Dos reflexiones por delante: 1) es, sin duda alguna, una de las obras más difíciles, complejas, arriesgadas e importantes que haya hecho el cine desde los 70; 2) es también, sin duda alguna, la más importante y determinante película en la carrera de Coppola, y no hablo de si es la mejor (ahí está la intocable perfección de las dos primeras partes de "El padrino"), sino que solo por la implicación personal y casi lunática del director en el proyecto (dos años de rodaje en Filipinas en condiciones terribles, los problemas de producción y económicos...) merece tal mención. "Apocalypse now" vale por toda una carrera dadas sus tremendas coordenadas.
Inspirado por la novela de Joseph Conrad, "El corazón de las tinieblas", Coppola y Milius idearon el denso, tremendo y soberbio guión de la película, trasladando lo que en el libro era la atracción de un marinero hacia el hombre que debe asesinar, a la guerra del Vietnam. A partir de aquí nos sumergimos en una insuperable atmósfera, recorrida por un aliento místico/filosófico que la hacen aún más ser una obra única.
La película tiene un arranque arrebatador, enigmático, del todo fascinante y maravilloso: la imagen superpuesta del sufrido y pensativo rostro de Sheen con el zumbido adormecedor y a la vez pesadillesco de los helicópteros (jamás en una película se han empleado tan bien los helicópteros) que acaba en una explosión de fuego en la selva.
Coppola plantea la guerra de dos seres humanos contra sí mismos y su interior, algo mucho más dañino, inolvidable y obsesionante que matar a uno o doscientos charlies. Esa subida por el río es la más clara bajada a los infiernos.
Obra llena de memorables secuencias (el inicio, todo lo relevante al sonido de los helicópteros, la alucinante batalla dónde se usa napalm con el atípico capitán Duvall al mando, con dos soldados surfeando mientras caen las bombas a su lado y un cámara de televisión lo rueda todo "in situ", la música de Wagner, la llegada a la guarida de Kurtz...) hace que junto a su irrechazable, maravillosa y alucinante atmósfera sea un espectáculo grandioso, operístico, que transmite además una magistral sensación de irrealidad dentro de tan real y plausible pesadilla. Pese a ser una película indiscutiblemente bélica tiene tal complejidad que es tanto un thriller atípico como un drama filosófico/psicológico y, por supuesto, una obra maestra del cine de terror, pues es la exposición más impresionante que en muchos años se haya hecho de eso que podríamos llamar horror - los últimos 30 minutos me superan -.
Obra maestra, pues, hasta lo indecible, dotada de una fotografía alucinante y sublime de Storaro y una música de Carmine Coppola y el propio director que se solapan y armonizan con el resto de manera fabulosa, es, debo decirlo, una obra de arte escalofriante, sobrecogedora, maravillosa, quizás perfecta. Amo esta película.

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Al capitán Willard (soberbio Sheen) le hacen el encargo de asesinar al coronel Kurtz (soberano y sobrecogedor Brando), que se ha desquiciado y está obsesionado con el mal. Una pequeña patrulla del ejército embarcará al capitán Willard y lo irán conduciendo río arriba hasta la apocalíptica, terrible y sórdida guarida del coronel Kurtz.
Así empezamos la aventura interior de Willard, un hombre harto de la maldita guerra y al que para más inri le han encargado una misión dolorosísima como es asesinar a un compatriota. Willard, a medida que va investigando y recibiendo información sobre Kurtz siente hacia él una obsesionante atracción/repulsión, cariño/odio, fascinación/repugancia que imprime a la película una ambiguedad fabulosa enriquecida por un hálito reflexivo de sesgo moral y filosófico que la hacen un film irrepetible. Cuando Willard llega a la guarida de Kurtz y ve allí el apocalíptico espectáculo montado y la indescriptible idolatría que propugnan los indígenas reclutados en ese lugar hacia el ya mítico y terrible Kurtz, cree haber llegado, efectivamente, al fin del mundo, cree haberse topado con el mismísimo infierno, con una guerra más cruenta, indescifrable y siniestra que la que le tiene absolutamente agotado y harto.

