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España España · Barcelona
Críticas de rober
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Críticas 705
Críticas ordenadas por utilidad
6
11 de septiembre de 2014
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una película aparentemente sencilla y sin pretensiones, que relata las grandezas y miserias de una comunidad de vecinos, desde la perspectiva de un maduro cantante semifracasado. El personaje interpretado por De Kervern busca huir de sí mismo mediante un trabajo abnegado y paciente a favor de un grupo de lo más heterogéneo. La extrema bondad del protagonista encuentra el contrapunto perfecto en la presidenta de la comunidad, una jubilada un poco neurótica. Este argumento podría dar juego para muchas cosas. Salvadori opta por la comedia, mediante una sucesión de gags ingeniosos y divertidos, que pasa deliberadamente por alto aspectos más lúgubres de la historia, cuando podía dar pie a subtramas menos ligeras. El problema es que, en un determinado momento, el director cambia de tono para adentrarse en un drama en toda regla. No estoy en contra de que una película combine géneros, en absoluto, el problema es que en este caso hay un cambio de registro que confunde al espectador, hasta el punto de no quedar muy claro qué es lo que el director pretendía. Una película entretenida, bien interpretada, que invita a reflexionar sobre muchas cosas, pero que sin embargo deja un sabor de boca agridulce y una extraña sensación de despiste.
rober
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6
10 de septiembre de 2014
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una película que da buen rollito, como la música que escucha el protagonista, pero que tampoco ofrece mucho más. El argumento es simple y es fácil que cualquier espectador se sienta identificado con alguno de los pasajes de la historia. “Una cita para el verano” muestra los comienzos de una relación entre dos personas que con el tiempo se han convertido en tímidas y solitarias. Los personajes de Seymour Hoffman y Amy Ryan viven esa situación entre el miedo y la ilusión, y en lucha contra sus dudas y complejos. La idea de un maduro conductor de limusinas aprendiendo a nadar para poder conseguir una cita es para mí la más brillante del guión, y las escenas que muestran a los dos amigos en la piscina, con sus trajes de baño, gorros y gafas, de lo más destacable de todo el film. Paralelamente, vivimos el progresivo declive de una pareja que sufre el desgaste que en su relación han provocado diversos incidentes ocurridos a lo largo de años. Y todo ello en el escenario de una ciudad de Nueva York gélida y plomiza.

“Una cita para el verano” es una película sencilla, en la que su desapasionamiento es posiblemente su mayor virtud y también su mayor defecto. Hay películas que sólo provocan entre la gente una honda admiración o un rechazo absoluto. Me cuesta trabajo creer que alguien sienta una cosa u otra con este film. El tono de la historia languidece hasta derivar en un repentino clímax argumental, cuando todos los personajes principales de la historia se reúnen para compartir un momento que deliberadamente han querido convertir en especial. De todos modos, ni siquiera eso rompe las estructuras de la narración, todo se reconduce. Seymour Hoffman, en su primera y desgraciadamente única película como director, se deja llevar por la mentalidad introvertida y poco ambiciosa de sus personajes, y nos ofrece una obra intimista y delicadamente placentera, aunque nada emocionante. Como nadar despacio y relajadamente en una gran piscina…
rober
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6
8 de septiembre de 2014
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
No es una obra mayor de Wilder porque parte de unas premisas argumentales que suenan hoy anticuadas (quizá los roles masculinos no hayan cambiado mucho, pero los femeninos sí), y porque el humor es más obvio y con menos ironía que en otras películas del director. No obstante, si uno la ve liberado de prejuicios, “La tentación vive arriba” aún es hoy una comedia amena y entretenida. La historia se centra en dos personajes principales, aunque el punto de vista de la narración se ponga únicamente en uno de ellos. Tom Ewell y Marilyn Monroe están lejos de ser mis actores favoritos, pero su relación en la pantalla funciona bien. En especial, la mezcla de explosividad-ingenuidad-candor tan característica de la Monroe tiene aquí un peso específico propio en la narración.

