Es comprensible que gran parte de la crítica catalogue de forma casi unánime a "Match Point" de obra maestra y se convierta en una de sus películas favoritas del 2005. Y es que "Match Point" es una muestra de lucidez, madurez e inteligencia de un genio incombustible, que es capaz de realizar una nueva película por año que resulta siempre interesante como mínimo.

El cambio a Londres ha significado también un cambio de forma y registro en su reciente filmografía. Woody Allen aporta claridad, seriedad y calidad a una historia romántica de estructura clásica apelando a la tragedia e ironía.

La peculiar ópera "culebrona" que nos presenta Allen no es para nada original. Su arranque y desarrollo recuerda a cualquier telenovela de sobremesa, pero la dirección seria e inteligente de Allen no es simplemente un maquillaje. "Match Point" es una crítica ácida y fascinante de la clase alta, sus conveniencias y manipulaciones.

El único punto criticable es que el desarrollo es demasiado lento y aunque aporta credibilidad y profundidad a los personajes, aburre en ciertos momentos.

En su magnífico e imborrable desenlace consigue el ansiado match point. No falla. Se lleva el partido y gana al espectador con una inmejorable volea. Con un montaje final de 90 - 100 minutos Allen hubiese conseguido una victoria cómoda y holgada por 6-0, 6-0 y 6-0 y un aplauso unánime del público.

Aunque no llega ni de lejos a la última cumbre de su reciente filmografía, me refiero a la genial e irrepetible “Desmontando a Harry”, ni entre en mi particular top 10 de Allen, se queda cerca, muy cerca. El tiempo dictaminará si es sólo una estupenda obra de tránsito o una de sus mejores películas.

Maldito Bastardo

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Match Point ha hecho que salga de la sala de cine con el vello de punta y una gran satisfacción reflejada en mi rostro.

El guión es endiabladamente bueno, y mejora (si se puede) con una gran actuación de Scarlett J. (tremendamente sensual y atractiva, merece la pena verla en V.O.) y Jonathan R., el cual transmite un desasosiego que traspasa la pantalla.
Está cuidado hasta el último detalle, con muy buenos diálogos y con una trama que te sorprende una vez tras otra.

Mención aparte merece la banda sonora, donde la ópera transmite la trama como si de notas musicales se tratara. Un gran acierto.

Es una película imprescindible. Gracias Woody!

Neuromante

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Esta es una crítica escrita en dos partes. En ellas hablo de las comparaciones efectuadas fuera de FA entre Match Point y dos referentes artísticos: Hitchcock y "Crimen y castigo". Esta última incluye spoilers sobre la novela de Dostoyevski.

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1. “Match Point” y “Alfred Hitchcock”.

Si hay un cineasta opuesto a Hitchcock en el mundo y en la historia del cine, ése es Woody Allen. Hitchcock es un cineasta directamente emparentado con el cine mudo, eminentemente visual, Allen es un cineasta verbal, sus películas (MP no es una excepción) giran en torno al diálogo y la palabra. Una vez dicho esto, las diferencias se extienden hasta el infinito: donde en Hitchcock prima el montaje abstracto, los cambios de escala, el plano-imagen y la idea visual, en Allen la imagen refleja una puesta en escena desarrollada para sujetar los diálogos de los actores, que actúan como en el teatro. Para muestra, el final, que se desvela en un diálogo. A ello se le añade que las imágenes de Allen no poseen, ni de lejos, el aura mágica de las del director inglés, y pequeñeces como que en la práctica totalidad de las cintas de Hitch el protagonista es inocente, o que en ellas el crimen se sitúa casi sistemáticamente al principio y no al final.



2. “Match Point” y “Crimen y Castigo”.

Además de la referencia superficial y pretenciosa de mostrar al protagonista leyendo esta obra (una forma fácil de elevar, en apariencia, las cotas de un film), no encuentro ninguna similitud, ya no digamos equiparación, entre la peliculita de Allen y la obra maestra de Dostoyevski. No voy a extenderme en la profundidad y complejidad que alcanza CyC y que MP no consigue ni esbozar, porque necesitaría varias hojas. Sólo mencionaré dos detalles claves de argumento, ya que ni siquiera en esto coinciden: A) En CyC, el asesinato (alrededor del cual gira toda la obra) tiene lugar al principio, mientras que en Match Point lo hace al final. Esto es: la novela tiene su razón de ser en la profundización de la mente de un asesino tras cometer el delito, con todo lo que eso conlleva (sentido de culpa, miedo a ser atrapado, infierno interior, duda entre entregarse o no, relación de un asesino con el entorno, puesta en entredicho de los principios morales que llevaron a tal crimen, etc), a lo largo de setecientas páginas. En Match Point, el protagonista comete el crimen, reza para que no lo pillen, y se acaba la película. Todo el metraje, pues, se centra en las circunstancias anteriores al asesinato. B) En CyC, el protagonista no tiene ningún “motivo” para cometer el asesinato, y esto es fundamental desde el punto de vista semántico. MP es, básicamente, una exposición, a lo largo de dos horas, de esos motivos externos que no existían en la novela, con lo cual el sentido de ambas obras no llega, ni siquiera, a parecerse. C) En CyC el protagonista se entrega, atormentado. En MP se libra, y él tan contento. D) Al principio de la película, y en varias ocasiones a lo largo de ella, Allen deja bien claro que se trata de un film sobre la “suerte” (tiene que decirlo, no vaya a ser que el público no se entere). CyC no tiene absolutamente nada que ver con la suerte.

