Caravaggio

Derek Jarman utiliza los cuadros de Caravaggio para componer imágenes que resultan efectistas en la pantalla, pero que no son efectivas para contar la historia de la vida del pintor. Ha hecho todo lo posible para conseguir en la pantalla los colores de los cuadros, y ha buscado el efecto de las luces y las sombras, tan importante en la pintura del italiano. Pero aquí es justo donde se produce el gran fallo de la película: si en un cuadro la imagen es estática, la sombra quedará siempre en el mismo lugar, sea la posición que sea la que adopte el espectador del cuadro, pero en el cine, imágenes en movimiento, el espectador debería ver moverse las sombras según se mueve la cámara que suele representar la visión del espectador, y eso no ocurre aquí. Las sombras son absolutamente estáticas, hasta el punto que las sombras producidas por las velas, y también la luz, quedan tan quietas que el espectador sabe que es un foco el que ilumina. Por otra parte, el anacronismo de una máquina de escribir, un camión, etc. me parecen bien como recurso que de alguna manera sacaría los problemas del artista a una época actual, pero no pasa de un mero recurso, y utilizado con muy poco arte. No creo que sea la película que pueda dar a conocer las luces y sombras de este pintor, aunque para la mayoría de los espectadores puede ser como una serie de notas sobre su vida y al mismo tiempo una exposición de bastantes de sus cuadros.

Una pena que una vida tan interesante como la de Caravaggio haya quedado en un película pretenciosa, vacía, todo envuelto en un puesta en escena miserable.
Tópicos sobre el Vaticano, gente más salida que el proverbial pico de una plancha, un juego facilón con el tenebrismo del pintor que era mucho más que eso.
Los actores son todos comparsas porque no hay emoción alguna. Un guión falto de ritmo y de brío que lo que consigue es aburrir.

Si quieres conocer la vida de uno de los grandes genios de la historia del arte, como es Caravaggio, no veas esta película. Quizá, de una manera muy somera, te puedes hacer una ligera idea de lo que fue la vida de este pendenciero pintor.
Jarman, intenta recrear las obras maestras del milanés, pero no consigue transmitir la fuerza de los cuadros, ni de los maravillosos claroscuros por los que destaca.
Como ya se han comentando en las otras críticas, el uso de objetos como una máquina de escribir, camiones, bicicletas, cigarrillos, el uso de esmoquin en algunos personajes, no hacen sino sacarme más de la película.
Una película con más sombras que luces, y no las de Caravaggio precisamente.

Quien sepa un poco de Caravaggio habrá podido comprobar que no es un biopic del pintor italiano, vamos, que podría haberse llamado "Fernando", "Pascual" o "Antonio", porque aquí no veo reflejado en ningún momento a Caravaggio. Los que no conozcan ningún aspecto de su vida y obra, no veáis esta película, porque aquí no encontrarás nada verídico, es una completa farsa. Además el film es de una calidad penosa. No sé en qué se ha basado el director o el guionista, ni sé qué tipo de documentación habrá manejado, pero se aleja mucho de la realidad, presentando algo caótico (en algún momento pensaba que estaba viendo una mala versión de David Lynch, con imágenes, en este caso no oníricas, pero sin ningún nexo en común y sin necesidad apenas del diálogo). Recurre constantemente al sexo, a la sensualidad, como si Caravaggio hubiese sido solo un ser desesperado por fornicar hasta en su lecho de muerte. Me ha indignado en muchos momentos, porque aquí no se refleja la esencia de Caravaggio, ese artista incomprendido que pasa por muchas vicisitudes y que termina su vida con un final trágico. Ni nos muestran su estancia en Malta, ni el impacto de sus obras, ni la relación con esos personajes de los bajos fondos de Roma se acerca a la verdad. Los anacronismos hacen que pienses que es una broma, que el director ha pasado totalmente de averiguar el entorno y el tiempo del pintor. No sé qué pinta música flamenca, una máquina de escribir y mil recursos más. No entiendo nada. He malgastado mi tiempo. Caravaggio seguramente se está revolviendo ahora mismo en su tumba.

El cine, considerado ya un nuevo arte, no sirve exclusivamente para narrar historias ficticias y entretener a las masas, sino que de vez en cuando se puede emplear para contar historias reales, o incluso para experimentar nuevas sensaciones, usando técnicas inusuales de narración que innovan el género. Un ejemplo es la película Caravaggio.

Caravaggio es una película británica estrenada en 1986 y dirigida por Derek Jarman, que detalla la vida de Michelangelo Merisi da Caravaggio, el conocido artista italiano del Barroco que representó en gran medida a la pintura de la Contrarreforma. Aunque gran parte de esta película detalla hechos ficticios, bien es cierto que esta ficción sirve para mostrar el origen de algunas de sus obras más famosas, y el estilo inusual de la película la diferencia de otras muchas películas biográficas.