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La historia real de Alvin Straight, un anciano de 73 años, que decide recorrer en su pequeña segadora los más de 400 kilómetros que le separan de su hermano enfermo, con quien no se habla desde hace diez años.
Con semejante y apabullante sencillez, David Lynch logra una obra maestra indiscutible, un film literalmente maravilloso y perfecto, que además no tiene absolutamente nada que ver con su cine previo (a veces brillante, otras irregular, siempre regado por una atmósfera perversa, malsana, inquietante), lo que la hacen ser todavía más, una obra de arte para la Historia del Cine.
"The Straight Story" es una impagable, conmovedora, profunda pausa en la prisa alocada que nos circunda; una grandiosa pequeñez en la absurda e inservible grandiosidad que nos rodea; una enorme gota de agua entre el desierto de falsedades y cosas prescindibles de este mundo; un huracán de lo que es la vida, el perdón, el orgullo, la personalidad, el sentido final de vivir y existir, la sensación de haber vivido.
Con una puesta en escena verdaderamente maravillosa, de un clasicismo torrencial y perfecto con el que Lynch se consagra eternamente, y un guión soberano, sensacional, de Mary Sweeny y John Roach, hay 2 elementos que la hacen ser definitivamente imprescindible: la extraordinaria, serenísim, grandiosa interpretación minimalista de un Richard Farsworth en estado de gracia; y la emocionante, memorable música de Angelo Badalamenti.
Son las dos guindas a una obra maestra, a una obra de arte, a un regalo para poder seguir abriendo los ojos y mirando, sintiendo, auscultando nuestra vida, nuestros corazones. Gracias, David.

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Una gran película mexicana multipremiada que narra tres historias distintas que coinciden en un trágico punto en común en un momento dado: la primera se centra en las peleas ilegales de perros y en el joven Octavio (García Bernal) que utiliza al perro de su hermano para ganar dinero a la vez que se hace amante de la puteada mujer de éste; la segunda es la historia de una modelo (Goya Toledo) que ve truncada su carrera profesional y personal (junto a un hombre casado director de una revista de actualidad) al tener un violento accidente de tráfico; la tercera es la historia del Chivo (Emilio Echevarría), un hombre de misterioso pasado que se dedica a recoger a todos los perros abandonados y a ser un asesino a sueldo.
"Amores perros" es cine de autor, vibrante y sólido, transmisor de emociones vivas, una película libre, ágil y dura, descarnada y pegada al suelo. "Amores perros" es la antítesis de la típica telenovela mexicana importada. Aquí la vida es verdaderamente perra (los perros son una metáfora y una presencia en las tres historias de lo que es la propia vida: noble y traicionera, buena y envilecida, generosa y arisca, perra y perra), realmente díficil de agarrar por los cuernos y de dominarla; aquí no hay compasividad hacia ningún personaje, todos son asquerosamente humanos, y por eso todos tienen defectos múltiples y oscuras zonas, no hay remisión ni heroicidades, hay una realidad nada rosa, que tiende a ser roja de sangre y muchas veces negra.
Dentro de la calidad de esta magnífica ópera prima del ya maestro González Iñárritu, brilla un guión hilvanadísimo y estupendo, así como unas interpretaciones magníficas de los tres protagonistas principales. Imprescindible.

