Un tranvía llamado Deseo

Con esta película a mí me entraron ganas de dedicarme al teatro, viendo a Marlon Brando aporreando la puerta del cuarto de baño donde “Blanche” se somete a otra sesión de hidroterapia, mientras le dice –eh tú, canario flauta, sal de una vez del cuarto de baño- o viéndole “quitar la mesa” a su modo troglodita.

Para mí está basada en el mejor texto de Tennessee Williams, creo que está considerado como uno de los mejores dramaturgos del siglo 20, he visto otras adaptaciones de otras obras suyas como la “La noche de la iguana” o “Baby doll”, y me quedo con “Un tranvía llamado deseo”, yo no digo que sea mejor o peor, simplemente esta me gusta más.

La primera parte de la película con esas imágenes de New Orleans con la formidable música de Alex Nort*, (creo que era este el compositor de la banda sonora), de los mejores créditos iniciales que he visto.

Las interpretaciones, de las mejores que he visto, Vivien Leigh parece haber nacido para interpretar su personaje en la película, realmente parece estar al borde de la locura, también Marlon Brando parece haber nacido para interpretar a Stanley, no creo que pueda hacerse un remake de esta película digna de mención, Karl Malden y Kim Hunter están muy bien en sus papeles pero fueron las interpretaciones de sus protagonistas principales las que me impresionaron.

Y por último mencionar algo que siempre he pensado cuando veo aparecer a Vivien Leigh de entre el vapor que emana del tren, a su llegada a New Orleans, con aire desvalido y despistado, no puedo evitar pensar que no es otra que Scarlett O'Hara con unos años de más, "derrotada al fin", que viene de su plantación de Tara, como si fuera una especie de anacrónica continuación de "Lo que el viento se llevó", pero es algo que pienso yo.

*Con respecto al compositor admitiré que una corrección, “directa al buzón”

Es claustrofóbica y reiterativa hasta el aburrimiento con respecto a plasmar el trastorno de la protagonista, el cual queda claro a los 20 minutos de su actuación. Con menos metraje se hubiera podido plasmar todas las circunstancias, matices de todos los personajes perfectamente. La película llega a cansar.

“What is straight? A line can be straight, or a street, but the human heart, oh, no, it's curved like a road through mountains.”

Escritor además de cineasta, Elia Kazan supo adaptar a las mil maravillas varias obras de dramaturgos norteamericanos a la gran pantalla. En este caso nos encontramos ante la mitiquísima obra de teatro de Tennessee Williams. "A Streetcar Named Desire" es una obra oscura, que toca temas como el maltrato, la sumisión, la locura o el malsano ambiente en los barrios marginales. En resumen, un retrato exhaustivo de las clases sociales brutalmente satirizadas y dramatizadas, un alegato contra las adicciones al sexo, la violencia, y la aceptación ante el dominio que otras personas ejercen sobre nosotros.

Blanche, maestra de escuela, viaja a New Orleans para vivir con su hermana y su marido después de perder su casa de campo, propiedad de la familia. Ella es inteligente, culta, educada y neurótica. Poco a poco nos damos cuenta de que su mente está algo perturbada, con sus largos monólogos divagantes o sus simples arranques de locura. Tiene una personalidad inquietante, en la que se mezclan sus modales altivos propios de una educación burguesa con otros que son fruto de las malas experiencias que le ha tocado vivir. Su carácter choca con el personaje que interpreta a la perfección Marlon Brando. Stanley, hijo de emigrantes polacos, es un hombre rudo, áspero, arisco, siniestro, maltratador, que pasa su tiempo libre gritando a su mujer, rompiendo cosas por la casa y emborrachándose con su cuadrilla. Stella, su esposa, vive una relación de sumisión con su marido, al que le permite humillarla incluso públicamente, ya que para ella el irrefrenable deseo sexual compensa todo lo demás. Blanche intentará aconsejar a su hermana, metiéndose a medida que avanza la película en una espiral psicótica que le llevará a perder el control de sus acciones.

Vivien Leigh y Marlon Brando llevan el peso de la película en todo momento, dejando al personaje de Stella en un segundo plano. La dualidad entre los dos personajes principales es el elemento central del filme: el bien y el mal, la educada y el ordinario, el aparentemente cuerdo con la aparentemente loca, el ligón de los bajos fondos con la puritana mujer que no ve el amor como algo meramente sexual.

Kazan se vale de una sobria puesta en escena, donde predominan los espacios cerrados, haciendo hincapié en ese callejón sin salida en el que se encuentra la mente de Blanche. Por medio de melodías simples, la obra realza el contenido dramático de cada escena que ocurre en ese apartamento, que dista mucho de ser un hogar, donde la violencia física y verbal es el pan de cada día. Destaca la luminosidad del filme, pasando casi sin darnos cuenta de escenarios diurnos a nocturnos, con un gran juego de luces en las estancias de la casa. El director americano muestra también un apabullante dominio formal del tempo narrativo y una excelente dirección de actores, algo característico en toda su obra, y recordemos que el cineasta de origen griego fue el impulsor de estrellas como Dean, Brando, Newman o Eva Marie Saint.

Un clásico y uno de los mejores dramas de todos los tiempos. Una obra con un tono transgresor y un componente sexual altísimo para la época en que fue realizada. Un reparto que está más allá de los elogios y un filme que se inmiscuye con gran eficacia en las turbulentas y dañinas relaciones de pareja, así como las enfermedades mentales.

