Al hablar de esta película me sucede lo mismo que ´cuando la película "¿Quién teme a Virginia Woolf?", porque se trata de una película tan profunda que sobrepasa. Estamos sin duda ante la mejor obra de Tennesse Williams, toda una reflexión sobre la pasión, la familia, el amor, la envidia, la codicia... Es toda una reflexión sobre la vida y sobre el ser humano. Lo mejor de la película, a parte del maravilloso guión, son sin duda las interpretaciones, no hay ni un solo actor que sobre y ni uno que haga una mala actuación en esta película. todos estan brillantes; Elizabeth Taylor, Paul Newman(en uno de los mekores papeles de su filmografía), Burl Ives(soberbio), Judith Anderson... Todos bordan su papel, todos dotan a sus personajes de un realismo y una vida que asombra. Los diálogos son también de una viveza que atrapan al espectador de principio a fin y que hacen que las horas vuelen. La primera hora de la película es del todo portentosa, toda una ironia. En definitiva es una obra maestra, es toda una lección de lo que es hacer cine y de lo que es saber dirigir una película. Es una película que después de vista no se olvida tan fácil y que llega a conmover al espectador y no lo deja indiferente.

Oscar

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Obra teatral, ganadora del premio pulitzer 1955, de Teneessee Williams adaptada por Richard Brooks. Juega, a través de una historia familiar asociado a las tensiones de las relaciones de pareja, con temas tan delicados como la fidelidad, la lealtad, la ambición, la paternidad y el cinismo. Perfectamente retratado gracias a unos soberbios actores, una dirección espléndida y un guión perfectamente desarrollado e hilado.

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Brooks y Williams comienzan la obra haciéndote dudar de la culpabilidad del matrimonio entre Margarate (Liz Taylor) y Brick (Paul Newman) tendiéndote más hacia el lado de él, pero a medida que avanza la historia te das cuenta que ella sólo intenta vivir, día a día, luchando por lo que más quiere, él. Brick es un persona que al igual que su padre tiene aversión a la falsedad, que es diferente que la educación (simbolizado en Madeleine, que aparenta ser educada y no ser hipócrita pero lo único que engendra son hijos malcriados). Desgraciado por la muerte de su mejor amigo (que tienen una relación homosexual expresada de manera implícita) huye del mundo realista, ahogándose en alcohol, para vivir en un mundo de mentira. Su padre (Burl Ives), parecidos en forma de ser, sabiendo lo que ocurrió entre su amigo y Margarete le muestra su forma de vivir, su farsa (conversación perfectamente reflejada en el salón y en el garage sobre la heroicidad y la valentía).
A partir de este punto , sabiendo Big daddy su muerte cercana, la película comienza tomando otro rumbo sobre la frustación de la felicidad de este, que intenta encontrarlo en el sótano, rodeándose de todos sus frutos económicos recogidos en su vida, mientras que los demás discuten avariciosa y codiciosamente por el dinero. A su vez por medio de Brick, que es el único de la familia que no le importa la herencia que le quede acargo, le muestra a su padre que el apego paternalista no se compra sino que se ofrece por medio de la afectividad. También le hace ver, por medio de la historia de su padre, que no importa el imperio sino las personas que lo comoponen.Esto hace que la película se cierre con la rendición del padre junto con la familia y los criados y el reencuentro amoroso (expresada simbólicamente echando su almohada sobre la cama) de Brick y, con la que siempre le ha ofrecido y por el que siempre ha luchado, la gata sobre el tejado caliente de zinc.

Teje

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Desde el primer minuto de metraje de la película todos y cada uno de los personajes que la componen logran transmitir la impresión indicada para la que fueron creados. Esto se consigue gracias a un elenco de actores inmejorables. Desde Paul Newman hasta el magnífico Patriarca interpretado por Burl Ives todos hacen un excelente trabajo, pasando por la cuñadísima, Madeleine Sherwood; y es que... ¿quién no odia a esa mujer desde el primer momento que abre la boca?

Una obra llena de metáforas. Los dos personajes con los conflictos internos más marcados (Brick y el Abuelo) son precisamente los que poseen algún tipo de tara física, y de esa manera se cosifica su dolor a los ojos del espectador despertando en él la lástima y la compasión por los dos gruñones tullidos.