Tomine

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Pues aunque Woody Allen era un director que me había dejado de interesar ya hace bastante, me metí a ver Match Point precisamente porque decían que era un giro en su carrera. Yo estoy bastante de acuerdo con esto, pero creo que también es continuidad. En mi opinión, Allen simplemente ha adaptado su estilo a Londres y quizás también a Europa, pero los paseos por Londres, o esa escena mirando al Támesis con el puente de Londres al fondo creo que es un guiño a Manhattan y a buena parte de sus películas neoyorquinas. También creo que la duración de los planos es mayor, recurriendo menos al típico plano/contraplano en las conversaciones. Me ha parecido muy curioso, por otra parte, que su objetivo se encuentra a mayor distancia de los personajes que en otros films suyos, quizás porque ahora Allen juega fuera de casa, o quizás que esos personajes que filma ya no son suyos, pertenecen a otro mundo y ahora el ya no puede intervenir directamente. Esta regla se rompe, sin embargo, cuando entra en escena Scarlett Johansson interpretando a Nola, entonces Allen recurre casi siempre a planos más cortos, quizás para demostrar precisamente que es el único personaje que entiende, por ser americana como él.

O quizás, desde un punto de vista dramático y argumental, quiere dejar claro que Nola, el personaje de Scarlett, es un elemento ajeno en ese mundo londinense, que no tiene su sitio en ese mundo endogámico, sin pasión, en el que se vive para trabajar. Este Londres de Woody Allen (porque creo que la película trata sobre la capital inglesa) podría ser casi cualquier gran ciudad del mundo occidental.

Sobre esto último, he de decir que el film me ha recordado mucho a La dama de honor, de Claude Chabrol. Primero porque vi ambas en la misma sala y nada más entrar me acordé de la inmensa película del director francés. En ambas películas tenemos como protagonista a un actor de físico parecido (Magimel y Rhys Meyers, aunque supongo que este último es más atractivo) y ambos se encuentran en ese momento de la vida en el que tienen que aceptar la vida como adulto, dando fin a los sueños adolescentes. Los dos tienen enfrente una mujer exhuberante, vitalista, que poco sabe de pasado y futuro, sino que vive en un presente constante, vive enamorada. Los personajes de Johansson y Smet se diferencian, por supuesto, en su destino final. Mientras la primera es una victima, la segunda seguirá encerrada en su mundo imaginario. Y de fondo, en ambos casos aparece la problemática del cambio generacional, de las dificultades que existen para que la juventud herede un sistema social y económico que no es el suyo y que solo comprende en parte. También en ambos directores ha supuesto un giro en su carrera. En mi opinión, ambos se habían deshumanizado en exceso en sus últimas películas filmando lo que se suele llamar "hábiles y cínicas críticas sociales", acabando encerrados en los mecanismos de los género. Con estas películas, ambos han conseguido liberarse

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Evidentemente, de la confrontación entre ambas películas, la de Allen sale perdiendo ante esa pedazo obra maestra que filmó Chabrol, pero no por ello podemos dejar de señalar la valía del film de Allen. Su cuidadísima elegancia y la increíble exactitud con la que ha reflejado un mundo que no es el suyo. Bueno, un momento, ¿ha reflejado bien Londres? Yo nunca he estado allí, pero siempre he tenido la sensación de que Allen sabía perfectamente lo que filmaba, de que Londres es así. Con lo cual podemos afirmar que Allen consigue hacer verdad lo que filma, lo cual tiene mucho mérito. También ha conseguido a la perfección darle a su film un aire de tragedia, no solo con las referencias a Dostoievski o a Sófocles, sino que con pocos personajes, enfrentados al personaje londinense, con la aparición fantasmal del final, su atmósfera también se vuelve trágica..

La metáfora de la red no la entiendo. Bueno, más bien no entiendo lo del anillo. Si el anillo no pasa la "red" se supone que significa mala suerte, pero Chris sale airoso de ser relacionado con el asesinato de Nola, por lo que se puede decir que ha tenido buena suerte. ¿O no? Es decir, quizás Allen quiere decir que Chris sale perdiendo también, ya que el hecho de que no le descubran hace imposible la redención y que tenga que vivir toda su vida con el peso de dos asesinatos. En ese sentido, la última escena sea posiblemente la mejor del film. Chris, acaba atrapado en un mundo que no es el suyo, que odia y del que nunca podrá escapar.

Janusz

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Típica película que impacta la primera vez, pierde fuelle la segunda y se convierte en una correcta historia a partir de la tercera vez. El quid de la cuestión se sustenta en un mínimo de elementos sabiamente manejados: la carnalidad desbordante de Scarlett Johansson, retratada como nunca por un Woody Allen visiblemente deslumbrado, oh my god!, por ese par de labios comestibles; la idea del anillo, espléndidamente preparada desde la primera escena de la cinta; el dilema moral... Y poco más. La familia multimillonaria está formada por una serie de ninots del más tosco cartón fallero; ni actúan ni respiran. Incluso el vecino negro de Nola parece un tópico con patas. ¡Y las escenas de oficina! Se nota que al bueno de Woody le trae sin cuidado cómo funciona ese mundillo (¡esos japoneses, ay madre, esos inevitables japoneses con los que se cierra el negocio del siglo!). Todo suena a falso y a impostado y Jonathan Rhys Meyers tampoco le aporta excesiva credibilidad a su personaje. Un Allen Dostoyevski menor, con todos los defectos del ruso y sólo alguna de sus virtudes. La factura, cuidada y elegante, sin ninguna calidez. La historia, bien trenzada. Debajo de la caracterización, apenas se vislumbra una tramoya de aire hueco. Pero, en fin, si hemos de quedarnos en la superficie de las cosas, ¡que sea al menos junto a los labios de la Johansson! ¿O no?

Servadac

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