Acertado thriller en su arranque, que abre con unos títulos de crédito no muy conocidos de Saul Bass –del que hace poco GVD, precisamente, me recordó otros trabajos-.

Elegante cadencia y realización puntillosa, completa, con una artesanía teatral repleta de grúas y gran aprovechamiento de los espacios cerrados. La pena es que las tintas del psicologismo más desquiciadamente sesentero se hacen pronto con las riendas del asunto, en un desatinado traslape que combina aciertos, como la refinadísima puesta en escena ya mencionada o un contrastado blanco y negro, con una segunda mitad defectuosa, que adolece de serios brotes ciclotímicos que convergen en un desenlace exagerado desbordando el vaso de ese juego de espejos “realidad-invención-personalidades múltiples” -Que sí, que no; que sí, que no-. Juego que no desvelaré, claro, pero que, insisto, es lo peor de la película.

En símil jazzístico, Otto se pasó con la percusión, socavando la armonía y potenciando el traqueteo de unos golpes de efecto harto discutibles.

Y es que al metraje le hizo falta, precisamente, algún fármaco para controlar su bipolaridad y sus ansias de enredo gordiano y neurótico. Yo no sé si era cuestión de suministrárselo a Preminger o a alguno de los actores que, a la vista está, andaban necesitados de una correa modelo Mastín del Pirineo para sujetase en la interpretación. L. Olivier no, claro. Que está muy contenido él.

Recomendable por su academicismo, y por la posibilidad de encontrar un montaje y unos planos de clímax plenamente integrado en esos rasgos estilísticos archisabidos de la década de los 60. Sólo por eso, quizás, a muchos la peli les merecerá la pena.

A mí casi.

Bloomsday

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El director Otto Preminger, responsable de alguna de las joyas del cine negro, volvía sobre sus pasos pero dándole una vuelta de tuerca a un tema detectivesco. El film, después de unos inquietantes títulos de crédito se abre con la desaparición de Bunny Lake, a la que el espectador no ha visto, pero que su madre busca infructuosamente, de tal forma que el director juega con el espectador a hacerle pensar que más que una trama detectivesca/policial, en realidad nos está mostrando un tema más bien psicológico.

De esta forma, Preminger, consigue despistar al espectador, y con una excelente puesta en escena (sobretodo en la primera parte en la que no aparece la niña) crea un clima enrarecido y desasosegante en el que el espectador llega a no estar seguro de nada de lo que está viendo, en el que las apariencias engañan. Una vez consigue meter en el cuerpo del espectador el desasosiego y la incertidumbre, el film va alejándose cada vez más del aspecto policíaco y se va adentrando poco a poco en la senda de la instrospección psicológica, terreno donde evidentemente todas las apariencias engañan.

Film muy inteligente el que nos ofrece Preminger en que demuestra todo su buen hacer detrás de la cámara en una historia ambigua, llena de imágenes inquietantes que demuestran su buena planificación y mejor guión, y que de alguna manera se anticipa al "thriller psicológico".

manulynk

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Último de los grandes films de Otto Preminger (1906-86), poco conocido y frecuentemente olvidado. El guión, del matrimonio formado por John y Penélope Mortimer, adapta la novela “Bunny Lake is Missing” (1957), de Evelyn Piper, pseudónimo de Marryan Modell. Se rueda en escenarios reales de Londres (Trafalgar Square, Soho, Hampstead...) y alrededores. Es nominado a 2 premios Bafta (dirección artística y fotografía). Producido por Otto Preminger para Columbia, se estrena el 3-X-1965 (RU y EEUU).

La acción dramática tiene lugar en Londres a lo largo de unos 6 días de los primeros meses de 1965. Ann Lake (Linley), americana de unos 25 años, se traslada a Londres con su hija Bunny (Appleby), de 4 años, para estar cerca de su único hermano, Steve (Dullea), periodista, soltero, que ha sido enviado a Londres como corresponsal. Hace la travesía en barco y se aloja en una vivienda alquilada al casero Horatio Wilson (Coward), no muy alejada de la de su hermano. Poco después de la llegada, con cierto retraso, lleva a la hija al colegio “The Little People’s Garden”, donde la deja al cuidado de la cocinera, ya que todo el personal docente se halla ocupado y ella lleva prisa. Por la tarde, cuando va a recogerla, la niña no está en el colegio y nadie la ha visto. Se hace cargo de la investigación policial el superintendente de Scotland Yard Newhouse (Olivier). Ann es ingenua, sencilla y cariñosa. Steve es aparentemente tranquilo, frío y razonable. Apoya a su hermana ostensiblemente. El policía es veterano, riguroso y eficaz. El casero es entrometido, borracho y aficionado a los instrumentos sadomasoquistas.

El film suma misterio, thriller, drama y policiaco. Desarrolla un absorbente, oscuro y fascinante thriller psicológico que lleva la inquietud al ánimo del espectador, al que hace dudar de los protagonistas, las pesquisas de la policía, la realidad de los hechos y de su propio criterio. No crea motivos de terror, pero sí los crea de temor, zozobra y angustia. El desarrollo de la acción, plantea con habilidad y eficacia más interrogantes que respuestas, hasta el punto de sumergir el ánimo del público en un clima de desconcierto, desorientación e incertidumbre, que quiebra las relaciones entre apariencias y realidad. Añaden factores complementarios de preocupación las extrañas aficiones del casero, el hecho de que tiene por costumbre entrar y salir de las viviendas de sus inquilinos sin avisar y en los momentos menos oportunos y su estado crónico de embriaguez y descontrol personal. Añaden factores nuevos de temor los comentarios de Ada Ford (Hunt), la copropietaria de la escuela de la niña, sobre los sueños de los niños y la fragilidad de su imaginación en determinadas circunstancias, así como su sensación sobre algo extraño que advierte en Steve. Éste, por su parte, explica a la policía hechos de la infancia de Ann que plantean sospechas sobre su equilibrio psicológico y otros extremos relevantes para el caso.

