Críticas de: Dick_Laurent

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Es seguro que los que entráis a leer los textos publicados en esta web no tenéis prejuicios sobre ningún tipo de cine determinado. En todo caso os gustará más un género que otro, u os sentiréis más afines a una época que a otra, pero espero que de antemano no le pongáis la etiqueta de trasnochada o aburrida a una película por haberse rodado hace sesenta años. Los que conozcáis El limpiabotas sabréis por qué lo digo, los que no, por favor, igualdad de oportunidades para todos.

Esta obra pertenece al Neorrealismo, como sabéis, un movimiento cinematográfico surgido en Italia al término de la Segunda Guerra Mundial. Este conflicto bélico arrasó gran parte de Europa, arruinando ciudades enteras. Italia fue uno de los países más afectados. No ajenos a lo que estaban viendo, varios cineastas salieron a la calle a filmar todo cuanto acontecía. Entre ellos, a destacar, Roberto Rossellini, Vittorio de Sica y Luchino Visconti.

Es posible que sean más conocidas las películas que hizo Rossellini, que se tienda a asociar el Neorrealismo italiano a su nombre. Se ha dicho de él que su cámara no filmaba historias, sino que miraba la realidad. Sus películas son un testimonio que nos sirve para entender hoy la situación que se vivió entonces. Roma ciudad abierta y Alemania año cero tienen mucho de documental, muestran unas ciudades derruidas y militarizadas, ponen énfasis en mostrar las consecuencias materiales de la guerra mediante frecuentes planos generales de situación.

En cambio, el cine de Vittorio de Sica está más humanizado. Ha tratado los temas críticos de la estructura social: el huérfano en El limpiabotas (1946), el parado en Ladrón de bicicletas (1948) y el jubilado en Umberto D. (1952). Su cine nos muestra las consecuencias de la guerra en las personas: la miseria, la desigualdad, la injusticia y la insolidaridad en las clases populares, desde una perspectiva cercana y palpable. De Sica nos hace sentir la tragedia que viven sus personajes, algo que Rossellini no consigue de la misma forma, o puede que no haya sido ese su propósito.

Hablando acerca de El limpiabotas, se trata de una película completamente moderna —fijaos en el travelling inicial—, dotada de un fresco ritmo narrativo gracias a su ágil guión (escrito por Cesare Zavattini). La música juega un papel fundamental, pues imprime una carga de emotividad a la historia que, unida a lo trágico de su argumento, nos hará pasar de la alegría a la tristeza con facilidad.

Me conmueve la bondad de los chicos y su leal amistad, me indigna la crueldad que les depara el destino. Es una película desesperanzadora, verla me provoca melancolía y tristeza. Uno se siente tan desamparado como sus protagonistas. Representa un cine comprometido, denunciador de las injusticias y la discriminación. Este poético cuento infantil es cine con mayúsculas, películas como esta ya no se hacen. Contribuirá sin duda a alimentar vuestro amor por esta afición.

El pilar fundamental sobre el que descansa la cinta es su sólido guión, que consigue interesarnos hasta el extremo por una historia mil veces vista.

En segundo lugar, el triángulo de actores realiza un trabajo perfecto. Sigo dándome cuenta de lo buen actor que es Daniel Auteuil, me da vergüenza decir que lo descubrí en Caché (2005), de Michael Haneke. A André Dussollier lo había visto en La buena boda, de Eric Rohmer, y está más que correcto. Pero, por supuesto, mención aparte para la Béart, qué mujer. Diría “sensualidad”, si tuviera que definirla en una palabra. Su personaje se muestra variable, de una insensible e inalterable gelidez, pasa a transformarse en una ardiente criatura dominada por los celos. Encantadora.

La historia, lo dicho, resulta de lo más convencional. Supongo que así es más difícil que surjan obras maestras, si se tocan temas habituales como el amor, acerca del cual parece estar todo contado. O no tiene por qué, pero en cualquier caso me parece un logro construir una obra tan brillante dado el punto de partida.

Gran trabajo en la dirección de Sautet, que hila todas las secuencias de forma magistral, para que entendamos y aprendamos el complejo proceso de la seducción, el cortejo, ese tira y afloja entre hombre y mujer, tan difícil de gestionar cuando se trata de resolver o consumar el acercamiento. Ese juego se desarrolla despacio, nos ofrece un buen puñado de magnéticos minutos.

Fascinados, desembocamos en un final intenso y extraordinario que se aleja de cualquier cosa que estuviéramos esperando. Una profundidad de personajes como ya no se ve en ninguna película del cine actual. La última película que me ha helado el corazón.

Dead Ringers, traducida en España como Inseparables, es para muchos la obra maestra de David Cronenberg. El canadiense, director de culto, realizó en la década de los 80 una serie de películas de bajo presupuesto, llegando algunas de ellas a ser consideradas clásicos del género, como La mosca.

