Cara de ángel

No es oro todo lo que reluce y el espectador busca y descubre, en cada primer plano de Jean Simmons, algo oculto, alguna perversidad que otra, porque lo de “Cara de Angel” está bastante claro que es una ironía y hasta Robert Mitchum se ha dado cuenta que algo no encaja y que la maquinaria mental de la niña rica no anda demasiado bien engrasada.

Claro que, uno se pregunta, ¿cómo se deja engatusar de esta forma? ¿Porqué no hizo las maletas cuando debía? ¡Vaya usted a saber! Exigencias del guión, tal vez. O quizás esa mezcla de ingenuidad, belleza y sensualidad le hizo perder el “oremus”. El caso es que el único culpable de ese deslizarse por la pendiente es él mismo. No hay excusas que valgan.

En el orden puramente cinematográfico, cabe decir que aunque la película tiene elementos destacables como por ejemplo la música de Tiomkin ó la labor en la dirección de Preminger no es, a mi parecer, la mejor obra de éste. Laura tiene un “algo” de lo que carece Cara de Ángel. Incluso Al borde del peligro ó Anatomía de un asesinato la superan. Y aunque nos deja escenas notables como por ejemplo el desarrollo del juicio ó la “confesión” en el despacho del abogado, tiene un algo previsible que la vacía un tanto de suspense y por ende de contenido.

Es de Preminger. Eso se nota. Pero aunque nos deja un buen sabor de boca, le falta algo de bouquet. Aunque como dice el refrán: “Sobre gustos no hay disputas”.

1) Preminger ha pasado a la Historia del Cine como maestro de la ambigüedad. La etiqueta da lugar a equívoco porque parece referirse peyorativamente a un estilo vaporoso, inconcreto, que dice las cosas a medias, cuando en realidad Preminger utiliza un lenguaje diáfano, lleno de precisión y detalles reveladores, para describir lo ambivalente de la naturaleza humana, sus abundantes matices y facetas, la cambiante tensión con que en todo momento se oponen pros y contras. Al revés que los estereotipos, que son de una sola cara, monográficos.

Una “femme fatale” no tiene por qué aparecer como vampiresa de voz gutural fumando en boquilla.
Un tipo duro, convencido de su inmunidad, puede resultar vulnerable y fácil de manejar tras las bravatas (recuerda al Mitchum de “Retorno al pasado”).
El medio de cultivo de una mente homicida no es por fuerza un hogar analfabeto y mísero. Puede ser un grupo familiar instalado en lujoso palacete, que compra vestidos caros un día sí y otro no, que tiene criado japonés que les prepara los cócteles, y que necesita un chófer.

2) Al llegar a esa apartada mansión, lugar de un confuso accidente casero, el conductor de la ambulancia, Frank, conoce a una joven y tarda poco en plantarle un bofetón (en plan terapéutico, eso sí). Según los clichés del cine negro, estamos ante el tipo duro, llamado a enloquecer a la protagonista, y más si tiene la pétrea fisonomía de Mitchum.
Pero ya desde el principio los esquemas van siendo desbordados: la señorita no es una cándida enamoradiza. Proyecta sobre su madrastra turbios odios. Habla de “ella” y la pinta como un ser siniestro y peligroso. Por supuesto, no lo parece.
La novia de Frank, que es perspicaz, trabajadora, despierta, cala a su rival al golpe de vista, en una escena de precisión absoluta, lo contrario de ambigua o vaporosa: cada palabra, cada pestañeo, cada pausa en la réplica…
Diana se muestra curiosa y preguntona, pero también maquiavélica y liante tras su fachada ingenua. Mientras toca dulcemente el piano urde sus confabulaciones. Esto no necesita explicación. Se ve, gracias al excelente trabajo expresivo de Jean Simmons y a los planos creados por el director.

3) ¿No hay sentimientos auténticos? ¿Todo es pura instrumentalización? El propio juicio es una investigación más sobre la verdad, no tan evidente. Fiscal y defensor argumentan con fuerza pareja ante el jurado.

4) Preminger evita la jerga psicoanalítica y va directo a lo que se ve. Prodiga escenas mudas de impecable factura, subrayadas por piano y orquesta románticos con aire a Rachmaninoff, apoyadas en los rostros de los magníficos actores.
Interludios emotivos: un personaje recorre la casa vacía, se hace patente que los demás no están. Las piezas de un tablero de ajedrez simbolizan el desenlace.
En silencio, sin parloteos, hablando las imágenes, en buena ley cinematográfica: ni blanco ni negro, sino todo lo contrario.

