Drive

Las expectativas creadas con la prometedora secuencia inicial con la que arranca -nunca mejor dicho- la película, no quedan defraudadas. Envuelta en una atmósfera de hipnótica desazón construida a base de silencios en los diálogos, pausas en las persecuciones, soledades en compañía; y acentuada por la música de fondo que acompaña magistralmente las imágenes, la película avanza con tensión contenida. Y aún así la mullida sensación que se crea no es suficiente para amortiguar los puntuales estallidos de violencia sórdida y salvaje que traspasan la pantalla.

El personaje de Drive (Ryan Gosling) tiene reminiscencias de los lacónicos y solitarios antihéroes de los años 70 y 80 -por poner un ejemplo: al Jack Carter que interpretaba Michael Caine en “Asesino implacable”. Las referencias a la figura del escorpión y su analogía con Drive son constantes y explícitas: La cazadora con el escorpión bordado es una segunda piel, cada vez más salpicada de sangre, que acaba siendo un relato de sus enfrentamientos, o las sombras del duelo final, a base de aguijonazos, proyectadas sobre el asfalto.

No hay drama en la solitaria supervivencia de Drive, resistir su vacía existencia con determinación de autómata es su propia esencia. La incertidumbre que le provoca su encuentro con Irene le desconcierta, la posibilidad de ser dueño de un nuevo destino se abre paso por instantes. El momento de la verdad, la lucha consigo mismo, llega en la brutal escena del ascensor. El violento ensañamiento ante los ojos de Irene es el punto de no retorno. Y es que, como dice el escorpión en la fábula atribuida a Esopo: "no he tenido elección, es mi naturaleza".

Con un final engañosamente abierto, la muerte es algo secundario, para Drive la tragedia reside en la certeza de un horizonte sin esperanza.

Tarkovsky quedó atrás, las influencias marcaron las bases, la identidad apareció por si sola.

Nicolas Winding Ref. ha lanzado un mensaje tan poderoso al mundo del cine que solo nos queda estremecernos de placer en la butaca. El director deja que sea la propia película la que tome vida, respire. Un ser excepcional en forma de celuloide. Arte, cine…

Nos vamos a los ochenta, los sintetizadores son la banda sonora de unos Los Angeles llenos de luces de neón, vemos a un héroe solitario recorriendo las mismas calles que Michael Mann retrató excepcionalmente en Collateral. La tensión, la adrenalina, un personaje heredero de Alain Delon EL SILENCIO DE UN HOMBRE, unos seres con el alma más oscura que el tuétano, un niño, una madre, venganza…

DRIVE es cine. Puede ser un western moderno, una película independiente, una cinta de los años 80(añorando los tiempos de la Canon y Martin Riggs). Es icónica, brutal, parca en palabras (los silencios muchas veces son más importantes que lo que decimos). Los actores están formidables.

Ahora más que nunca amo los años 80.

Si ves el cine como una experiencia más allá del entretenimiento, una pasión que nos entrega a un mundo perfecto donde nos escondemos en personajes y historias que nos gustaría ser y vivir…Si ves el cine como lo veo yo , amarás Drive.

La conducción puede llegar a ser como un opiáceo. Ofrece una falsa sensación de libertad, de cierto poder, de dominar el asfalto, la velocidad que cosquillea en la boca del estómago. La cabina aísla del exterior y estás a solas contigo mismo, sientes seguridad en tus actos, el volante es una herramienta de control, el equipo de audio es el amigo con el que te comunicas mientras escuchas tu música favorita. Todo lo de fuera llega amortiguado, los cristales ligeramente tintados atenúan los perfiles, los sonidos externos parecen surgir desde un mundo de ficción. El resto de los vehículos con los que te cruzas son entes anónimos sin rostro, fantasmales robots fugaces que se sumergen en la niebla del olvido. Es como si en lugar de ser tú el que se desplaza, lo hiciese el paisaje circundante, todo está de paso, todo surge en un punto del horizonte allá al frente, para ser tragado por tu coche unos segundos más tarde, nada permanece, excepto el cielo, el sol, la luna y las estrellas, testigos silenciosos de tus andanzas que comprenden la adrenalina de la soledad al volante, que entienden el aislamiento de los solitarios.
No obstante, todo eso es ilusorio, porque en cualquier desliz de la carretera perdemos ese control que creíamos poseer y ya no somos dueños de nuestro destino, como no lo hemos sido nunca en realidad.
Driver avanza así por la vida, una prolongación de un volante, una sombra detrás de un cristal, sin detenerse. Pero conoce a Irene y ella es como el sol que, por más que uno corra quemando los neumáticos, siempre te mira desde las alturas. Y ya no hay control.
En la hipnosis de un sombrío Los Ángeles crepuscular de etéreas vistas y sintonías narcóticas de sintetizador, se construye una nueva visión del cine negro en el que un trémulo romanticismo redime de la sordidez y el salvajismo. Es la única recompensa de esa especie de héroe del inframundo, mancillado y condenado, que al darse de cara con un adorable rostro que no podrá olvidar perderá el dominio de su volante y ya sólo podrá verla a ella mientras su coche se precipita hacia el abismo.