(Sigue sin “spoilers”)

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Las interpretaciones de Lawrence Olivier, Carol Linley y el simpático Keir Dullea (“2001: una odisea del espacio”, Kubrick, 1968), sobresalen por su contención, equilibrio y acierto. Los diálogos son agudos y ponen en boca de Olivier y Coward frases y expresiones magistrales. La puesta en escena es excelente y constituye uno de los puntos fuertes de la obra, que avanza a un ritmo ágil. El relato absorbe al espectador, al que sumerge en un clima potente de tensión, intriga y misterio. Facilita la información según conviene al desarrollo de la curva de suspense que ha planificado y aplica con precisión. Es una obra que el realizador crea en condiciones de plenitud de facultades y con gran empeño, a los 59 años. Traslada la acción de NY (novela) a Londres, porque en esta ciudad trabaja más a gusto. Ofrece numerosas imágenes de la misma que delatan la simpatía y admiración que siente por ella. El film no fue bien recibido en su momento. 40 años después en círculos cinéfilos de cabecera es considerado un film de culto.

El tema de la niña secuestrada y desaparecida se ha repetido con frecuencia en el cine. “Plan de vuelo: desaparecida” (Schwentke, 2005) se basa en un hecho similar. También lo hacen “Adiós pequeña, adiós” (Affleck, 2007), “Misteriosa obsesión” (Ruben, 2004) y otras. El film homenajea a Hitchcock (“Psicosis” y “Extraños en un tren”), en el que se inspira para la creación de algunas situaciones y escenas.

La banda sonora, de Paul Glass (“Lady in a Cage”, Grauman, 1964), ofrece un tema principal (“Tema de Bunny”) de una cadencia hipnótica. Añade cortes románticos (“Samantha’s Waltz”) junto a otros dramáticos y siniestros (“A World of Dolls”). A través de la TV presenta varios cortes del grupo “The Zombies” (“Remember You”, “Nothing’s Changed”...). La partitura, rica en percusión (extremo que algunos censuran) refleja las preferencias y gustos del público joven de los 60. La fotografía, de Denys N. Coope (“El ingenuo salvaje”, Anderson, 1963), en B/N, abandona el color para recuperar el aspecto visual del cine negro clásico. Hace uso de planos largos, un diligente trabajo de cámara y una adecuada adaptación a los espacios pequeños. Compone imágenes de gran belleza plástica, que elevan el nivel del film.


Bibliografía

- BUDOKAN, “Bunny Lake is Missing (1965)”, ‘Otros clásicos’, noviembre 2008.
- Juan Luis CAVIARO, “El rapto de Bunny Lake, viviendo la pesadilla”, ‘Blog de cine’, www.blogdecine. com, abril 2008.
- Beatriz MALDIVIA, “Remake de El rapto de Bunny Lake”, Blog de cine, www.blogdecine.com, diciembre 2006.
- Oti RODRÍGUEZ MARCHANTE, “El rapto de Bunny Lake”, ‘Diccionario de películas de cine norteamericano”, págs. 708-709, T&B Ed., Madrid 2002.

Miquel

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Original, profundo e inquietante (nos puede suceder a cualquiera) punto de partida para una película con un ritmo endiablado y una imponente puesta en escena, que se apoya en una maravillosa fotografía en blanco y negro para retratar los avatares de los protagonistas y su complejo mundo interior.

No está exento de polémica este film, por la fuerte crítica social que conlleva al tratar el tema de las madres solteras (algo muy difícil de llevar en la época) y por la extraña relación de los dos hermanos.

Estamos ante una trama ciertamente angustiosa y claustrofóbica, la cual nos deja casi sin respiración por unos personajes ambiguos y una madre desesperada por no poder encontrar a su hija. Sufre una auténtica pesadilla a lo largo de toda la película.

Lo mejor: los fascinantes títulos de crédito del comienzo.

Lo peor: un desenlace cogido con pinzas que hace bajar la nota global (6,5).

Hrundi_Bakshi

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Muy buena película británica, en ese blanco y negro que muchas veces se considera con toda razón incluso más artístico e impresionante que el Technicolor u otras modalidades de filmes con colores.

El rapto de Bunny Lake trata precisamente de eso: del rapto de una niña pequeña llamada Bunny. Pero la película transcurre en medio de una intriga tal en relación a esta niña, a su madre y a su tío, al casero, a las maestras y algunas trabajadoras del centro escolar, que en verdad resulta un sobresaliente filme de suspense psicológico, que podría habérsele adjudicado, de no saber a ciencia cierta el director del mismo, a Alfred Hitchcock (aunque en mi opinión, Sir Alfred le habría dado un remate final más realista-brillante que el que le da Otto Preminger, el cual se puede calificar de soso, extremadamente grillado o con un grado tan excesivo de chifladura que es como si hubiese olvidado de repente que los espectadores que van al cine en general no son majaretas).

En fin, es una gran obra cinematográfica que podríamos encuadrar en el género psicológico, policiaco, misterioso, de desasosiego... La recomendaría con ánimo instructivo a todos los responsables que tienen guarderías de infantes o trabajan en este tipo de instituciones y escuelas de primaria. Les sería de gran ayuda para estar preparados ante problemáticas y padres extraños con quienes se las tendrán que ver tarde o temprano.

Fej Delvahe

Ehavled Jef

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