Los “Stooges” son una poderosa dinamo que aunó rock, free-jazz, blues y que dio comienzo a lo que posteriormente se conocería como Punk, con una actitud peligrosa, excesiva y totalmente nihilista. No se habla lo suficiente de la importancia que tiene para la historia del rock el seminal grupo de Detroit.

Estoy plenamente convencido que sin ellos el mundo del rock no sería tal y como lo conocemos, fueron pioneros, ángeles de cuero, sangre y sudor; unos verdaderos avanzados a su tiempo, tanto fue así que se les ha reconocido como quintaesénciales tras décadas de estar separados y este documental los sitúa en el lugar que se merecen.

Acercarse a uno de sus conciertos en los 70 era una experiencia peligrosa, enérgica, llena de electricidad y chispazos de violencia, con una actitud kamikaze por parte de uno de los más grandes frontman de la historia, Jim Osterberg o lo que es lo mismo, el único e incomparable Iggy Pop. Su actitud a medio camino entre un yonki arrastrado y una glamurosa estrella de rock y sus movimientos reptilianos, explosivos, totalmente arrolladores, hacían que la experiencia fuera única. Aún recuerdo una de mis más preciadas adquisiciones, un disco pirata llamado “Metallic K.O.” en la que, si bien el aspecto musical del grupo no se consigue apreciar debido a una grabación paupérrima, sí que consigue transportarte a un directo de los Stooges, en mis oídos aún resuenan las botellas explotando en el escenario y la actitud de Iggy, insultando y provocando al público, animándoles a seguir arrojándoles objetos. Punk puro antes del Punk.

El director, colega íntimo de la Iguana, y genio absoluto de esta maravilla llamada cine, consigue lo impensable, dejar su personalidad a un lado y dar todo el protagonismo a los músicos, consiguiendo una película honesta y con gran peso y valor documental.

Imprescindible para fans y para neófitos, un grupo capaz de alumbrar obras tan extremas como “Funhouse” y de pergeñar hitos musicales como 1969, I wanna be your dog, No fun, TV Eye, Search and Destroy, Gimme Danger… tendría que ser (re)conocido universalmente.

PD: y la carrera de Iggy en solitario da para otro documental, ahí te lo dejo Jarmusch.

Pequeñísimo film, adaptación de una obra teatral con cierto renombre en la época, que consiguió entre otros logros la friolera de 11 nominaciones a los Oscar, ganando 3 de ellos: actriz para Katherine Hepburn (ex aequeo compartido con Barbara Streisand), mejor guion adaptado y banda sonora original (para el gran John Barry, su segundo de cinco premios).

La película narra los acontecimientos históricos que tuvieron lugar la Navidad de 1183 en el castillo de Chinon donde el todopoderoso rey de Inglaterra Enrique II decide celebrar un consejo para designar su sucesor en el trono. A tal acontecimiento se suman su esposa Leonor de Aquitania (que vive encerrada en una torre pagando sus intentos de derrocar a su esposo en años anteriores), sus 3 hijos (Ricardo Corazón de León, Godofredo y Juan), la amante del rey (y prometida de Juan) y el hermanastro de esta, el rey de Francia Felipe II.

Con todos los elementos dispuestos en el tablero comienza un juego de poder, hostilidad latente, traiciones y puñaladas por la espalda que refleja la condición humana de una forma para nada benevolente.

Todos los actores están magníficos, de hecho “El León en Invierno” cuenta con un reparto de campanillas con Peter O’Toole mimetizando sus gestos con los del veterano rey y desprendiendo carisma, sabiduría y arrojo, la Hepburn se desmarca con una interpretación taimada, sugerente, conspiradora y llena de matices imperceptibles, una delicia; de los 3 hermanos destaca un jovencísimo Anthony Hopkins dando vida al violento Ricardo, John Castle como el ladino Godofredo (instigador de múltiples encontronazos entre sus familiares) y Nigel Terry como el tímido y corto de miras Juan (a la postre conocido como “Juan Sin Tierras”) cumplen solventemente; Jane Marrow como la bellísima Alais y Timothy Dalton como Felipe II no desmerecen el nivel.

Un capitulo muy vivo de la historia de Inglaterra que además fue tenido en consideración por George R. Martin para configurar su reino mágico en la saga de novelas “Canción de Hielo y Fuego”, los paralelismos de esta historia con los personajes que pueblan las paginas de las diferentes novelas es más que evidente, lo cual le da un disfrute friki muy a tener en cuenta.

