Belle époque es más que una simple e ingeniosa comedia. El mismo Fernando Trueba la calificó como “un estado de ánimo en época de vacaciones”. El director deseó en todo momento transmitir al espectador la vivencia de la libertad de acción y opinión existentes en tiempos del inicio de la Segunda República Española, en contraposición con el oscuro, cruel, intolerante y despótico panorama político-social que se instauró en España pocos años después; Trueba refleja el clima de un sosegado remanso en medio de la opresión política y social, el tono abierto, cordial y respetuoso de unos personajes librepensadores en un momento de clara incertidumbre. Por encima de estas referencias, Trueba acierta al incluir rasgos artísticos de otros grandes directores y sus obras, como de Jean Renoir en su magistral Une partie de campagne, o de Erich Rohmer en sus personalísimas Pauline en la Playa o Le rayon vert; en todas ellas se exalta el amor a la vida, a la sensación de libertad, la importancia de los sentidos y del sexo sin ambages, o la influencia del entorno y la naturaleza en los sentimientos.

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Fernando Trueba siempre quiso hacer una película que remitiese, aunque fuese de forma lejana, a nostálgicas experiencias autobiográficas de su juventud. En Belle époque el ambiente se hace reparadoramente bucólico para relativizar el contexto político y otras consideraciones dogmáticas más o menos intransigentes, un entorno en donde quedan abolidas, como un deseo ancestral del director, las más severas normas sociales, prejuicios morales y cantos de sirena ideológicos; un lugar idílico en donde pueden potenciarse y aflorar de forma natural esos sentidos e instintos innatos, en beneficio de la magia de una educación sentimental sin escollos morales o culturales. La Segunda República, etapa histórica en donde se ambienta la película, también representó esa promesa idílica que pronto se desvanecería.

Belle époque trata de temas sencillos, elementales y vitales desde el principio de la especie humana: el amor, como parte fundamental de nuestra existencia, el deseo sexual como parte consustancial de la calidad humana, la dificultad de elegir a la persona amada, la amistad, las excelencias de la cocina como efímero aunque intenso placer terrenal, lo espontáneo que todos llevamos dentro a pesar de nuestra condición o circunstancias, sobre nuestra capacidad de ofrecernos a otro ser, como un instinto primitivo alejado de toda concepción moral o religiosa, trata de las peripecias de un amante del amor carnal, como así también lo ilustró Françoise Truffaut en su manifiesto sentimental y otrora escandalosa cinta El hombre que amó a las mujeres, aunque en el caso de Fernando éste amor al sexo débil y la inclinación obsesiva hacia el matrimonio no es más que una respuesta conservadora y moralmente engañosa hacia su talante promiscuo y espíritu vividor.

La película comienza y termina con dos episodios luctuosos: arranca con la muerte de dos guardias civiles y concluye con el suicidio del cura (Agustín González) y la suspensión obligatoria de la boda, un símbolo de la claudicación de Fernando hacia lo socialmente correcto. Esas dos escenas funcionan como dos rupturas dramáticas que marcan el paréntesis idílico que vive el protagonista y todos los espectadores. Si la película comienza con un prólogo más cercano al humor negro, concluye con un triste epílogo que acumula una triple tragedia: el suicidio del sacerdote, la renuncia de Fernando y la soledad de Manolo, donde no hay lugar para el humor. No es precisamente un final feliz, el plano de Manolo alejándose en el coche de caballos aparece teñido de contagiosa melancolía, de una intensa abulia, como si el autor, los personajes y el paisaje cayeran en la cuenta que la tristeza no tiene fin… aunque la felicidad sí. Un final que invita a la reflexión sobre nuestro concepto de la vida.

Baxter

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Un pardillo, salido como el mismo y 4 jovenzuelas esperando desflorarse... No hace falta argumento para tal bodrio. Se te hace largo cada minuto de la misma, y solo la salvan unas palomitas con el punto de sal y una cocacola bien fresquita.
Sale alguna que otra tetita, la Verdú un putón como siempre, bastante guarrona y Gabino en su papel de idiota que le va al pelo.

