Humor vulgar, zafio, disparatado, plagado de palabras malsonantes y... la voz de Quique San Francisco. No busques rastro de elegancia en esta película. Yo no lo hice y lo pasé bien, risas de vez en cuando, el nivel se mantiene sin altibajos importantes y las sensaciones son positivas.

El argumento se sostiene: un gallo obsesionado con la guerra, un oso polar que no evita que se profanen tumbas, una hiena en la clandestinidad, un cerdito adoptado por ovejas, el león como símbolo de opresión y un oso hormiguero, que siempre viene bien.

Y algo nuevo, la única película hecha en animación flash.

Con eso me vale, sin más pretensiones por esta vez.

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Quizá la película revela demasiado pronto, en los primeros minutos, la existencia de un fantasma, aunque su presencia es, acertadamente, intermitente, a pesar de ser el personaje que da sentido a la trama y justifica los actos de los niños, en especial al final.

El caso es que Guillermo del Toro nos atrapa en esta historia, nos inmiscuye en la vida del protagonista, un niño llamado Carlos, para descubrir el orfanato al mismo tiempo que él, puesto que su padre ha muerto en la guerra. Las enseñanzas de los profesores del orfanato (la clase de prehistoria) serán clave para la posterior organización de los niños.

Son de destacar una estética atrayente, luminosa en exteriores y sombría dentro del orfanato, junto con los planos y movimientos de cámara, transmitiendo un gran clima de inquietud y desvelo. Del Toro hace un gran trabajo técnico, de dirección artística y de dirección de los niños actores, los cuales, lejos de estar magníficos, contrastan con la terrible interpretación de Noriega, que da vida a Jacinto, el malo de la película, además de ser un singular competidor con el personaje de Federico Luppi.

La fría relación del ambicioso (¡lo que hay que hacer por conseguir una llave!) Jacinto con su novia (Irene Visedo, la hija de la familia Alcantará en la serie Cuéntame) está mal conseguida y se hace casi prescindible para el espectador.

Es un terror de suspense e intranquilidad muy bien lograda (al igual que los efectos especiales), sin apenas sustos.

Pese a la tensión permanente, el final no es redondo, pero sí coherente y conexo con diferentes escenas anteriores.

Recomendable (7.75).

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Este documental trata sobre lo fácil que puede ser engañar a un público crédulo.

Ha sido emitido en varios países durante el día de los inocentes.

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En el documental hay cosas ridículas (como las del poblado vietnamita o lo que cuenta el rabino) y testimonios de personas llamadas Jack Torrance (Nicholson en El Resplandor) o David Bowman (un personaje de 2001 Odisea En El Espacio). Son pistas para que te des cuenta de que no es un documental serio. Por si quedan dudas entre los títulos de crédito salen las tomas falsas de sus protagonistas leyendo el guión, riendo, etc.


Puedes ponérselo a tus amigos a ver quién pica y dice "¡Siempre lo supe!", como inocentada es excelente, como documental espero que no engañe a nadie, pero sí que provoca ciertas preguntas ¿se cuentan ciertas partes de la verdad auténtica? O en general, ¿hasta qué punto debemos creer lo que nos dicen?

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Martin Scorsese planeaba dedicarse al sacerdocio católico y reconoció que el protagonista de esta película, Charlie (Harvey Keitel), vendría a ser su alter ego.

“Los pecados no se redimen en la iglesia, se redimen en las calles, se redimen en casa”, éste es el pensamiento con el que Charlie sale de la Iglésia buscando imponerse su propia penitencia en las Malas Calles, especialmente responsabilizándose de su irreconducible amigo Johnny Boy (De Niro), incapaz de conseguir el dinero que debe.

Scorsese retrata perfectamente el ambiente que se respiraba en Little Italy, de hecho varias escenas se rodaron en los callejones y alrededores de su propia casa, con muchos problemas de presupuesto, solventados en parte por el bolsillo de Francis Ford Coppola, que pagó la procesión tradicional de San Gennaro.

De Niro tiene un carisma especial en su papel de pillo que sólo vive el presente, aunque al final no alcanza el dramatismo pretendido. Charlie es quien lleva el peso de la historia, espabilado a la vez que atormentado por sus dilemas morales y por sus perspectivas de futuro. Quizá Keitel estaría perfecto si no tuviera tanto protagonismo, o quizá estoy acostumbrado a que me deje con ganas de más en otras de sus películas en las que aparece estelarmente.

Malas Calles muestra las obsesiones fundamentales de la cinematografía de Scorsese, apoyándose en una cámara inquieta y en muchas situaciones entre divertidas y ridículas, a base de diálogos redundantes y la tensión de peleas inminentes, con las que nos hacemos una idea de cómo era el día a día de estos buscavidas, sin que más allá de eso se cuente una gran historia. Es este pobre argumento lo que me impide darle una nota mayor (6,4).