Destaco sobre todo un guión endiablado que deja poca tregua al espectador. Los diálogos, sin ser brillantes, son muy divertidos. Hay muchos gags que han pasado a la Historia a partir del mero relato de los personajes, sin ser presenciados por el espectador (ropa interior en la nevera, dedo del pie atascado en la bañera llena de agua…), con lo que son más literarios que cinematográficos. Otros aparecen como meros sueños o imaginaciones del protagonista, y sin duda no son tan destacables. La célebre escena de las piernas de Marilyn en la salida de aire del metro constituye una idea muy audaz para la época. Hay una clara intención de dar un toque de locura a la narración, y a ello contribuyen unos secundarios que enriquecen una ya de por si colorista película. En fin, una película que en otras manos habría dado pie a un perfecto disparate, es una película meritoria gracias al buen oficio de quienes intervinieron en ella. Wilder utiliza la parodia para criticar a la sociedad burguesa americana de los años 50 (con agudas referencias cinéfilas, literarias, musicales y hasta freudianas). El paso del tiempo ha hecho que ese tono burlón sea si cabe más evidente. Creo que es por eso por lo que, a pesar del anacronismo de su argumento, la película aún funciona.
rober
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8
13 de agosto de 2014
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Un pequeño descubrimiento. Jan Ole Gerster utiliza un estilo entre Truffaut y Woody Allen, aunque matizado por un aire gris de intrascendencia, para relatar una historia trufada de absurdo existencial, que va calando poco a poco. Tom Schilling interpreta brillantemente a Niko, un joven berlinés perdido en su falta de valores, e incapaz de buscar salidas ni respuestas. A mi entender, el mérito de esta obra es que el protagonista, un ni-ni mentiroso y parásito, con muy poca capacidad de empatizar y de sacrificarse por los demás, nos llega a caer bien. Y ello no pasa precisamente porque sea un pícaro divertido y encantador, sino porque quizá nos vemos reflejados de algún modo en él. "Oh boy" es tan buena porque nos muestra nuestras propias contradicciones, aunque sea bajo la máscara de la parodia.

Aparte de que hay escenas memorables de comedia negra que funcionarían por sí solas como sketches (en especial, la del cajero y el mendigo), cada detalle de la película (cada mirada, cada frase) está cargado de ironía y sarcasmo. Hay un humor negrísimo que hace de la película una obra ágil y muy divertida, pero también hay en cada escena un poso de tragedia y fatalidad. Niko es un joven que a nuestros convencionales ojos podría tenerlo todo para ser feliz, pero al que nada parece irle bien. Sin embargo, hay una extraña actitud de resignación ante lo que la suerte pueda depararle. Tras el desplante de su padre en el campo de golf, la respuesta de Niko es apurar los vasos de aguardiente. Sólo con la abuela del camello, y con la placidez de su sillón reclinable, parece encontrarse a gusto. El reencuentro con Julika no puede ser satisfactorio porque implica pasar cuentas con un pasado que nada importa... Sobre todas las escenas, destaca la del encuentro en el bar con el viejo borracho. Aunque al principio molesta, es el único momento en el que Niko parece verdaderamente implicado en la conversación. El drama del hombre que ha de vivir toda su vida con la carga de haber sido un niño nazi es el contrapunto perfecto para la historia de Niko... O quizá para la nuestra.

A pesar de su tono de comedia, "Oh boy" desborda mala leche (muy agria). El símbolo del café como elemento redentor aunque efímero es muy certero para ilustrar el mensaje de esta obra. Muy recomendable.
rober
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9
13 de agosto de 2014
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Seguramente aquí se le fue la olla al bueno de Eisenstein. De las películas propiamente de "propaganda", ésta quizá sea la más maniquea y exagerada. Los pobres obreros no pueden ser más buenos, los empresarios y sus espías-agentes no pueden ser más malos. La manera en que se retrata a los capitalistas dueños de la fábrica es casi tan paródica que creo que resultaría exagerada incluso para la mentalidad del espectador de la época. Y, desde luego, hay escenas de una brutalidad incomprensible e inverosímil. Una cosa es hacer una peli de propaganda política, y otra muy distinta presentar al adversario como un absoluto sádico degenerado...

Eso sí, si prescindimos de eso, la peli es increíblemente buena. Me pasma observar como ya en 1924 un director podía tener tan clara cuál era la fuerza del lenguaje cinematográfico. La película es una sucesión vertiginosa de metáforas visuales, construcciones de montaje, encuadres imaginativos... Los planos son poderosos y están hábilmente pensados para llamar la atención del espectador: la presentación de los "agentes infiltrados", las fotografías que cobran vida, la imagen de los brazos cruzados de los trabajadores, el tintero que cae, la matanza de ganado... La película es una sucesión inagotable de recursos de este tipo, lo que hace ver que ya en aquella época algunos genios se habían dado cuenta de que el cine era mucho más que teatro filmado.

A veces, las ganas de transmitir un mensaje concreto hacen que se resienta el conjunto (el argumento y la historia también han de cuidarse), y también es cierto que cuando hizo esta película Eisenstein aún había de depurar su estilo, sin que un film pueda ser una mera exhibición de alardes cinematográficos. Pero qué le vamos a hacer, yo he gozado como un indio, me ha dado la impresión de que he presenciado una verdadera lección de Historia del Cine, y eso ha de influir en mi nota...


(Rev 15/01/2012)
rober
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