Oscarizada hasta la médula y demacrada hasta en Mexico donde fue eliminada del cartel dos días después de su extreno.

Lo dicho, arriba el cine español!

Txiki

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Comedia de enredos con fondo romántico que tampoco se aparta de meter bocadillos políticos alegóricos a la guerra civil española.
Pero lo importante aquí es lo bien concebida que está la historia, la cual nos pasea por situaciones jocosas donde un joven ex seminarista “picaflor” revolotea de coño en coño a las 4 hijas de un retirado pintor. Pero lo más divertido de todo es que no sabemos bien quién es el que aprovecha la situación, si el joven o las fogosas jovencitas que también saben manipular la situación de competir por los “servicios” del joven.
Sin dudas que el guión está muy bien orquestado y mantiene siempre una sonrisa en el rostro del espectador, ya sea por algunas disparatadas situaciones o por algunos diálogos memorables.
Tampoco es menor destacar las actuaciones de las cuales me quedo sin dudas con la de Fernando Fernán Gómez, ese viejo alegre que no se preocupa mucho por la integridad sexual de sus hijas y cuyas ideas y filosofía de vida no nos dejan de asombrar ni un momento. También es interesante y simpático el papel de Jorge Sanz, quien no tiene la más remota idea de dónde se está metiendo con la idea de pasarla bien con las bellas hijas del anciano pintor. Las bellas actrices tampoco son para despreciar en sus interpretaciones, aunque sin dudas que se las disfruta más por sus agraciadas anatomías y su belleza física que por otra cosa. También hay un elenco de reparto sólido, cada uno en la medida de su participación dentro del guión, para dar por resultado un filme sumamente atractivo desde la parte artística, sin puntos muertos y con un dinamismo constante.
Preciosa también resulta desde lo estético, con conseguida fotografía y escenarios naturales a la altura de una comedia con hilarante contenido de enredos sexuales con dejos de mensajes políticos, los cuales sólo podrán interesar a fanáticos patriotas que escarban en una historia donde poco positivo puede encontrarse.
Me quedo por ello con su desparpajo y con la naturalidad de los actores, lo cual junto a lo bien construido que está el argumento, da lugar a una interesante opción de pasar un rato alegre con ocurrentes situaciones.

Betomovies

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Un renacuajo salido se lo monta cojonudamente con cuatro hermanitas que sufren de furor uterino en vísperas del advenimiento fascista. Para los progres como el bizco que firma este bodrio (quizá por ello podamos perdonarle su distorsionada visión) el paraíso perdido no era la igualdad de todos los españoles ante la ley y el derecho, sino el simple folleteo. Créanme que no era así: yo viví aquellos días y no logré comerme un rosco.

Don Cipote

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Los Angeles, marzo de 1.994. 66ª Ceremonia de Entrega de los Premios de la Academia de Hollywood. Fernando Trueba conquista el segundo Oscar en la historia del cine español en la categoría de Mejor Film en Lengua no Inglesa, una década después de que José Luis Garci se hubiese hecho con el primero con Volver a empezar.

Es el galés Anthony Hopkins el encargado en aquella ocasión de anunciar el nombre de la ganadora. "And the Oscar goes to... Belle epoque". Toda una alegría y una sorpresa que casi nadie espera. El film español no entra aquel año en ninguna de las quinielas en una edición dominada por la presencia de producciones asiáticas.

Trueba, emocionado sube a recoger su premio y lo agradece sorprendiendo a los académicos con un discurso que ya forma parte de nuestra memoria. Especialmente inolvidables son sus últimas palabras: "Me gustaría creer en Dios, pero sólo creo en Billy Wilder, así que, gracias Sr Wilder"

A pesar del guiño, no cabe considerar Belle Epoque como la mas "wilderiana" de las comedias de su autor. Trueba aseguró en alguna ocasión que en el guión escrito junto a Rafael Azcona y su hermano David incorporó algún elemento autobiográfico correspondiente a sus años de juventud. Hay también una película anterior en la filmografía del realizador, El año de las luces, que en parte puede tomarse como precurosa de Belle epoque. En ambas, se nos narra el despertar a la vida sexual y afectiva de un adolescente si bien las dos transcurren en períodos cronológicos distintos.