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Medem viajó hasta Finlandia - hasta el Círculo Polar Ártico - para realizar su cuarto largometraje. La propuesta ahora es una historia de amor geométrico, circular, eterno, íntimo, secreto. Es la historia de Otto y Ana, Ana y Otto (Nimri y Martínez), dos nombres geométricos, que se leen igual hacia adelante y hacia atrás - como Medem -, que han convertido su vida en una sucesión de casualidades y su amor en lo más grande y secreto surgido de ellas. Y la película, narrada, se basa en la casualidad para a dos voces superpuestas y bajo el plano subjetivo de esteos dos amantes capicúas y hermanados, retroceder y avanzar, ir y venir, jugar con el tiempo y el espacio, solapando ensoñación y realidad. Una narración menos críptica, más diáfana, pero igual de compleja que en sus anteriores películas y dónde las metáforas y las imágenes vuelven a ser un elemento fundamental.
Medem hace una propuesta del amor como algo normalmente transitorio pero existente, solo inusualmente geométrico o perfecto (siempre maravillosamente infantil) pero como fruto de la casualidad, de la cual se extrae la eternidad del mismo, desde el preciso, hermosísimo y maravillosamente poético momento en que uno de los amantes se introduce en los ojos del otro. En los ojos vivos, muertos, del otro.
La vida es circular, el destino, la suerte y la muerte también juegan sus bazas en esta única rueda.
Medem recicla sus actores fetiche (solo sobrevive Novo, se incorporan Fele Martínez y, sobre todo, una gran Najwa Nimri) pero sigue en su cine personal, dónde ha creado un universo fascinante y de originalidad, y dónde sigue inquietando por muy interesantes cuestiones filosófico/existenciales que aquí, no obstante, son más asequibles, menos crípticas que en anteriores películas.
Quizás pierda Medem con esta gran película (una nítida y rotunda obra maestra en tres cuartas partes y una de las cimas del cine español de su época) adeptos de su círculo cinéfilo, pero ha ganado, obviamente, público. "Los amantes del círculo polar" no le debe nada a nadie, posee magia, fascinación, magnetismo y atipicidad únicas, resulta una asombrosa obra sobria y asequible siendo un admirable drama complejo. Es un Medem más maduro, completo, seguro y sereno. Pero sigue siendo un Medem osado que se marchó a rodar media película a Finlandia, al Círculo Polar, dónde en las noches de verano no se pone el sol, existe el sol de medianoche; igual que la fría Finlandia es el escenario del calor amoroso: dos hermosas y poéticas contradicciones plenamente emparejadas. Y es un Medem con su propio sentido del humor y sus divagaciones fantástico/oníricas tan llamativas como propias. Es un Medem imprescindible para el desarrollo cualitativo del cine español, un cineasta clave para el futuro, quizás el más atractivo de nuestro cine.

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Bergman adapta una leyenda medieval según la cual allá dónde fue asesinada y violada una virginal doncella manará un manantial de agua pura. Una historia hermosísima y cruel a partes iguales que da pie a una obra maestra arrebatadora y perfecta, dónde el algo criticado guión de Ulla Isaksson no cabe duda de que también está a la soberbia altura del conjunto.
Bergman capta, envuelto en la soberana, luminosa y blanquecina fotografía de Sven Nykvist y de su primorosa puesta en escena, de forma magistral, el empozoñado ambiente del medievo, como ya lo hiciese en "El séptimo sello" y a partir de ahí construye una película tan sobria y elegante, como compleja e inquietante, un film que congela pero que a la vez desprende las llamaradas de cine infinito, feroz y rebelde de las obras maestras.
"El manantial de la doncella" es una reflexión agudísima y sublime acerca de muchos de los grandes temas bergmanianos: la Pureza, el Pecado, la superchería, la determinista Religión, el Dolor, el Perdón, la existencia de Dios (si existe de Bergman se desprende una y otra vez que es alguien muy imperfecto que determina la propia imperfección del siempre torpe ser humano), la Angustia vital y existencial, el peso de las tradiciones...Todo ello en una atmósfera tragicamente hermosa y desgarradoramente poética en medio de un paisaje descarnado, brutal e inhumano.
Bergman plantea que la frugalida y el naturalismo del entorno son rotos por los hombres, irracionales e inconexos a la armónica Naturaleza.
Memorable de cabo a rabo, resulta especialmente inolvidable en el personaje de von Sydow, un hombre cabal y muy religioso al que el asesinato de su hija conduce a la Duda y al abismo de la ley del Talión. Así, no hay redención ni expiación para nada ni nadie y la pureza, la inocencia, la esencia, la panacea, el recodo, en fin, se queda en la Naturaleza, en una maravillosa escena final.
De esta forma, "El manantial de la doncella" se erige en obra cumbre de su maestro y del Cine, aquí pleno dominador de su oficio, para el que fue un superdotado a fin de conjugar y complementar distintos niveles de percepción, reflexión y lectura. Y esta película es un ejemplo sublime y arrebatador de todo ello. Imprescindible obra maestra.

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