Creo que mi principal pega con esta película es que parte desde la base de que es una adaptación teatral, adaptada por su mismo autor (o autores, el Teatro Tennessee Williams).

Considero que el cine y el teatro son medios que pueden beber el uno del otro y ramificarse según qué se trate, pero nunca iguales. Y la película pierde ritmo por momentos, tanto que igual no hubiera estado mal que llegase a menos de 2 horas. Pero aún así, la película da lo que promete y conmueve.

Adaptación al cine de la obra homónima del dramaturgo Tennessee Williams, considerada una de las más importantes de la literatura estadounidense, primero estrenada en teatro (1947) por el propio Elia Kazan.

Blanche DuBois llega a vivir a la modesta vivienda que su hermana Stella mantiene en Nueva Orleans, luego de haber sido desalojada de la hacienda familiar con motivo de los despilfarros de sus parientes. Las hermanas provenían de una familia acomodada, pero ahora Blanche ha quedado en la ruina rememorando tiempos mejores y proyectando ambiciones futuras a través de sus pretendientes.

Stella se ha emparejado con Stanley Kowalski, descendiente polaco representante de la clase trabajadora que desde el primer minuto no soporta la arrogancia y los aires de grandeza que profesa la hermana.

Blanche viene huyendo de la mala reputación que forjó en su tierra natal. Hace ostentación de una educación superior y su vida transcurre fuera del mundo real, inventando historias de pretendientes millonarios, donde ella misma confiesa que subsiste alterando la realidad y transformándola en magia.

Bebe demasiado, es neurótica y sufre crisis de pánico. La cotidianidad la supera a menudo y necesita refugiarse en la opulencia del pasado. Hay un fuerte sentimiento de atracción-odio entre Stanley y Blanche, pero esta última se las arregla para cautivar al menos rústico de los amigos de Kowalski.

Elia Kazan filma las escenas con soltura, rescatando la teatralidad de los diálogos, ejecutadas a la perfección por un notable elenco. La fuerza interpretativa de Marlon Brando (Kowalski) tiene su contraparte femenina en Vivien Leigh (Blanche), encuentro de dos caracteres que tienden a dominar a las personas que los rodean. Hay una permanente tensión sexual que el director desarrolla claustrofóbicamente al interior de la vivienda, siempre con las cortinas cerradas y en una penumbra donde chocan los personajes.

Blanche no sale nunca de la casa y si lo hace, lo hará de noche, siempre huyendo de la luz y de las murmuraciones de la gente. Sus pensamientos han quedado atrapados en las miradas inquisidoras de su ciudad natal, en cierta forma para el director y para Blanche, la luz representa la realidad, de la cual huye para refugiarse en la oscuridad, el lugar donde las mentiras pueden disfrazarse de verdad dentro de la mente fantasiosa de Blanche.

La película constituye un estudio acabado del machismo y de la violencia sexual, tema vigente a pesar del paso de los años, pero sobre todo profundiza en la psiquis femenina, esa aparente debilidad que juega con la voluntad de los hombres, solapada dentro de una dependencia del macho proveedor, pero que indudablemente oculta una fuerza que subyuga al mundo a girar en torno de su voluntad. Este tema subsiste en la actualidad, donde las mujeres ahora buscan emanciparse de los hombres o al menos mantener su independencia económica.

La perspectiva de la mujer ha cambiado radicalmente y en el presente el concepto de femineidad tiene menos relación con los caprichos y evidencias de debilidad con que las mujeres manipulaban a los hombres de antaño.

Woody Allen adaptará el texto dramático y dotará de una nueva visión a la historia de Tennessee Williams. Blue Jasmine (2013) será protagonizada por Cate Blanchett, que personifica a Jasmine, mujer que vive del aquí y ahora prestado por su hermana Ginger.

Allen le reserva más líneas a Ginger (Sally Hawkins), que personifica a la inmediatez, ese contentarse con el dejarse llevar, una mujer que no se valora a sí misma y cuya fuerza de gravedad atrae a puros perdedores.

Ginger simboliza el fondo del pozo, esa alma caritativa que no tiene nada que perder, debido a que no existe un estado peor. Allen coloca en el abismo a ambas hermanas, en cambio Kazan se enfoca en el infierno de Blanche. La hermana carece completamente de autoestima y cuando llega Jasmine en un estado calamitoso, Ginger en su pequeñez siente que puede ayudar a alguien más desamparado.

La propuesta de Allen es más moderna y Jasmine representará la ausencia de presente: siempre se hizo la tonta con los negocios turbios y amoríos de su marido. Personaje arribista e hipócrita, en cambio en la versión de Tennessee Williams, Blanche quedó desamparada luego de la muerte del esposo ante remordimientos por sus inclinaciones homosexuales. Este último tema fue rupturista para la época y Elia Kazan debió esconder esa realidad bajo el rótulo de «debilidad», como también recurrir a una elipse magistral para simular la violación de Blanche tras un espejo roto, para de esa manera eludir la censura. Al respecto, hay que subrayar que la representación teatral logró remecer los prejuicios morales de los años cincuenta; no así la versión cinematográfica cuyo guion adoptó una postura más conservadora para adaptarse a los cánones imperantes de cara a las estatuillas que obtuvo en los Oscar.