La película comienza con Caravaggio (Nigel Terry) en Porto Ércole en su lecho de muerte, acompañado de su amigo sordo-mudo Jerusaleme, y a continuación (mediante el uso continuado de “flash-backs”) se narra la historia del joven artista, con una juventud rodeada de alcohol y pobreza. Esto cambia cuando el cardenal Francesco del Monte (Michael Gough) decide cuidarlo y enseñarle, ya que ve en él grandes dotes artísticas, y se convierte en su mecenas principal. Cuando es más adulto, conoce a un hombre llamado Ranuccio y a su novia, que se convertirán en sus modelos habituales, en sus intereses amorosos (ambos) y en la causa de su muerte…

A lo largo de la película, observamos además a Caravaggio pintando varios de sus cuadros, y descubrimos técnicas que usaba (uso de modelos, mezcla de colores) así como varias de las inspiraciones que le llevaron a pintar sus obras, especialmente influidas por sus conocidos y vivencias personales.

La rareza del film consiste en su técnica inusual de cortes entre presente y pasado, de forma desordenada (el primer flash-back ocurre después del segundo, etcétera) y casi sin descanso, acompañados de narración del moribundo Caravaggio en su lecho de muerte. Este estilo, aunque se haya utilizado en otras películas (por ejemplo, gran parte de la filmografía de Christopher Nolan), no es el habitual al hablar de personajes históricos reales, ya que más que a una película se asemeja a una novela, en especial en relación a los monólogos de Caravaggio: cada vez que habla, utiliza un lenguaje poético poco corriente en el cine, ya que deja la sensación de que está leyendo un poema más que narrando la historia de su vida.

En relación a los personajes también se nota un estilo inusual. Aunque aparecen diversos personajes, muchos de los cuales son históricos (Caravaggio, el cardenal del Monte, Ranuccio), no son realmente el motor de la película. Sus intervenciones y acciones, aunque avanzan la historia, son eclipsadas por el carácter artístico que posee la película. Hay muchas más escenas de Caravaggio pintando o escenas en silencio que crean ambiente que un desarrollo de personajes habitual. Además, varias de las acciones de dichos personajes son inventadas, se omiten otras importantes, y algunos acontecimientos se cambian, ya que por ejemplo el duelo mortal entre Caravaggio y Ranuccio no sucede como está documentado: en la película, Caravaggio da muerte a Ranuccio cortándole el cuello, en lugar de mutilarle los genitales como ocurrió en realidad.

Por otro lado, sí es verdad que en las secuencias con el protagonista de joven aprendemos su punto de vista hacia la vida, que representa en el arte. Por ejemplo, cuando le preguntan por qué pinta las caras de las personas con un tono verdoso, el responde que una vez estuvo enfermo, y así sentía que la vida debía representarse, con tendencia a la enfermedad y a la muerte, mostrando el lado pesimista del autor.

También ayuda a representar la vida del pintor el trabajo de fotografía del film (a cargo de Gabriel Beristain). Prácticamente cada fotograma de la película está rodado con unos colores apagados, sombríos, donde solo sobresale el rojo ante tanta oscuridad, y el empleo de luces y sombras también simula el estilo de Caravaggio como pintor. Es una técnica brillante para asemejar las escenas a cuadros del propio artista, imitando fielmente su estilo, tal y como si él los hubiera pintado en vida.

Algo muy importante a destacar es la presencia de algunas de las obras más relevantes de Caravaggio en la película, ya sea mientras las está pintando (ayudándose de modelos), o ya sea el cuadro terminado y listo para vender. De este modo, podemos aprender los métodos que empleaba el artista para pintar sus cuadros: de vez en cuando da vueltas alrededor de los modelos hasta que decide como pintarlos correctamente. A veces, ni siquiera vemos la obra en sí misma, sino la inspiración que recibió para más tarde pintarla, seguido de una representación con actores del cuadro. En otras ocasiones, lo que ocurre es que algunos momentos importantes de su vida vienen acompañados de estas representaciones, sin tener que ver con la inspiración para las obras.

Por desgracia, la presencia de estos cuadros ocasiona uno de los mayores problemas de continuidad que impide a la película ser una obra biográfica totalmente fiel, ya que varias de las obras mostradas no se pintaron en el orden que se muestra en la película. De este modo, la presencia de estas obras no sirve para un buen propósito que podría tener: servir de eje cronológico para la película. Debido a la gran cantidad de saltos temporales, es difícil saber en qué año sucede cada escena, por lo que la presencia de los cuadros podría ayudar a situar la situación en un año concreto. Además, la motivación y algunos métodos para crear algunas de estas obras son totalmente ficticios.

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