Último gran film policíaco realizado por Otto Preminger. Escrito por Oscar Millard, Frank S. Nugent y Ben Hecht (no acreditado), desarrolla un argumento original de Chester Erskine. Se rueda en exteriores de Beverly Hills y alrededores y en los platós de RKO Studios. Producido por Howard Hughes y Otto Preminger par la RKO, se estrena el 11-XII-1952 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en Beverly Hills (CA) y alrededores en 1951-52. Frank Jessup (Mitchum), auxiliar de clínica y chófer de ambulancia, es contratado por Charles Tremayne (Marshall) como chófer doméstico. Seducido por la dulzura y la apariencia angelical de su hija Diana (Simmons), Frank queda atrapado en sus redes maléficas. Él es un hombre corriente, bonachón, con novia formal y aspiraciones modestas (montar un taller mecánico de coches). Ella, de 20 años, es caprichosa, solitaria, no tiene amigos, está enamorada de su padre, siente celos obsesivos de su madrastra y bajo una mirada celestial oculta una personalidad manipuladora, fría, malévola y psicótica.

El film suma cine negro, drama, crimen y romance. Como cine negro es un producto tardío que se inspira parcialmente en trabajos anteriores, como “Regreso al pasado”, “El cartero siempre llama dos veces”, “¿Ángel o demonio?” y otros. El guión parte de un original que Preminger puede rehacer y que se va completando a medida que avanza el rodaje. Ben Hecht tuvo una participación relevante en la concepción y definición de las líneas básicas de la historia, cuya redacción concreta asumen Millard y Nugent. Pese a ser una obra de encargo (de Howard Hughes), Preminger la trabaja con dedicación y convicción, estimulado por la libertad que recibe para recomponer el guión a su gusto.

La narración es depurada, analítica y sobria, evita las referencias psicológicas tan en boga en aquellos momentos. De acuerdo con los gustos del realizador, las imágenes hablan por si mismas, directamente, significando lo que muestran. Este modo de proceder le permite hacer uso de las sutilezas que conforman su estilo personal. Cuando muestra a Diana tocando el piano con la vista perdida en la nada, nos habla sin palabras de su desequilibrio y su locura. Cuando lanza una cajetilla vacía de cigarrillos al vacío, nos sugiere la gravedad de sus pensamientos. Cuando mira desde la ventana lo que sucede en la explanada de llegada, sabemos que ha tomado una decisión trágica. El decorado y el vestuario son igualmente manejados por Preminger para comunicar, por medio de detalles, combinaciones, contrastes y sombras, información que profundiza en el drama o anticipa su desarrollo. La igualdad cromática con la que muestra las figuras de Diana y Frank y la superposición parcial de sus imágenes, anticipan la identificación del destino de ambos. Se sirve del vestuario, entre otros elementos, para subrayar las diferencias que separan a Diana y Mary (Freeman). La película muestra a un Preminger pletórico de facultades e ilusiones.

Interesante lo de otorgar tanto protagonismo a la mujer fatal, incluso lo de "humanizarla"; pero finalmente no me ha llegado tan hondo como otras películas negras en las que quedan esos cabos sueltos oscuros que es mejor no atar. De estas últimas también prefiero la fotografía, los ambientes asfixiantes, los diálogos profundamente sarcásticos y, por qué no decirlo, la hipnótica narración en off.
Hay un tramo que pertenece más al género judicial pero que es muy interesante. Tampoco es la primera película negra en la que se mezclan ambos géneros, pues se complementan muy bien.


Simmons: Pero yo le digo la verdad.
Abogado: La verdad es lo que decida el jurado.

Y del director también, no se crean, puesto que aunque Preminger no llegue a perfeccionar o, ni siquiera, cuidar algunos aspectos en este film, sobresale por su interesante labor, sobretodo por el juego que otorga a las secuencias dramáticas acompañándolas, en ocasiones, de una banda sonora impresionante, de lo mejorcito que servidor haya podido oir, logrando que las imagenes sugieran mezclándose con intensidad junto con las piezas compuestas. Sin embargo, quizá le falta algo más de ritmo a un film que se podría haber resuelto en menos tiempo e, incluso, algo más de trabajo en otros aspectos como la iluminación, mayor cantidad de planos, etc...

Pero bueno, como ya dije, en cintas como esta es donde se reivindica la importancia de la labor que pueda realizar un buen actor, pues teniendo un guión que tampoco ofrece demasiado, sólo un magnetizante e inquietante juego a tres bandas en un principio y algún que otro destello durante el transcurso del mismo, dicha labor es verdaderamente importante y, se puede decir, que aquí sobresalen algunos carácteres como la sobria interpretación de Robert Mitchum, que aporta también entereza al proyecto, haciendo que parte del peso del mismo recaiga sobre sus notables aportaciones. En el lado opuesto, se encuentra Jean Simmons, puesto que no en todo momento sabe darle los matices indicados a su personaje, flaqueando en diversos puntos la caracterización del mismo, aunque en alguna que otra ocasión, también resuelva de modo interesante. En cuanto a los secundarios, Mona Freeman deslumbra en casi cada una de sus apariciones y Leon Ames, pese a los pocos planos que comparte en pantalla con los demás, cumple con creces.

En definitiva, una papeleta resuelta con rigor por un equipo bastante acertado, puesto que quizá, la trama no daba para mucho más y que, pese a su previsible final, el mismo es verdaderamente estremecedor. Quizá no sea imprescindible, pero bien merece ser vista.