Cronenberg se aleja esta vez de sus últimas series B, se desmarca de las etiquetas que le fueron colgadas, y firma una escalofriante radiografía acerca de las bajezas y perversiones de la mente humana. Contando esta vez con un actor de gran nivel, y rodando de una manera más clásica, más efectiva y menos efectista. El hecho de caer en menos excesos de los que nos tenía acostumbrados le ayudó a convencer a la crítica que antes le denostaba. Como os decía, el protagonista de la cinta es uno de los intérpretes más solventes del panorama actual. Jeremy Irons da vida a los gemelos, en el mejor papel que jamás se le ha visto, a mi juicio.

Ambos personajes están trabajados admirablemente por Irons, de forma que, sólo observando el gesto de su cara o su forma de andar, podemos ya identificar de qué gemelo se trata. Elliot mira fijamente y camina de forma decidida; Beverly anda siempre con la mirada perdida, y suele vacilar en sus movimientos. Irons está fantástico.

Dos cosas más destacaría en esta película: su construcción narrativa y su atmósfera.

La primera secuencia, mostrando a los gemelos en su infancia, nos prepara el cuerpo para futuros desvaríos. A continuación, Cronenberg nos muestra la exitosa trayectoria de los médicos, digamos su brillante faceta pública. Más adelante, nos insinúa un incipiente lado oscuro, que se confirma poco a poco ante nuestra atónita mirada, y que se desboca en una espiral de locura y autodestrucción.

Cada escena es desencadenante de la siguiente, el director se muestra contenido para variar, y todo acontece a su debido tiempo. El desarrollo de la trama es adecuado, con un incremento progresivo de la angustia, la tensión narrativa y el ambiente irrespirable.

En cuanto a la atmósfera de la historia, Cronenberg sabe plasmar una vez más su personal modo de filmar. Sin duda, es otro de esos cineastas con universo propio. Es meritorio esto, pues denota que su cine no pierde la esencia, a pesar de no incluir sus habituales efectos gore, como comentábamos.

Así, a lo largo de su metraje, la película va desarrollando un clima asfixiante que termina por atrapar al espectador. Animaros a pasar un rato desagradable, en el buen sentido. Os advierto que yo estuve un par de horas revolviéndome en el sillón…

La que nos ocupa no será una historia más del Bronx: esta será un clásico. Bien dirigida, bien ambientada, grandes actores, grandes canciones.

Bien dirigida por Robert de Niro, sin los titubeos y la inexperiencia que habrían de esperarse de un novato detrás de la cámara.

Potente historia de Chazz Palminteri –este tipo habría sido gángster en otra vida–, que escribió el guión basándose en su propia obra teatral.

De Niro y Palminteri dan vida a dos hombres que coexisten en el turbulento barrio de Nueva York en los años 60. Enfrentados por la educación de un joven, un hombre vive en el barrio; el otro lo posee.

Es muy interesante la invitación a que reflexionemos sobre las diferentes mentalidades de un hombre que mira por su familia por encima de todo, que huye de cualquier cosa que pueda significar un problema, y la de otro que ha vivido en la calle y que prefiere que le tengan miedo a que le quieran.

¿Es Sonny bueno o malo ? En realidad, ¿qué alternativas tiene? ¿Qué educación preferiríais recibir vosotros? Sin obviar que se trata de un criminal con pocos escrúpulos, todo lo que le dice a C. me es tan válido como las enseñanzas de su padre. En un entorno difícil, incluso más.

Pero recordad lo que dice el tío Bob: no hay nada más triste en la vida que el talento malgastado.

A la altura de sus dos últimas y aclamadas obras maestras, Un mundo perfecto es olvidada muchas veces al repasar la trayectoria de Clint, pero nos asombra cada vez que la vemos, recordándonos que este hombre lleva ya muchos años dedicado a comprometer los valores de la sociedad americana de su tiempo. Como ciudadano que ama a su pueblo, se siente obligado a denunciar lo que no le gusta.

El mejor cineasta vivo nos ofrece otra vez toneladas de cine, y un Kevin Costner sobrado, como nunca se le había visto, nos regala el mejor papel de su carrera. ¡Y pensar que Eastwood prefería a Denzel Washington! Sin ánimo de ofender a nadie, todos habríamos salido perdiendo… aunque ya sé que es muy fácil decirlo ahora.

Clint ridiculiza brillantemente el politiqueo barato existente en los estados de la América profunda, tan apartados de la mirada global y el centralismo, tan esclavos de intereses y compromisos. La secuencia de la barbacoa en mitad del bosque es tremendamente lúcida, uno no sabe si reír o llorar…

Lo que sucede con la pareja protagonista es emocionante e irónico. El destino que espera a Butch es el desagüe al que ha ido a parar su errática vida. Hace tiempo que asumió su derrota, aunque no esperaba un compañero de trayecto.

Roadmovie, drama y algunos puntos típicos de Clint encontraréis en este peliculón que consagró a Eastwood como un director capaz de bordar cualquier género.