En cuanto a las referencias cinéfilas, más que al "Dios" Wilder el director se muestra más próximo a su igualmente admirado Jean Renoir y a títulos como La regla del juego o Una partida de campo que comparten con Belle epoque su marcado tono bucólico y un cierto carácter de alabanza hacia la vida rústica.

Belle Epoque no es ni más ni menos que una fiesta de principio a fin. Trueba logra que el espectador se contagie y acabe participando de ese gozoso canto a la libertad que es su película. No es casualidad que su trama se sitúe cronológicamente en los últimos días de la Segunda República española, un período que aquí se presenta como uno de los más felices y prósperos de nuestra reciente historia, preludio y contrapunto del oscuro pozo en el que está a punto de zambullirse el país para no salir en cuarenta años. En esta particular "belle epoque" se hace muy fácil la exaltación de la "joie de vivre" y el amor por la vida dados los vientos de libertad que soplan por doquier y que recorren todos los ámbitos de la vida nacional: el pensamiento, la enseñanza, el sexo…

El escenario en el que se desarolla la historia también aparece como un oasis de paz y armonía en medio del convulso panorama político que sacude al país en esos momentos. Trueba y los suyos se marcharon a rodar Belle epoque a un viejo caserón sito en el Algarbe portugués, una región especialmente bella y luminosa que resulta un marco ideal para los intereses de la película.

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No obstante, el guión – no podía ser de otra manera estando escrito por quienes está escrito- tiñe la historia de cierta melancolía y amargura que terminan por dar al conjunto de la obra el carácter de una tragicomedia. La obra arranca con un hecho trágico como es el suicidio de los dos guardiaciviles narrado desde una perspectiva humorística y concluye con el ahorcamiento del párroco, que empaña en parte el final de la historia y nos deja un sabor agridulce.

La película tiene como protagonista a Fernando, un ex seminarista que sirve como soldado en el ejercito español y que decide desertar de él en vísperas del estallido del golpe fascista del 36. En su huída el joven encuentra refugio durante unos días en casa de Manolo, un artista retirado y alejado del mundanal ruido que le brinda su amistad y le adopta como pupilo y cocinero. Cuando Fernando está a punto de abandonar la casa de su mentor, éste recibe la visita de sus cuatro hijas que acuden a pasar junto a su padre las vacaciones de verano. Fuertemente impresionado por la belleza de las jóvenes, el muchacho decide cambiar de opinión y quedarse un tiempo más, un tiempo en el que acabará seduciendo sucesivamente a cada una de ellas sin saber de quien está en realidad enamorado.

No cabe duda de que el peso interpretativo de esta comedia coral recae en su quinteto de jóvenes protagonistas sobre quienes nada hay que objetar. Tanto Jorge Sanz, un actor en constante progresión, como sus cuatro compañeras de catre, quiero decir de reparto están más que correctos en sus respectivas composiciones.

Sin embargo, y tratándose de una comedia azconiana y de raíces berlanguianas – y está claro que Belle Epoque lo es- algo habrá que decir de su impagable elenco de secundarios. Algo habrá que decir por ejemplo de esos Gabino Diego y Chus Lampreave que dan pie a algunos de los momentos más hilarantes y disparatados de la cinta o de ese impresionante Agustín González en un papel que bordada y en el que nunca nos cansábamos de verle.

Qué se puede hacer finalmente si no es postrarse de rodillas ante un monstruo de la interpretación como Fernando Fernán Gómez, un actor capaz de convertir en oro todo lo que tocaba y que aquí además se revela como el auténtico espíritu de la película con un personaje hecho a la medida mezcla de bondad y escepticismo. Cómo no acabar perdiéndose en esa mirada triste y lánguida final suya con la que despide no solo a una hija sino también a una época y un tiempo irrepetibles que nunca más han de represar. Como diciendo, tarde o temprano esto tenía que pasar, yo ya me lo olía desde el principio. A fin de cuentas…, nada ni nadie es perfecto.

dexter

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