrepetible. Aronofsky nos cuenta la historia de una joven bailarina de ballet en una compañía en la que la solista principal acaba de jubilarse. Es necesario encontrar a una nueva solista para el estreno de temporada con El lago de los cisnes, donde la solista hará los dos papeles principales, el cisne blanco y el cisne negro. Nina, nuestra protagonista es una muchacha dulce, frágil, perfeccionista, un perfecto cisne blanco pero para el papel de cisne negro es necesario alguien visceral, que baile con el corazón y que se deje llevar por la magia del compositor ruso ¿será capaz de lograrlo? Para ello tendrá la ayuda de su protectora madre, que intenta lograr que su hija sea lo que ella no logró.

Desde luego no será un camino de rosas, ni mucho menos, y su obsesión por la perfección probablemente le acabe pasando factura. Durante este primer acto veremos a Nina luchando contra sí misma para lograr esa espontaneidad que necesita el cisne negro.

No es fácil ver una película que centrándose en el fondo cuide tan bien su forma. La fotografía de Mathew Libatique nos lleva al mundo de Nina pero desde la frialdad, jugando con luces, sombras y claro-oscuros. A la excelsa fotografía se le une un montaje dinámico, incluso mareante en ocasiones, en el mejor sentido de la palabra. Remata la faena un cuidado diseño de producción y un gran trabajo de vestuario así como de maquillaje. (sigo en spoiler sin spoilear)