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Otro aspecto relevante es el doble viaje que hacen los personajes por la mansión que representa a su vez la relación familiar. El piso superior, las emociones superficiales y las conversaciones hipócritas. La planta baja, los reproches y la avaricia. Por último, el sótano, donde podemos contemplar la única relación de verdad que existe en esa familia y donde afloran los sentimientos más profundos de el padre y el hijo favorito.

Por otra parte la relación entre Brick y Maggie la Gata nos absorbe desde el principio. ¿Quién es Skiper? ¿Una habitación de hotel? Umm... interesante... Nos mantiene con los ojos pegados a la pantalla atendiendo a todos y cada uno de los diálogos para resolver el misterio, un misterio que en realidad está en un segundo plano ya que lo que importa no es por qué Brick es un borracho sino de qué manera va a conseguir salir del bache.

Una obra maestra en la que todo encaja a la perfección, quizá el único pero es el doblaje, en el que se pierden algunas frases realmente relevantes dentro de la historia.

Mariukis

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La adaptación cinematográfica de la obra teatral de Tennessee Williams –una de mis favoritas sin ninguna duda– no implicaba mucha dificultad: el trabajo se reducía a encontrar a los actores adecuados y escribir un guión que no se alejara casi nada de los diálogos originales. Hoy nos parece que por aquel entonces no podrían haber elegido a otros que no fueran Newman y Taylor.

Cualquiera con un mínimo de sentido común se meterá de lleno en una historia de rencores familiares, de envidias y frustraciones, en la que una homosexualidad implícita del protagonista, en un momento y en un lugar inoportunos que obligaban a ocultarla, es la causa de todos los problemas.

jastarloa

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Adaptación realizada por Richard Brooks de la obra “Cat on a Hot Tin Roof”, de Tennessee Williams, ganadora del Pulitzer de teatro de 1955. Se rueda en MGM Studios (Culver City, CA), con un presupuesto de unos 3 millones USD. Producido por Lawrence Weingarten para MGM, el film se estrena el 20-IX-1958 (EEUU). La acción dramática tiene lugar en la mansión de una gran finca rural de Mississippi, a lo largo de una única jornada.

La obra reúne a una actriz consagrada, acreditada y de moda en aquellos momentos, un actor novel que todavía no había conseguido imponerse (sus últimas interpretaciones no habían convencido a todos) y un actor veterano que había interpretado el mismo papel, el del abuelo, en las tablas. La elección de los tres protagonistas principales es acertada y eficaz, como demuestra la fuerza e intensidad de los trabajos que entregan. Elizabeth Taylor crea un personaje que trasmite una potente sensualidad, especialmente en algunos pasajes culminantes. Paul Newman dota a su personaje de fragilidad, indecisión y frustración, de acuerdo con las necesidades de la historia. Burl Ives compone un papel fuerte y brillante que hace que el actor se coma la pantalla en casi todas sus intervenciones. Newman gana su primera nominación al Oscar y Taylor su segunda nominación.

El film recrea con pulcritud y precisión el clima mórbido e insalubre del Sur de EEUU, reconstruido con maestría por Tennessee Williams en sus obras de teatro. Analiza temas diversos y complejos, como la familia, el amor y el afecto, y contravalores como la codicia, la envidia, la hipocresía, el culto a las apariencias y el engaño. Reflexiona, además, sobre las relaciones de padres e hijos y de marido y mujer en la pareja. Añade un apunte sobre el deseo, la pasión y el paso del tiempo. De modo implícito, pero claro, aborda el tema de la homosexualidad masculina.

La acción, ajustada a una puesta en escena brillante y rica en recursos, se desarrolla en tres ubicaciones de interior: el salón de la planta baja, un dormitorio del primer piso y el subterráneo dedicado a almacén. La lluvia y el viento que baten el jardín, junto a los truenos que se oyen, contribuyen a crear la atmósfera densa y agobiante que envuelve a los personajes. El film no oculta su condición de teatro adaptado al cine, pero la acompaña de un movimiento diligente de cámara, una fotografía espléndida de William H. Daniels (creador de la imagen de Greta Garbo) y unos diálogos bien construidos, no exentos de detalles de humor.

La banda sonora recoge composiciones de archivo de la MGM. El “Tema de amor”, de Charles Wolcott, es el leitmotiv de la película. Se sirve de varios temas de André Previn (“Lost in a Summer Night”) y otros y de un fragmento de la Sinfonía nº 5, de Beethoven.

Por la intensidad que desarrolla y por su interés como reflejo de una época y de un tipo de cine de moda en los 50 y 60, la película es atractiva y recomendable.

Miquel

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