Después de los primeros 15 minutos, muy buenos e interesantes, la película se transforma en una sucesión de planos antinaturales, posturas forzadísimas y lamentables del protagonista (pensé que en cualquier momento nos haría la pregunta del título de esta crítica al estilo de José Mota, por no hablar de la sonrisa falsa). El guión me pareció de videojuego y hay una falta de química absoluta entre los protagonistas, si no se lo creen ellos es difícil que alguien se lo pueda creer (en el spoiler hablo de escenas que me parecen "memorables"). En general la dirección de actores me parece que es bastante penosa y los secundarios hacen lo que pueden pero no hay manera de salvar el estropicio del protagonista.

Por cierto, pensaba que no había un actor peor que Keanu Reeves, pero este Ryan Golsing me pareció peor incluso que Fran Perea (puede influir la dirección).

La fotografía se salva y es lo único interesante de la película en mi opinión. Realmente no me parece una malísima película, empieza muy bien pero es pretenciosa, mentirosa y está absolutamente vacía, por eso le doy esta nota, pero ni mucho menos he visto una obra maestra, es como mucho un buen videojuego.

Hay que mirar el balance de este 2011 con buenos ojos a la vista de las propuestas rezagadas que nos andan llegando en los extertores de otoño (temporada del año ésta, de estreno de cine festivalero, con esas sorpresitas que buscan su sitio en las salas de cine). El año pasado llegó la francesa y estupenda "Un profeta", este año, además de la ya citada "Warrior", acontecemos al nuevo ejercicio cinematográfico del chico de moda danés, Windin Refn con esta "drive". Faltan otras; las esperadas: "un método peligroso" del siempre correcto Cronenberg, lo nuevo de Polanski (que realmente hizo un trato con el diablo, pues sigue a su edad en plenas facultades su talento con "un díos salvaje"), etc. Además, el piano de "las barricadas misteriosas", sigue evocándome la mirada Malick entre jardines y columpios, filmado el misterio del padre y Dios. Almodovar llevó el thriller al terreno de lo íntimo, mostrando el suspense en el surgimiento (o no) del deseo en un ente a camino entre hombre-mujer, ejercicio de introspección personal, sincero y valiente. Y me queda por visionar a la siempre fiable niña Coppola y su "Somewhere".

Esta drive es tremenda. Una película de acción y de cine negro con algunas de las mejores escenas filmadas en la historia del género, con propuestas como "la elipsis trenzada" llevado a la máxima eficacia. "Drive" es conducida por Windin Refn, agarradita, contenida a 2000-2500 r.p.m, preparada para pasar de marcha y acelerar, en ese punto donde notas tus pies pegados al asfaltos. El danés además sabe de lo inflamable de su propuesta, con una historia que da pie a sospechas en las casualidades que provocan lo dramático, por ello el ritmo interno del filme en las escenas puramente narrativas se acelera y la parte intimista, romántica tiende a ir a marchas más cortas. Ahí, en la búsqueda de la felicidad, aparece en la banda sonora canciones pop (una buena canción, sólo lo es, cuando subes el volumen de la radio en tu paseo nocturno a bordo de tu coche). Todo esto es un ejercicio de vintage, con música, chupas horteras y camisetas de algodón, ochenteras, donde no ubicas las escenas hasta que alguien coge un móvil.
(Continua en spoiler, pero con curvas cerradas).