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Un joven de 24 años llamado Orson Welles, con gran éxito en el mundo del teatro y la radio, carga con el peso de la muchas veces considerada mejor película de la Historia, dirigiendo y protagonizando Ciudadano Kane.

Atrevida y provocadora política y socialmente, tanto para su época como para la actual, ya que el personaje de Kane está basado directamente en William Randolph Hearst, dueño del mayor monopolio periodístico de EEUU e inventor de la prensa amarilla: su ansia por vender periódicos era tal que provocó en gran medida la Guerra de Cuba de 1898, su campaña mediática logró convencer a los estadounidenses de la culpabilidad española en el hundimiento del Maine. Al día siguiente de la explosión del Maine los periódicos de Hearst señalaron a España como enemigo sin investigación previa, sólo por sensacionalismo, demostrando que la prensa podía ser el cuarto poder. Gracias a su influencia muchas grandes salas de cine se negaron a emitir Ciudadano Kane.

La película comienza con la muerte de Kane en su monumental palacio. En el instante antes de morir pronuncia una enigmática palabra: Rosebud. Durante la semana siguiente un grupo de reporteros prepara un documental sobre la vida de Kane y, para llegar más allá, se proponen descubrir el significado de Rosebud, pues lo consideran el anhelo más íntimo de un hombre tan poderoso. Para su investigación se entrevista a la gente más cercana al magnate de la prensa, sirviéndose de flashbacks para contar pequeños episodios desfragmentados de sus 75 años de vida. Welles interpreta a Kane desde su juventud hasta su muerte, con un maquillaje que hace creíble el paso del tiempo.

Los diálogos son notables y la última escena, todo lo que Rosebud simboliza, da para escribir páginas y páginas sobre existencialismo, esencia de la felicidad, nostalgia, sencillez VS ambición y aterradora conciencia oculta tras el éxito.

Al ser novato, y gracias a la inusual libertad de creación que le ofreció la RKO, Welles quiso experimentar todos los recursos posibles para rodar una película. Lo consiguió, hasta el punto de que su dirección se convirtió en un gran legado para el estudio de realización cinematográfica. Las claves de su vanguardia formal, prodigio de técnica y narrativa, son:

* Uso del documental dentro de la misma película, rayando y decolorando esa parte del metraje para darle aspecto antiguo.

* Se dice que Welles es el creador del flashback en el cine.

(sigue en spoiler, no cuento nada)

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* Magistral composición de los planos. Utiliza desde planos generales a planos detalle. Welles estaba convencido de que la posición de la cámara debía ser la de mayor incomodidad. Estos originales encuadres obligaron a introducir techos en los decorados, contra la práctica habitual de aquellos años.

* Uso del gran angular, un objetivo que, gracias a su ángulo de visión mayor que el de la visión humana, permite abarcar mayor porción de escena desde distancia corta. A Kane se le suele filmar en contrapicado para revelar su grandiosidad.

* Juegos de perspectivas y profundidad de campo. El objetivo de cámara clásico enfoca sucesivamente diferentes lugares del plano. Welles enfoca al mismo tiempo y con igual nitidez todo el campo visual (plano corto, medio y largo), otorgando al espectador autonomía para pasear sus ojos por la pantalla.

* Travellings imposibles con espectaculares movimientos de grúa.

* Metáforas visuales (la bombilla que parpadea hasta apagarse simboliza a la mujer de Kane).

* Y muchos más aspectos técnicos como los juegos de luces y sombras, el montaje, fundido encadenado (transición de un plano a otro mediante la fusión gradual de ambos), etc.

Todo esto no lo inventó Orson Welles, su mérito es haber sumado y explotado estos recursos que hasta entonces se utilizaban puntualmente.

Hay que destacar también el debut del genial compositor Bernard Herrmann, conocido por la música de muchas grandes obras de Hitchcock, Taxi Driver, el silbido de Kill Bill, etc.

Hoy por hoy, Ciudadano Kane no se encuentra entre mis 100 películas favoritas, pero es justo que esté entre las fundamentales de la historia del cine, da lugar a mucho estudio, análisis y comentario. Volvería a verla ahora mismo, repetidas veces.

Orson Welles estuvo casado con Rita Hayworth, mito erótico de Hollywood gracias a Gilda. Juntos protagonizan otra de sus mejores películas: La Dama De Shanghai. Sus cenizas descansan en Málaga porque era amigo de Antonio Ordóñez (padre de Carmina). Empiezo hablando de prensa amarilla y acabo con la rosa...

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