Hace un buen puñado de años, siendo yo un chavalín, me encontraba en mi habitación escuchando la radio y de repente apareció una melodía cálida, melancólica, sugerente… seguida de una voz que sin ser la mejor te hablaba directamente, frágil y delicada, cercana y con un punto misterioso. Inmediatamente paré mis quehaceres (a saber cuáles serían) y me quedé absolutamente embobado y prendado de lo que mis sentidos auditivos estaban recepcionando… la canción era “El sitio de mi recreo” y el artista por supuesto, no era otro que el gran Antonio Vega.

Todos los fans de Vega tenemos anécdotas así, era un tipo que se convirtió en un icono y un referente para más de una generación, comenzando con su imagen de poeta maldito de la Movida y sus éxitos comerciales con Nacha Pop siguiendo su conversión en un artista a contracorriente y fabulador cuasi místico de canciones. Era un poeta maldito sí, pero desde luego era un inmenso creador de canciones y de letras que arraigan en el alma.

El documental es una mirada certera y para nada posicionada desde el punto de vista del fan irredento, su directora Paloma Concejero realizada un trabajo minucioso, respetuoso (en especial las entrevistas en audio, magistrales), apoyado en el material documental facilitado por la familia y amigos y sustentado en anécdotas y opiniones de la práctica totalidad del núcleo de confianza de Antonio.

Creo que no ahonda en los aspectos más oscuros y duros de su biografía, si bien es cierto que en ningún momento los elude, el documental para mí se sitúa en el punto exacto para convencer al fan de toda la vida y para acercar su figura a desconocidos que estén interesados en ella.

Excelente trabajo, una maravilla.

Fassbinder nunca ha sido santo de mi devoción, demasiado propenso a los excesos dramáticos y a las diatribas de carácter teatral más desatadas, siempre lo he considerado como un autor de difícil digestión, carne de gafapastismo y de modernas.

Sin embargo en esta “Todos nos llamamos Alí” (tremebunda traducción del original “El miedo se come el alma”, ole por los traductores) nos encontramos con un film pausado pero con ritmo, ágil e intimista y por momentos bañado de una sutileza que lo acerca mucho a un pequeño juguete que el autor usa para poner sobre el tapete la cuestión racial en la Alemania de los 70, añadiendo además un desfase generacional entre amantes en los que la mujer duplicada la edad del hombre. Temas poco baladís y cuyas ramificaciones están presentes hoy día con el mismo vigor que hace casi 50 años.

Las interpretaciones no pasarán a la historia como las mejores en su ámbito, pero la película en pleno siglo XXI consigue polemizar y visibilizar varios temas casi considerados tabús aún hoy día por la mayoría de la sociedad (alemana y de todas las nacionalidades).

Un más que agradable sorpresa.

Nos encontramos en los primeros sesenta y la Italia cinematográfica está saliendo del neorrealismo para adentrarse en un periodo ciertamente costumbrista pero con una orientación hacia la comedia menos trascendental y más mordaz. En esta ocasión dos nombres propios aúnan fuerzas, por un lado Dino Risi que venía de estrenar la excelente “Una vida difícil” y por otro a los guiones encontramos a todo un Ettore Scola quién comenzaba a darse a conocer.

La película comienza en Roma durante el periodo vacacional de verano, lo cual la convierte en una ciudad casi abandonada y nos encontramos a Bruno Cortona (excelso Gassman aportando carácter, personalidad magnética y hedonismo sin control que configuran un personaje para el recuerdo) quien convencerá al pausado y calmo estudiante de derecho Roberto Mariani (con una acertada interpretación de Jean-Louis Trintignant que construye su personaje en las antípodas del de Gassman) para que le acompañe en un loco viaje a lo largo de la costa, a toda velocidad en su descapotable donde visitaran pueblos, comerán, disfrutarán de los placeres (carnales y no tan carnales) que se encuentren y perseguirán turistas alemanas y visitarán playas, entre otras fechorías.

Asistimos por lo tanto a una especie de proto “Buddy Movie” donde los protagonistas, totalmente distintos y casi irreconciliables se atraen mutuamente y forjan una amistad a priori impensable. Los actores están de auténtico lujo obsequiándonos con un duelo interpretativo de nivel.

Los múltiples paisajes y localizaciones de la costa, así como la maravillosa fotografía de Roma hacen que la película tenga más motivos de interés, además si le sumamos el uso de una de las clásicas canciones del “easy-listening” de la época (hablamos como no, de Quando Quando Quando que aparecerá recurrentemente a lo largo del film) podemos afirmar que Risi creó una obra bastante redonda, pese a lo liviano de su planteamiento.

Probablemente la mejor película de Risi y una obra a (re)descubrir con un Gassman en plena forma y un final impactante.